The Backroom

The Backroom
ESP
ENG
Jenelle Esparza
Victoria Martínez
Andre Keichian
21.NOV.2023
Geografía personal
Geografía personal
presenta a tres artistas cuyas prácticas creativas abordan experiencias específicas de lugar. Sus obras presentan acumulaciones de conocimientos subjetivos yuxtapuestos a la historia, la arquitectura y el entorno natural. La noción de paisaje, representación de la tierra y el cielo, ha sido durante mucho tiempo un vehículo para la imaginación poética, la proyección y el deseo. Pintado literalmente para captar la majestuosidad de la aventura y el viaje, o extrapolado a formas abstractas que evocan la memoria o la nostalgia, este formato se presta a la interpretación y la deconstrucción.
Los procesos abordados en Geografía personal transportan al espectador a los estudios de los artistas. Allí, puede encontrar fotografías sumergidas en solución salina, cuadrículas y contornos tomados de manzanas, o franjas de algodón y recuerdos religiosos reunidos en remembranzas. Las imágenes se superponen y se complementan como si hubieran sido barajadas a mano y reorganizadas en nuevas composiciones, nunca fijadas de forma permanente. Jenelle Esparza comparte fotografías instantáneas de un viaje por carretera del sur de Texas, encontrando motivos estéticos en espacios vernáculos. Victoria Martínez construye vistas y formas con elementos transpuestos de la arquitectura urbana y su investigación de la historia del arte. Andre Keichian reimagina álbumes de fotos familiares a través de la manipulación digital, haciendo aflorar tanto la ambigüedad como la intimidad.
Las imágenes y los artistas reunidos en Geografía personal no ofrecen una definición singular del lugar ni un modelo oficial para representar el paisaje. Por el contrario, estas obras invitan al espectador a interrogarse sobre su relación con su propia localidad. ¿Dónde se convierte el telón de fondo en primer plano, dónde se difumina la línea del horizonte? ¿Qué estructuras son puntos de referencia y cuáles son casi invisibles? ¿Puede el terreno convertirse en un archivo? Esparza, Keichian y Martínez crean nuevas formas de ver y recordar, subrayando la experiencia individual del lugar y las infinitas posibilidades de la perspectiva.
CURADORA
Mia López
Mia López es curadora, historiadora del arte y escritora. En 2023 se incorporó al McNay Art Museum de San Antonio, Texas como la primera curadora de arte latinx. Durante más de quince años ha trabajado con museos y organizaciones en exposiciones, publicaciones y programas públicos centrados en ampliar el canon histórico del arte. Su práctica se centra en el arte contemporáneo, con especialización en arte latinx, artistas socialmente comprometidos y políticas de identidad. También ha ocupado puestos curatoriales en el DePaul Art Museum y en el Walker Art Center.
Mia cursó un máster doble en la School of the Art Institute of Chicago en Historia, Teoría y Crítica del Arte Moderno y Contemporáneo y en Administración y Política de las Artes; también es licenciada en Historia del Arte por la Rice University. Ha realizado prácticas y trabajado en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, el Museo de Arte Contemporáneo de Houston, el Contemporary at Blue Star y el Museo Alameda de San Antonio. Mia fue parte del Programa de Estudios de Museos Latinos del Smithsonian y del Instituto de Liderazgo de la Asociación Nacional de Artes y Culturas Latinas. Sus escritos han aparecido en publicaciones del DePaul Art Museum, el Contemporary Art Museum Houston, el Walker Art Center, Prospect New Orleans y Arte Publico Press.
NOV.21.2023
Personal geography
Personal geography
features three artists whose creative practices address specific experiences of place. Their works present accumulations of subjective knowledge juxtaposed with history, architecture, and the natural environment. The notion of a landscape, a depiction of earth and sky, has long been a vehicle for poetic imagination, projection, and desire. Whether painted literally to capture the majesty of adventure and travel or extrapolated into abstract forms that evoke memory or longing, this format is ripe for interpretation and deconstruction.
The processes touched upon in
Personal geography
transport the viewer to the artists’ studios. Here, they may find photographs submerged in saline, grids and contours borrowed from city blocks, or swaths of cotton and religious mementos assembled into remembrances. Images overlap and abet each other as if shuffled by hand and rearranged into new compositions, never permanently fixed. Jenelle Esparza shares snapshots from a South Texas road trip, finding aesthetic motifs in vernacular spaces. Victoria Martínez builds vistas and forms with elements transposed from urban architecture and art historical research. Andre Keichian reimagines family photo albums through digital manipulation, surfacing both ambiguity and intimacy.
The imagery and artists assembled in
Personal geography
do not provide a singular definition of place or an authoritative model for depicting landscape. Instead, these works might invite the viewer to interrogate their relationship to their own locale. Where does the backdrop become the foreground, the horizon line blur? Which structures are landmarks, and which are nearly invisible? Can terrain become an archive? Esparza, Keichian, and Martínez each create new ways of seeing and remembering, underscoring the individual experience of place and the endless possibilities of perspective.
CURATOR
Mia Lopez
Mia Lopez is a curator, art historian, and writer. In 2023 she joined the McNay Art Museum in San Antonio, Texas as the first Curator of Latinx Art. For over fifteen years she has worked with museums and nonprofit organizations on exhibitions, publications, and public programs focused on expanding the art historical canon. Her practice centers around contemporary art, with specializations in Latinx art, socially engaged artists, and identity politics. She has also held curatorial positions at DePaul Art Museum and the Walker Art Center.
Mia completed dual Masters at the School of the Art Institute of Chicago in Modern and Contemporary Art History, Theory, and Criticism and Arts Administration and Policy; she also has a BA in Art History from Rice University. She has interned and worked at the Museum of Contemporary Art Chicago, the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, the Contemporary Art Museum Houston, the Contemporary at Blue Star, and the Museo Alameda in San Antonio. Mia is an alumnus of the Smithsonian Latino Museum Studies Program and an alumnus of the National Association of Latino Arts and Cultures Leadership Institute. Her writing has appeared in publications by DePaul Art Museum, the Contemporary Art Museum Houston, the Walker Art Center, Prospect New Orleans, and Arte Publico Press.
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Alejandra R. Bolaños
Stelios Kallinikou
Cristina Ochoa
14.SEP.2023
El archivo más allá de sus contornos
Esta edición de The Backroom,
El archivo más allá de sus contornos
, reúne tres artistas de diferentes latitudes que han adoptado la noción de archivo como fundamental dentro de su práctica: Alejandra R. Bolaños, Stellios Kallinikou y Cristina Ochoa. En  su trabajo, lxs tres exploran las maneras en las que el conocimiento sobre ciertas cuestiones específicas se ha articulado a lo largo de los años, con el propósito de cuestionar las narrativas hegemónicas y suposiciones de relatos que les antecedieron. Con ello, proponen otras maneras de relacionarse con los temas en cuestión, principalmente a partir de la experiencia directa de aquello que se mira, escucha, conversa, o bien, que se experimenta a través de una multiplicidad de sentidos o de lo no consciente.
Si bien cada unx de ellxs trabaja desde contextos y perspectivas distintas entre sí, lxs tres mantienen un interés particular por las representaciones visuales, sonoras o discursivas de la naturaleza. Responden, además, a complejas relaciones sociales, económicas, políticas y conceptuales de ciertas localidades, mismas que se ven afectadas, cada una de manera particular, por proyectos de dominio colonial y postcolonial. A través de su uso creativo de la noción de archivo, lxs tres invitan a ir más allá de las maneras que hemos asimilado, a lo largo de los años, de catalogar y representar aquello que está frente a nosotros.
CURADOR
Andrés Valtierra
Andrés Valtierra (Ciudad de México, 1988) es un curador con sede en la Ciudad de México, y ha sido curador asociado en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo desde 2015. Su práctica explora las historias hegemónicas del arte —en particular aquellas relativas al concepto de América Latina—, con el objetivo de desvelar los discursos asumidos que les dan forma e introducir narrativas y enfoques más inclusivos. Tiene una maestría en Curaduría de Arte Contemporáneo por la Universidad de Essex, y una licenciatura en Lengua y Literaturas Inglesas por la Universidad Nacional Autónoma de México, donde se especializó en Crítica Literaria. Este último aspecto tiene una profunda influencia en su forma de abordar las artes visuales.
SEP.14.2023
The archive beyond its contours
This edition of The Backroom,
The archive beyond its contours
, brings together three artists from different latitudes who have adopted the notion of the archive as fundamental to their practice: Alejandra R. Bolaños, Stellios Kallinikou and Cristina Ochoa. In their work, the three of them explore the ways in which knowledge about specific issues has been articulated over the years, with the purpose of questioning the hegemonic narratives and assumptions of stories that preceded them. In doing so, they propose other ways of relating to the issues in question, mainly from the direct experience of what is seen, heard, talked about, or experienced through a multiplicity of senses or the unconscious. Although each of them works from different contexts and perspectives, all three maintain a particular interest in the visual, sonorous or discursive representations of nature. They also respond to complex social, economic, political and conceptual relationships in certain localities, each of which is affected in its own particular way by projects of colonial and post-colonial domination. Through their creative use of the notion of the archive, the three invite us to go beyond the ways we have assimilated, over the years, of cataloguing and representing what is in front of us.
CURATOR
Andrés Valtierra
Andrés Valtierra (Mexico City, 1988) is a curator based in Mexico City, and has been Associate Curator at the Museo Tamayo Arte Contemporáneo since 2015. His practice explores hegemonic histories of art—particularly those concerning the concept of Latin America—, aiming to disclose the assumed discourses that give them shape, and to introduce more inclusive narratives and approaches. He holds an MA in Curating Contemporary Art from the University of Essex, and a BA in English Language and Literature from the Universidad Nacional Autónoma de México, where he majored in Literary Criticism. This latter aspect has a profound influence on the way he approaches the visual arts.
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Érika Ordosgoitti
Carlos Salazar-Lermont
Miguel Braceli
21.SEP.2022
Recuperación
En
Recuperación
, Carlos Salazar-Lermont, Erika Ordosgoitti y Miguel Braceli presentan obra ubicada en la intersección entre fotografía, video y performance en el espacio público. Los tres ostentan métodos de investigación y procesos artísticos desarrollados al amparo del declive y subsecuente colapso del proyecto Chavista en Venezuela. Con distintos tonos su trabajo refleja diferentes posiciones de la desintegración de la esfera pública venezolana. Erika Ordosgoitti presenta sus performances públicos así como sus fotoasaltos, nombre que da a sus rápidas intervenciones fotográficas en espacios públicos, entre ellos una intervención en la Plaza Bolívar donde trepó sobre la estatua del Libertador, causando ataques a su persona en prensa, redes sociales e incluso por parte de miembros del gobierno, lo que provocó un efecto en cadena que la llevó a dejar su país. Sus fotoasaltos abordan la percepción sociopolítica del espacio público, buscan una sutil recuperación tanto del cuerpo como de la mente de las personas, a menudo embargadas por los mecanismos de control político del poder. Con su cuerpo desnudo descubre la fractura en el tiempo-espacio del Estado, sumergiéndose en ella aún a costa de su seguridad. Sus espectrales métodos de trabajo recuerdan las grotescas formas de poder que los gobiernos infligen sobre el cuerpo y mente de sus gobernados. Braceli también usa la arena pública para reconstruir prácticas discursivas participativas, presentes en el archivo fotográfico de su trabajo
Área
. El performance tomó lugar tomó lugar en la Plaza Caracas, invitando a las personas a arrastrar una lona negra para marchar en línea con el objetivo de crear un área rectangular al centro de la plaza, demarcándola continuamente. La Plaza Caracas, un tipo de ágora moderna, es un espacio donde debería sostenerse el diálogo político. En su ausencia,
Área
pretende disolver el enfermizo efecto de la discordia entre las personas en pos de recuperar la idea del bienestar común a través de una acción colectiva efímera. Con esto apunta a restaurar y reincorporar el ensamble de voces políticas que la plaza ha perdido. Carlos Salazar-Lermont comparte sus fotoperformances y otras obras de proceso, una de los cuales es
Austerity Performance
, trabajo en línea donde por varios meses el artista compartió sus métodos para volverse austero: sus meriendas diarias, fotografías de sus víveres, prototipos de su propia moralidad, ética y promesas, para eventualmente revelar el valor neto de sus ahorros a través de dichas acciones. La calculadora severidad del performance expone el proceso diario de degradación personal a través de la aplicación de estas estrictas medidas autoimpuestas, haciéndonos pensar sobre los límites de la indulgencia y la decadencia acaecidas por las políticas públicas forzadas que ponen en riesgo la estabilidad y bienestar de la población.Si bien el trabajo de Salazar-Lermont para
Reclamation
no lidia directamente con la esfera pública como los del Braceli y Ordosgoitti, este más bien mezcla temas como la transparencia de la vida pública en su práctica. El proceso cotidiano de su acción austericida apunta a la falacia cristiana propagada por el gobierno venezolano, de que ser pobre es heroico. Sin embargo al someterse a esta autovigilancia ascética monitoreada por las formas morales de las redes sociales, irónicamente Salazar-Lermont se convierte en el principal agente de una autogobernanza que le lleva a incrementar su riqueza. Estos tres artistas muestran distintos rangos de riesgo (personal - externo) en su obra, con diversos acercamientos éticos que recogen los escombros del colapso social, para reclamar el discurso, sus entornos, sus mentes y las de otros. En sus performances de naturaleza efímera se zambullen en las líneas de fractura social, con la esperanza de volver a la superficie a salvo.
CURADOR
Wil A. Ruggiero
Wil A. Ruggiero es un curador e historiador de arte radicado en Chicago. Su investigación se centra en el arte y cultura moderna y contemporánea de América Latina, particularmente en historias de la modernidad, el espacio construido, economías extractivas y la urbanización. Ha ocupado puestos como curador residente en el Chicago Artist Coalition y en el Centro Cultural de Chicago. Curó la obra de Greg Bae en la Chicago Urban Art Society y fue curador visitante en Chuquimarca, un espacio de exhibición independiente. Ha presentado proyectos y ponencias en el College Art Association, la Fabrica de Arte Cubana durante la Bienal de La Habana 2015, el Instituto Hemisférico GSI y la Asociación Americana de Geógrafos. En 2019 participó en el intensivo de curaduría con  Independent Curators International en Nueva Orleans. Actualmente trabaja en la intersección entre el espacio público, desarrollo comunitario y práctica pública cultural en Chicago. Está licenciado con una maestria en Historia del Arte Moderno, teoría y critica de la Escuela del Instituto de Arte en Chicago.
SEP.21.2022
Reclamation
In
Reclamation
, Carlos-Salazar Lermont, Erika Ordosgoitti and Miguel Braceli present works at the intersection of photography, video, and public performance. These three artists present methods of research and processes developed from observing the downturn and subsequent collapse of the Chavista government in Venezuela. With diverse textures, their works capture different positions within the disintegration of the public sphere.  Erika Ordosgoitti presents her public performances as well as her photoassaults, a name she gives to her quick photographic interventions in public spaces. Among them is her intervention at the Plaza Bolivar where she climbed onto the statue of the Liberator.  Subsequently, the artist suffered attacks by the press, social media and members of the government, a chain effect that led her to leave her country. The photoassaults of Erika Ordosgoitti attack socio-political perceptions of public space, swiftly recuperating the body and mind so often sequestered by power. Her naked body finds the logistical crack in the public state’s time-space, diving into it and putting her body and welfare at risk. Her ephemeral and spectral methods bring forth the different grotesque forms of power government inflicts on people, their physical bodies and minds.  Braceli also uses the public space to rebuild discursive participatory practices. He presents archival footage of his work
Area
. The performance took place at the Plaza Caracas, leading people to carry black cloth and marching in line to create a rectangular “area” at the center of the square, continuously demarcating it. The Plaza Caracas, a type of modern agora, is a place where political discourse should be had. In the absence of such political and societal dialogue at the time, however,
Area
edges to recuperate the ill effects of disagreements amongst people, to create a space to take back the commons with an ephemeral collective action. It moves to restore and reincorporate the assemblage of political voices this plaza has lost.   Carlos Salazar-Lermont shares his photoperformances and other durational works, one of which is his
Austerity Performance
, an online work where over several months the artist shared his methods of becoming austere: his daily meals, pictures of his groceries, prototypes for his own accountability and promises, and eventually the formal net-worth of his savings. The severe and calculated form of personal performance in Carlos Salazar-Lermont’s
AusterityPerformance
exposes an everyday process of self-imposed strict measures, making us think about limits, indulgence, decadence and most of all, forced political policies that risk the well-being and stability of the population. While his works in
Reclamation
do not deal as directly with the public as Braceli's and Ordosgoitti's, Salazar-Lermont’s blends transparency and public life into his practice. The everyday process of the performance, of becoming austere, points to the Christian fallacy so often propagated by the Venezuelan government, that to be poor is heroic. Undergoing an ascetic self-surveillance and social media’s public forms of accountability, however, Salazar-Lermont becomes the primary agent of a self-governed process of increasing his wealth.  These artists display forms of personal and external risk textured with an ethics of care that seeks to salvage wreckage of a societal collapse. The care to reclaim discourse, their environments and their own minds and those of others. Their ephemeral and fleeting performances examine affective zones that seek out fault lines, locating them as a point of investigative research, diving in and hopefully returning to the surface with salvage.
CURATOR
Wil A. Ruggiero
Wil A. Ruggiero is an art historian and curator based in Chicago. His research focuses on modern and contemporary art and culture of Latin America, particularly in histories of modernity, the built environment, extractive economies and urbanization. He has held posts as resident curator at the Chicago Artists Coalition and the Chicago Cultural Center. In 2014 he co-organized
Cuban Virtualities: New Media Art from The Island
at Sullivan Galleries at the School of the Art Institute of Chicago. He curated the work of Greg Bae at the Chicago Urban Art Society and was visiting curator at Chuquimarca, an independent exhibition space. He  has presented projects and papers at the College Art Association, the Fabrica de Arte Cubana during the 2015 Havana Biennial, the Hemispheric Institute GSI, and the American Association of Geographers. In 2019 he participated in the Independent Curators International Intensive in New Orleans. He currently works at the cross section of public space, community development and cultural public practice in Chicago. He has an MA in Modern Art History, Theory and Criticsm from the School of Art Institute of Chicago.
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Andre Keichian
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Jenelle Esparza
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Ana Tiscornia
Faivovich & Goldberg
Isa Carrillo
9.MAR.2021
Extrospectivas y linealidades
En esta selección para The Backroom, se presenta la obra de Isa Carrillo (México), Ana Tiscornia (Uruguay) y el dúo Faivovich & Goldberg (Argentina) cuya observación minuciosa del mundo exterior deviene en una serie planteamientos sobre el tiempo, el espacio y la forma en que fuerzas exteriores —ya sean políticas, cósmicas, sociales, o naturales— inciden en la materia. Los cuerpos de documentos, notas y parafernalia mostrada como parte de la participación de cada unx de lxs artistas, están relacionados con distintas nociones en donde las líneas como elementos gráficos o plásticos o las linealidades como elementos operativos cobran una importancia vital. En el caso de Isa Carrillo, la artista utiliza esquemas y diagramas derivados de la numerología, una práctica interpretativa que la artista aplica a distintas figuras históricas y culturales, para generar composiciones visuales en distintos medios, principalmente los textiles. Ana Tiscornia estudia las llamadas “Green Lines” (Líneas verdes) fronteras temporales, que demarcan territorios de armisticio durante estados de emergencia o tiempos de guerra, con relación a los remanentes físicos de espacios que han sido modificados o pulverizados por conflictos bélicos, pobreza, o desastres naturales. Finalmente, Faivovich & Goldberg presentan un proyecto en donde un metorito es propulsado en el tiempo desde el presente y hacia el año 2105, después de un fallido intento incluirlo al acervo público de la Sociedad Científica Argentina, y con la esperanza de que las generaciones venideras puedan sobrepasar la entropía burocrática que ha impedido que dicho meteorito se integre al fuero público. En suma, Extrospectivas y linealidades remarca la capacidad de este grupo de artistas de abstraer y redirigir una vorágine de fuerzas y sistemas externos, para materializarlos en distintas expresiones y objetos artísticos de suma relevancia para el presente.
CURADOR
Humberto Moro
Humberto Moro (b. Guadalajara, 1982) es Subdirector y Curador senior del Museo Tamayo de la Ciudad de México; Curador de EXPO Chicago; y Curador Adjunto del SCAD Museum of Art de Savannah (Georgia), donde ha organizado exposiciones individuales de Glen Fogel, Mario Navarro, Oliver Laric, Liliana Porter, Cynthia Gutiérrez, Pia Camil, Mariana Castillo Deball, Tom Burr, Yang Fudong, FOS, AES+F, Mark Wallinger, Isaac Julien y Anna Maria Maiolino, entre otros. Moro fue curador de Nuevas Propuestas y SAMPLE, secciones en ZONA Maco, Ciudad de México. Anteriormente, Moro ocupó cargos en la Park Avenue Armory de Nueva York y en el Museo Jumex de la Ciudad de México. Recibió el Premio de Investigación Estancias Tabacalera 2016 para curadores latinoamericanos, Madrid, España, y formó parte del Curso Internacional de Curadores de la 7ª Bienal de Gwangju, en Gwangju, Corea del Sur. Moro es licenciado en pintura por la Universidad de Guanajuato; y tiene una maestría en estudios curatoriales por parte del Centro de Estudios Curatoriales (CCS), Bard College, Nueva York. Moro es parte del grupo 2021 del Center for Curatorial Leadership (CCL), Nueva York.
MAR.9.2021
Extrospectives and Linearities
This selection for The Backroom includes the work of Isa Carrillo (Mexico), Ana Tiscornia (Uruguay) and the duo Faivovich & Goldberg (Argentina) whose meticulous observation of the outside results in a series of approaches to time, space and the way in which external forces - be they political, cosmic, social, or natural— affect matter. The documents, notes and paraphernalia shown as part each artist’s participation are related to notions where lines as graphic or plastic elements or linearities as operational elements take on vital importance. In the case of Isa Carrillo, the artist uses diagrams derived from numerology, an interpretive practice that the artist applies to different historical and cultural figures, ultimately to generate visual compositions in different media, mainly textiles. Ana Tiscornia studies the so-called "Green Lines" temporary borders, which demarcate armistice territories during states of emergency or times of war, in relation to the physical remnants of spaces that have been modified or pulverized by war conflicts, poverty, or natural disasters. Finally, Faivovich & Goldberg present a project in which a meteorite is propelled in time from the present to the year 2105, after a failed attempt to include it in the public collection of the Sociedad Científica Argentina [Argentine Scientific Society], and with the hope that future generations can overcome the bureaucratic entropy that has prevented this meteorite from being integrated into the public realm. In sum, Extrospectives and Linearities highlights the capacity of this group of artists to abstract and redirect a turmoil of external forces and systems, to materialize them in different expressions and artistic objects of great relevance to the present.
CURATOR
Humberto Moro
Humberto Moro (b. Guadalajara, 1982) is Deputy Director and Senior Curator at Museo Tamayo in Mexico City; Curator at EXPO Chicago; and Adjunct Curator at the SCAD Museum of Art in Savannah, Georgia, where he has organized solo exhibitions by Glen Fogel, Mario Navarro, Oliver Laric, Liliana Porter, Cynthia Gutiérrez, Pia Camil, Mariana Castillo Deball, Tom Burr, Yang Fudong, FOS, AES+F, Mark Wallinger, Isaac Julien, and Anna Maria Maiolino, among others. Moro was curator of New Proposals and SAMPLE, sections at ZONA Maco, Mexico City. Moro has previously held positions at the Park Avenue Armory in New York and Museo Jumex in Mexico City. He was the recipient of the 2016 Estancias Tabacalera Research Award for Latin-American curators, Madrid, Spain, and was part of the 7th Gwangju Biennale International Curator Course, in Gwangju, South Korea. Moro holds a BFA in Painting from the Universidad de Guanajuato, Guanajuato; and a MA in Curatorial Studies by the Center for Curatorial Studies (CCS), Bard College, New York. Moro is part of the 2021 cohort at the Center for Curatorial Leadership (CCL) in New York.
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Agenda Guelatao
Marjetica Potrč
Patricia Domínguez
4.FEB.2021
Diálogos interespecies, comunalidad y otros objetos transversos
Comunalidad y florestanía son dos formas de vida que han emergido de las comunidades indígenas del sur de México y de los ciudadanos de la selva amazónica, respectivamente. Ambas cosmovisiones manifiestan redes sostenibles del hacer y del conocimiento ante los lugares comunes capitalistas caracterizados por la voracidad. Comunalidad define el trabajo de Agenda Guelatao, un grupo de jóvenes nombrados por una asamblea tradicional como los productores de nuevas formas de diálogo comunitario, quienes causalmente designaron el cine y la producción audiovisual como los medios a través de los cuales han desmitificado nociones de autoría hollywoodense. De igual manera, Marjetica Potrč (Ljubljana, Eslovenia, 1953) produce redes asociativas de personas y discursos gráficos. A través del dibujo sintetiza saberes y cosmovisiones imbricadas en contextos específicos. Para The Backroom presenta bocetos, notas y otros referentes relacionados con la naturaleza, el deseo y reflexiones sobre posibles futuros comunitarios, basados principalmente en experiencias en Sudamérica. Por su parte, Patricia Domínguez (Santiago, Chile, 1984) propone una selección del archivo alrededor del proyecto
Eres un princeso
el cual realizó en la comunidad de Honda en Colombia en 2013 y donde revisa la noción de naturaleza a partir de las afecciones híbridas entre caballos y sus cuidadores. Ella concibe su obra como una “plataforma para producir co-existencias o emergencias extrañas entre especies”. Patricia a su vez es fundadora del Estudio Vegetalista, su propio germen de carácter colectivo.
CURADOR
Jaime Ruiz
Jaime Ruíz Martínez (México, 1985), es artista, educador y curador. Ha colaborado en diferentes programas públicos de espacios independientes, así como en instituciones públicas y privadas. Entre 2013 y 2015 fue Director de Desarrollo de Proyectos en el Centro de Diseño de Oaxaca donde colaboró con el Vitra Design Museum para la itinerancia en México de la exhibición Anticuerpos de los Hermanos Campana (2013), el Festival de Artes Digitales Proyecta (2013) y otras iniciativas que exploran las posibilidades entre el trabajo artesanal, las artes y el diseño.
En 2012 fundó el proyecto Lugar Común en Oaxaca, un laboratorio autogestivo de procesos participativos y relacionales que ha recibido el apoyo de la red Arts Collaboratory y de artEDU Stiftung para programas de residencias artísticas, intervenciones públicas y actividades pedagógicas.
Actualmente es Jefe de programas públicos y educación en el Museo Tamayo, Ciudad de México.
FEB.4.2021
Communality and florestania are two forms of life that have emerged from the indigenous communities of southern Mexico and the citizens of the Amazon rainforest respectively. Both cosmologies manifest sustainable networks of making and knowledge in the face of capitalist commonplaces characterized by voracity. Communality defines the work of Agenda Guelatao, a group of young people appointed by a traditional assembly as the producers of new forms of community dialogue, who causally designated film and audiovisual production as the means through which they have demystified notions of Hollywood authorship. Similarly, Marjetica Potrc (Ljubljana, Slovenia, 1953) produces associative networks of people and graphic discourses. Through drawing, she synthesizes knowledge and worldviews imbricated in specific contexts. For The Backroom she presents sketches, notes and other references related to nature, desire and reflections on possible community futures, mainly based on experiences in South America. Meanwhile, Patricia Domínguez (Santiago, Chile, 1984) proposes a selection from the archive around the project
Eres un princeso [
You are a princesso], which she carried out in the community of Honda in Colombia in 2013 and where she revisits the notion of nature based on the hybrid affections between horses and their caretakers. She conceives her work as a "platform to produce co-existences or strange emergences between species". Patricia is also the founder of Estudio Vegetalista, her own collective.
CURATOR
Jaime Ruiz
Jaime Ruíz Martínez (Mexico, 1985), is an artist, educator and curator. He has collaborated in different public programs of independent spaces, as well as in public and private institutions. Between 2013 and 2015 he was the Director of Project Development at the Oaxaca Design Center where he collaborated with the Vitra Design Museum for the Mexican touring of the exhibition Anticuerpos de los Hermanos Campana (2013), Festival de Artes Digitales Proyecta (2013), and other initiatives that explore the possibilities between crafts, arts, and design.
In 2012 he founded the project Lugar Común in Oaxaca, a self-managed laboratory of participatory and relational processes that has received the support of the Arts Collaboratory network and the artEDU Stiftung for artistic residency programs, public interventions and pedagogical activities.
He is currently Head of Public Programs and Education at the Museo Tamayo, Mexico City.
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Javier Orfón
nibia pastrana santiago
Ramón Miranda Beltrán
14.ENE.2021
De progreso, sólo cenizas se amontonan
De progreso, sólo cenizas se amontonan
agrupa las prácticas de Javier Orfón, Nibia Pastrana Santiago y Ramón Miranda Beltrán como puntos de partida para conceptualizar los procesos de desmodernización y estética decolonial dentro del contexto contemporáneo de Puerto Rico. En el lapso de semanas, los iconos de la modernidad puertorriqueña en forma de Casa Klumb en Río Piedras y el Observatorio de Arecibo perecieron. Estos acontecimientos ponen de manifiesto la decadencia colonial que se deriva de décadas de lógica neoliberal aplicada al proyecto colonial moderno que define el actual estado político de Puerto Rico. A partir de estas cenizas y escombros, los artistas buscan direcciones para posibles escapes de una modernidad impuesta a través de exploraciones de trabajo en sitios específicos dentro de sus prácticas.
Javier Orfón, Nibia Pastrana Santiago y Ramón Miranda Beltrán amplían las nociones de trabajo en lugares específicos para reflexionar sobre la relación de su práctica con Puerto Rico y el Caribe en general. Conceptos de las ciencias sociales y las artes escénicas aprovechan su investigación como modos de compromiso con las narrativas proyectadas de la modernidad y el progreso. A medida que la decadencia tropical se instala y la austeridad arranca el progreso, es necesario un cambio de óptica para concebir direcciones a partir de las diversas modernidades estancadas que definieron el siglo pasado. Al pensar en este archipiélago específico, el artista considera las relaciones entre el aquí y el allá; el allá entendido como la metrópoli moderna que proyecta sombras sobre esta región; el aquí, este lugar al que llaman hogar, en toda su complejidad e idiosincrasia.
CURADOR
José López Serra
José López Serra (1992; San Juan, PR) es un artista y curador basado en San Juan, Puerto Rico. En 2015 co-fundó Hidrante, un espacio de proyectos dirigido por artistas ubicado en Santurce, San Juan, PR. Hasta la fecha, Hidrante ha producido más de 25 exposiciones, con un enfoque particular en artistas jóvenes y emergentes del Caribe, y un interés en las instalaciones de sitios específicos que surgen de una residencia de un mes de duración del artista en el sitio antes de la exposición. Entre las exposiciones recientes en Hidrante se encuentran El ojo de arcilla, Javier Orfon (2020); cualesquiera, nibia pastrana santiago (2019); morder el polvo, Beatriz Santiago Muñoz, Javier Fresneda, Seth Ferris (2019); Confesiones Sobrenaturales: El Museo de Historia Sobrenatural, José Luis Vargas (2019). En 2017 participó en el Intensivo Curatorial de Independent Curators International en Nueva Orleans. Su práctica artística se refiere a la vida cotidiana contemporánea y a su manifestación a través de medios formales e informales. Empleando la fotografía, la instalación, la escultura, la pintura y los objetos encontrados, su trabajo reflexiona acerca de situaciones y conceptos concretos que fundamentan la existencia en Puerto Rico. Guiado por la idea de "hacer", experimenta con formas híbridas dentro de los medios establecidos, explorando las diferentes estrategias, tácticas y significados adjuntos y producidos por ellos. Entre sus exposiciones recientes se encuentran A watched pot never boils, Galería Agustina Ferreyra, CDMX, MX (2020); Every Crack, Every _ _ _ _, 47 Canal, New York City, US (2020).
JAN.14.2021
Of progress, only ash heaps
Of progress, only ash heaps
groups the practices of Javier Orfón, nibia pastrana santiago, and Ramón Miranda Beltrán as points of departure to conceptualize processes of demodernizing and decolonial aesthetics within the contemporary context of Puerto Rico. Within the span of weeks, icons of Puerto Rican modernity in the form of Casa Klumb in Río Piedras and the Arecibo Observatory perished. These events bring to the front the colonial decay wrought from decades of neoliberal logic applied to the modern colonial project that defines the current political status of Puerto Rico. From these ashes and rubble, the artists stake out directions for possible escapes from an imposed modernity through explorations of site specific work within their practices.
Javier Orfón, nibia pastrana santiago, and Ramón Miranda Beltrán expand on notions of site specific work to reflect on their practice’s relation to Puerto Rico and the Caribbean at large. Concepts from the social sciences and performing arts avail their research as modes of engagement with projected narratives of modernities and progress. As tropical decay sets in and austerity claws back progress, a change of optics is necessary to devise directions out of the various stagnated modernities that defined the past century. By thinking through this specific archipelago, the artist consider relations between here and there, there understood as the modern metropolis casting shadows over this region; here, this place they call home, in all its complexity and idiosyncrasy.
CURATOR
José López Serra
José López Serra (1992; San Juan, PR) is an artist and curator based in San Juan, Puerto Rico. In 2015 he co-founded Hidrante, an artist-run project space located in Santurce, San Juan, PR. To date, Hidrante has produced over 25 exhibitions, with a particular focus on young, emerging artist from the Caribbean, and an interest in site specific installations stemming from a month long artist residence on site prior to exhibiting. Recent exhibitions in Hidrante include El ojo de arcilla, Javier Orfon (2020); cualesquiera, nibia pastrana santiago (2019); morder el polvo, Beatriz Santiago Muñoz, Javier Fresneda, Seth Ferris (2019); Confesiones Sobrenaturales: El Museo de Historia Sobrenatural, José Luis Vargas (2019). In 2017 he participated in the Independent Curators International’s Curatorial Intensive in New Orleans. His artistic practice concerns contemporary everyday life and its manifestation through formal / informal means. Employing photography, installation, sculpture, painting, and found objects, his work reflects on concrete situations and concepts that ground existence in Puerto Rico. Guided by the idea of making do, he experiments with hybrid forms inside established mediums, exploring the different strategies, tactics, and significations attached and produced by them. Recent exhibitions include
A watched pot never boils
, Galería Agustina Ferreyra, CDMX, MX (2020);
Every Crack, Every _ _ _ _
, 47 Canal, New York City, US (2020).
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Mario Santizo
Akira Ikezoe
Caroline Wells Chandler
29.DIC.2020
En los bordes porosos y la decadencia radical: suavizar los límites de las cosas
Mediante el dibujo, la pintura, la técnica mixta, el ganchillo, la animación de vídeo y el collage, Caroline Wells Chandler, Akira Ikezoe y Mario Santizo están, tal vez, unidos solamente por la forma en que se desenvuelven. A partir de la deconstrucción taxonómica de las colecciones de los museos por parte de Akira, vemos una disolución de los sistemas occidentales de conocimiento que guían tales colecciones " comprensivas"; en su práctica idiosincrásica de coleccionismo y sus dibujos y animaciones con medios mixtos, sigue un proceso onírico, similar al crecimiento excesivo de los edificios cubiertos de barro o hierba, la transmutación de humano a animal, cómo la cola se convierte en cuento--"tail to tale". Los diagramas se convierten en historias en lugar de instrucciones, las cabezas de coco interrumpen la lógica de la colección, el hombre se convierte en cebra. Caroline camina por el bosque, haciendo una profunda observación de los procesos restaurativos de la decadencia que ocurren allí. Los meses de cuarentena en Nueva York desaceleran la vida cotidiana, haciendo que los procesos naturales sean más visibles en su totalidad, más resonantes en sus interrelaciones. Hace crochet con bichos, una tortuga, una hoja, lee libros de naturaleza, regresa una y otra vez a la herida de Cristo y su forma evocadora, un sitio de transformación/penetración física y un portal misterioso. Mario podría ser un anti Linnaeus de su ciudad, catalogando las paradojas emocionales del lugar, siempre curioso sobre cómo el conocimiento local (incluyendo la historia y el humor, la ética y la violencia) se forma y pervierte a sí mismo. Sus loros describen la formación repetitiva de un discurso políticamente vacío; su revisión de la conquista colaborativamente transforma, cuirifica, la imagen de un libro de texto de historia. Dibuja la forma en que el individuo es desaparecido por la ciudad.
Los límites son bordes consensuados de algo, pero cuando los suavizamos, queda una especie de descripción intuitiva-respuesta que desafía la simple definición. Vistos juntos, Mario, Caroline y Akira siguen los tejidos conectivos de la imaginación como un sitio natural de síntesis: allí, sugieren, encontramos mundos menos limitados por la lógica de uno u otro, un ecosistema de historias que cambia de forma, constelaciones de conocimiento que hacen del yo una colección en lugar de un sitio único. Y así, tal vez esto se trate también de los cuerpos, y de cómo son infinitamente porosos, siempre una acumulación de nuevos crecimientos y pasados fragmentados, siempre en relación con los mundos que nacen y se desmoronan a su alrededor.
CURADORA
Laura August
Trabajando entre Texas y América Central, Laura August hace textos y exposiciones basadas en una estética/política que cruza fronteras, mala traducción, imaginación colaborativa y una atenta escucha a los paisajes. Ella está comprometida con la lentitud, el cuidado y la resistencia; su trabajo se define por la convivencia con artistas y poetas, desarrollando conversaciones y relaciones de colaboración durante largos períodos de tiempo. August fue un Core Critical Studies Fellow en el Museo de Bellas Artes de Houston, TX (2016-2018), y fue co-curadora de la Bienal Paiz de Guatemala (2018). Recibió la beca de escritores de arte de The Creative Capital | Andy Warhol Foundation y tiene un doctorado en historia del arte.
DEC.29.2020
On porous edges and radical decay: to soften the boundaries of things
Working across drawing, painting, mixed-media, crochet, video animation, and collage, Caroline Wells Chandler, Akira Ikezoe, and Mario Santizo are, perhaps, only bound together by how they unbind. From Akira's taxonomic undoing of museum collections, we see a dissolve of the Western systems of knowledge that guide such "comprehensive" collections; in his idiosyncratic collecting practice and his mixed-media drawings and animations, he follows a dreamlike process, similar to the entropic overgrowth of buildings covered in mud or grass, the transmutation of human to animal, how tail becomes tale. Diagrams become stories instead of directions, coconut heads disrupt collection logics, man becomes zebra. Caroline walks the woods, doing deep observation of the restorative processes of decay that happen there. The months of quarantine in New York slow daily life down, making natural processes more visible in their fullness, more resonant in their interrelationships. He crochets bugs, a turtle, a leaf, reads nature books, returns over and over to the Christ-wound and its evocative form, a site of physical transformation/penetration and a mysterious portal. Mario might be an anti-Linnaeus of his city, cataloging the emotional paradoxes of the place, always curious about how local knowledge (including history and humor, ethics and violence) forms and perverts itself. His parrots describe the repetitive formation of a politically vacuous discourse; his revisioning of the conquest collaboratively transforms and
cuirs
history's textbook image. He draws the way the individual is disappeared by the city. Boundaries are an agreed-upon edge of something, but when we soften them, there is some kind of intuitive-responsive description left behind that defies simple definition. Seen together, Mario, Caroline, and Akira follow the connective tissues of the imagination as a natural site of synthesis: there, they suggest, we find worlds less bound by the logic of either/or, a shapeshifting ecosystem of stories, constellations of knowledge that make the self a collection rather than a single site. And so, maybe this is about bodies too, and how they are infinitely porous, always an accumulation of new growth and broken-down pasts, always in relationship to the worlds being born and crumbling around them.
CURATOR
Laura August
Working between Texas and Central America, Laura August makes texts and exhibitions informed by border-crossing aesthetics/politics, (mis)translation, collaborative imagination, and close listening to landscapes. She is invested in slowness, care, and resistance; her work is defined by living alongside artists and poets, developing conversations and collaborative relationships over long spans of time. August was a Core Critical Studies Fellow at The Museum of Fine Arts Houston, TX (2016-2018), and co-curated Guatemala’s Bienal Paiz (2018). She is a recipient of The Creative Capital | Andy Warhol Foundation Arts Writers Grant and holds a PhD in Art History.
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Shraddha Borawake
Antonio Monroy
Elena Mazzi
17.DIC.2020
Estar íntegro y completo: exploraciones sobre la salud y la sanación
El 2020 ha sido un año marcado profundamente por la relación que tenemos con nuestros cuerpos, en relación a la salud, la enfermedad y a la distancia que tenemos que guardar con otros. Sin embargo, la salud, el bienestar y el bien-estar, han sido temas tratados por los artistas desde tiempos inmemoriales. En esta selección para The Backroom tres artistas de diferentes latitudes y formas de trabajo comparten sus reflexiones sociales, espirituales y políticas en torno a la salud, el cuerpo, los procesos de sanación y cuestiones ligadas a nuestra vitalidad. Shraddha Borawake (Pune, India, 1983) propone un acercamiento y compromiso a prácticas espirituales asociadas al poder de lo femenino para la sanación colectiva. Elena Mazzi (Reggio Emilia, Italia, 1984) comparte su investigación sobre vertebras y arquitecturas reminiscentes a estos huesos, derivada de una residencia en Islandia mientras su cuerpo pasaba por una fase de recuperación. Antonio Monroy (Toluca, México, 1984) ve la salud y el cuerpo como un territorio holístico y de resistencia, donde la medicina tradicional y los remedios naturales desafían conceptos occidentales de medicina. Desde la creación de collages, la revisión de archivos personales y el dibujo los artistas nos invitan a cuestionarnos el significado de estar íntegro en tiempo de desbalance.
CURADORA
Andrea Valencia
Andrea Valencia es una historiadora de arte y curadora que vive y trabaja en la Ciudad de México.  Valencia estudió una Maestría en Práctica Curatorial en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y una Licenciatura en Historia del Arte en Casa Lamm, Ciudad de México. En 2017, cofundó el colectivo curatorial Se habla español que explora el lenguaje y cuestiones de migración. También ha trabajado en instituciones como el Museo Nacional de Arte (MUNAL) de la Ciudad de México, el Instituto Cultural Mexicano de Nueva York, la Oficina de Asuntos Internacionales del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, y como coordinadora del Pabellón de México en la 57ª Bienal de Arte de Venecia. Actualmente, es coordinadora de la exposición retrospectiva de Cecilia Vicuña organizada por el Witte de With Contemporary Art Center en Rotterdam, Países Bajos; y curador asociado en el Museo Tamayo, Ciudad de México.
DEC.17.2020
To be whole, to be complete: explorations on health and healing
2020 has been a year deeply marked by the relationship we have with our bodies, in regards to health, illness and the distance we have to keep from others. However, health, wellbeing and well-being have been themes addressed by artists since immemorial times. In this selection for The Backroom three artists from different latitudes and approaches, share their social, spiritual and political reflections on health, the body, healing processes and issues related to our vitality. Shraddha Borawake (Pune, India, 1983) proposes an approach and commitment to spiritual practices associated with the power of the feminine for collective healing. Elena Mazzi (Reggio Emilia, Italy ,1984) shares her research on vertebrae and architectures reminiscent of these bones, derived from a residence in Iceland while her body was going through a recovery phase. Antonio Monroy (Toluca, Mexico, 1984) sees health and the body as a territory of holism and resistance, where traditional medicine and natural remedies challenge Western concepts of medicine. From the creation of collages, the review of personal archives and drawings, the artists invite us to question the meaning of being whole in times of imbalance.
CURATOR
Andrea Valencia
Andrea Valencia is an art historian and curator who lives and works in Mexico City. Valencia studied an MA in Curatorial Practice at the School of Visual Arts in New York, and a Bachelor's in Art History from Casa Lamm in Mexico City. In 2017, she co-founded the curatorial collective Se habla español that explores language and migration issues. She has also worked in institutions such as The National Museum of Art (MUNAL) in Mexico City, the Mexican Cultural Institute of New York, the Office of International Affairs of the National Institute of Fine Arts in Mexico, and as coordinator of the Pavilion of Mexico in the 57th Venice Art Biennale. Currently, she is exhibition coordinator of the retrospective of Cecilia Vicuña organized by Witte de With Contemporary Art Center in Rotterdam, The Netherlands; and asociate curator at Museo Tamayo, Mexico City.
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Barb Smith
Tom Burr
Jorge Méndez Blake
3.DIC.2020
Desenterrando relaciones…
Para esta iteración de The Backroom,
Desenterrando relaciones…
, se presenta el trabajo de tres artistas de diversos orígenes, cuya mirada penetrante es capaz de resaltar tensiones que de otro modo pasarían desapercibidas. Desde diferentes puntos de vista: considerando las condiciones de lo que es historizado; destacando las relaciones entre el deseo y el espacio; o declarando a los errores como forma de creación, Barb Smith, Tom Burr y Jorge Méndez Blake, van más allá de lo visible y comparten cada uno una colección de materiales contingentes a proyectos muy concretos. De esta manera, presentan una excavación de su trabajo, revelando aspectos íntimos de sus prácticas y modos de producción, así como indicadores más amplios de los contextos en los que crean.
CURADOR
Humberto Moro
Humberto Moro (b. Guadalajara, 1982) es Subdirector y Curador senior del Museo Tamayo de la Ciudad de México; Curador de EXPO Chicago; y Curador Adjunto del SCAD Museum of Art de Savannah (Georgia), donde ha organizado exposiciones individuales de Glen Fogel, Mario Navarro, Oliver Laric, Liliana Porter, Cynthia Gutiérrez, Pia Camil, Mariana Castillo Deball, Tom Burr, Yang Fudong, FOS, AES+F, Mark Wallinger, Isaac Julien y Anna Maria Maiolino, entre otros. Moro fue curador de Nuevas Propuestas y SAMPLE, secciones en ZONA Maco, Ciudad de México. Anteriormente, Moro ocupó cargos en la Park Avenue Armory de Nueva York y en el Museo Jumex de la Ciudad de México. Recibió el Premio de Investigación Estancias Tabacalera 2016 para curadores latinoamericanos, Madrid, España, y formó parte del Curso Internacional de Curadores de la 7ª Bienal de Gwangju, en Gwangju, Corea del Sur. Moro es licenciado en pintura por la Universidad de Guanajuato; y tiene una maestría en estudios curatoriales por parte del Centro de Estudios Curatoriales (CCS), Bard College, Nueva York.
DEC.3.2020
Unearthing Relations…
For this iteration of The Backroom,
Unearthing Relations…,
presents the work of three artists of diverse backgrounds, whose piercing gaze is capable of highlighting tensions which might otherwise go unnoticed. From a different points of view: considering the conditions of what gets historicized; highlighting the relations between desire and space; or declaring mistakes as a form of creation, Barb Smith, Tom Burr and Jorge Méndez Blake, go beyond the visible and each shares a collection of materials which are contingent to very specific projects. In this way, they present an excavation into their own work, revealing intimate aspects of their practices and modes of production, as well as broader indicators of the contexts in which they create.
CURATOR
Humberto Moro
Humberto Moro (b. Guadalajara, 1982) is Deputy Director and Senior Curator at Museo Tamayo in Mexico City; Curator at EXPO Chicago; and Adjunct Curator at the SCAD Museum of Art in Savannah, Georgia, where he has organized solo exhibitions by Glen Fogel, Mario Navarro, Oliver Laric, Liliana Porter, Cynthia Gutiérrez, Pia Camil, Mariana Castillo Deball, Tom Burr, Yang Fudong, FOS, AES+F, Mark Wallinger, Isaac Julien, and Anna Maria Maiolino, among others. Moro was curator of New Proposals and SAMPLE, sections at ZONA Maco, Mexico City. Moro has previously held positions at the Park Avenue Armory in New York and Museo Jumex in Mexico City. He was the recipient of the 2016 Estancias Tabacalera Research Award for Latin-American curators, Madrid, Spain, and was part of the 7th Gwangju Biennale International Curator Course, in Gwangju, South Korea. Moro holds a BFA in Painting from the Universidad de Guanajuato, Guanajuato; and a MA in Curatorial Studies by the Center for Curatorial Studies (CCS), Bard College, New York.
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Bleue Liverpool
Genesis Báez
Natalia Lassalle-Morillo
5.NOV.2020
un grano de arena comprende, la distancia
Las prácticas de Génesis Báez, Natalia Lassalle-Morillo, y Bleue Liverpool, seleccionadas para un grano de arena comprende, la distancia, meditan sobre la diáspora, la distancia, y ese je ne sais quoi que marca la vida contemporánea en un país extranjero. Con una orientación compartida hacia la cuenca del Caribe y trabajando principalmente en imágenes fijas y en movimiento, las artistas reflejan estas ideas a través de diferentes estrategias para crear sentido. Despliegan mitos y tragedias griegas, interpretaciones simbólicas de elementos efímeros y mutables, y sistemas geométricos intuitivos como tácticas que se aproximan a nuestra relación fragmentada con las experiencias vividas y los lugares encarnados. Los documentos reunidos para un grano de arena comprende, la distancia atestigua el pensamiento de que un grano de arena, por minúsculo que sea, comprende la distancia a medida que viaja, barrido por el viento en el Sahara o transportado por ciclos oceánicos continuos, en constante separación pero inextricablemente ligado a su origen.
Considerando la arena como un gránulo individual con una historia geológica muy variable y rica, la selección para The Backroom considera este material como una metáfora de la cultura humana y de la diáspora. A medida que se forma y cambia a través de los procesos de erosión, intemperie, tránsito y sedimentación, un grano de arena revela la historia de su origen, trayectoria y de la propia Tierra. A medida que se forma y cambia a través de procesos de dispersión, desplazamiento, huida y migración, una diáspora refleja una historia de su origen, trayectoria y la historia de los lazos emocionales y sociales con su tierra natal. En relación con esta idea, la obra de Génesis Báez, Natalia Lassalle-Morillo y Bleue Liverpool manifiesta la cultura contemporánea de la diáspora como una sedimentación y compresión del pasado y el presente, basada en la acumulación de experiencias e ideas individuales.
CURADOR
José López Serra
José López Serra (1992; San Juan, PR) is an artist and curator based in San Juan, Puerto Rico. In 2015 he co-founded Hidrante, an artist-run project space located in Santurce, San Juan, PR. To date, Hidrante has produced over 25 exhibitions, with a particular focus on young, emerging artist from the Caribbean, and an interest in site specific installations stemming from a month long artist residence on site prior to exhibiting. Recent exhibitions in Hidrante include El ojo de arcilla, Javier Orfon (2020); cualesquiera, nibia pastrana santiago (2019); morder el polvo, Beatriz Santiago Muñoz, Javier Fresneda, Seth Ferris (2019); Confesiones Sobrenaturales: El Museo de Historia Sobrenatural, José Luis Vargas (2019). In 2017 he participated in the Independent Curators International’s Curatorial Intensive in New Orleans. His artistic practice concerns contemporary everyday life and its manifestation through formal / informal means. Employing photography, installation, sculpture, painting, and found objects, his work reflects on concrete situations and concepts that ground existence in Puerto Rico. Guided by the idea of making do, he experiments with hybrid forms inside established mediums, exploring the different strategies, tactics, and significations attached and produced by them. Recent exhibitions include
A watched pot never boils
, Galería Agustina Ferreyra, CDMX, MX (2020);
Every Crack, Every _ _ _ _
, 47 Canal, New York City, US (2020).
NOV.5.2020
a grain of sand comprehends, the distance
The practices of Genesis Báez, Natalia Lassalle-Morillo, and Bleue Liverpool, selected for
a grain of sand comprehends, the distance
, meditate on diaspora, distance, and that je ne sais quoi that marks contemporary living abroad. With a shared orientation towards the Caribbean basin and working primarily in still and moving images, the artists reflect these ideas through different strategies of sense-making. They deploy Greek myths and tragedies, symbolic interpretations of ephemeral and mutable elements, and intuitive geometrical systems as tactics that approximate our fragmented relation to lived experiences and embodied places. The documents gathered for
a grain of sand comprehends, the distance
attest to the thought that a grain of sand, however minuscule, comprehends distance as it travels, swept up by wind in the Sahara or transported by continuous oceanic cycles, in constant separation but inextricably linked to its origin.
Considering sand as an individual granule with a highly variable and rich geologic history, the selection for The Backroom considers this material as a metaphor for human and diaspora culture. As it forms and changes through processes of erosion, weathering, transportation, and sedimentation, a grain of sand reveals a story of its origin, trajectory, and the Earth itself. As it forms and changes through processes of dispersion, displacement, flight, and migration, a diaspora reflects a story of its origin, trajectory, and the history of the emotional and social ties to its homeland. In relation to this idea, the work of Genesis Báez, Natalia Lassalle-Morillo, and Bleue Liverpool manifest contemporary diaspora culture as a sedimentation and compression of the past and present, informed by the accumulation of individual experiences and ideas.
CURATOR
José López Serra
José López Serra (1992; San Juan, PR) es un artista y curador basado en San Juan, Puerto Rico. En 2015 co-fundó Hidrante, un espacio de proyectos dirigido por artistas ubicado en Santurce, San Juan, PR. Hasta la fecha, Hidrante ha producido más de 25 exposiciones, con un enfoque particular en artistas jóvenes y emergentes del Caribe, y un interés en las instalaciones de sitios específicos que surgen de una residencia de un mes de duración del artista en el sitio antes de la exposición. Entre las exposiciones recientes en Hidrante se encuentran El ojo de arcilla, Javier Orfon (2020); cualesquiera, nibia pastrana santiago (2019); morder el polvo, Beatriz Santiago Muñoz, Javier Fresneda, Seth Ferris (2019); Confesiones Sobrenaturales: El Museo de Historia Sobrenatural, José Luis Vargas (2019). En 2017 participó en el Intensivo Curatorial de Independent Curators International en Nueva Orleans. Su práctica artística se refiere a la vida cotidiana contemporánea y a su manifestación a través de medios formales e informales. Empleando la fotografía, la instalación, la escultura, la pintura y los objetos encontrados, su trabajo reflexiona acerca de situaciones y conceptos concretos que fundamentan la existencia en Puerto Rico. Guiado por la idea de "hacer", experimenta con formas híbridas dentro de los medios establecidos, explorando las diferentes estrategias, tácticas y significados adjuntos y producidos por ellos. Entre sus exposiciones recientes se encuentran A watched pot never boils, Galería Agustina Ferreyra, CDMX, MX (2020); Every Crack, Every _ _ _ _, 47 Canal, New York City, US (2020).
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Hellen Ascoli
Thuy-Van Vu
Manal Abu-Shaheen
22.OCT.2020
Tacto por encima del miedo: algunos pensamientos acerca de las raíces y el anhelo
En estos documentos sobre su proceso, Manal Abu-Shaheen crea capas entre los viajes de su familia desde los Estados Unidos y Líbano con los suyos propios a través de fotografías familiares, ephemera e historias. La artista reflexiona sobre lo que significa estar a distancia de sus amigos cercanos en Beirut mientras ellos se recuperan y sobreviven a los acontecimientos de este año, así mismo imagina cómo fotografiar el espacio interior de esa cercanía, lo que esto significará para la forma en la que ella realiza las imágenes en y de la ciudad. Hellen Ascoli busca el conocimiento implícito en el tacto del hilo, el cuerpo del tejedor, las palabras del tejido. Aquí, ella desafía una jerarquía occidental del lenguaje sobre el tacto, volviendo a centrar la función del textil (envolver, calentar, tocar, suavizar, cuidar) sobre la palabra escrita. En una serie de ejercicios cortos, traduce el Kaqchikel Maya Keemik, Keetik y Keexik a través de su cuerpo mientras teje, remueve la tierra y rompe ramas: envuelve una raíz en un abrazo tejido. Las pinturas de Thuy-Van Vu a menudo se centran en objetos separados de su contexto: linternas de papel, escombros de construcción, un mosquitero. Intrincadamente representadas, tienen poesía en su delicado manejo de materiales modestos y en su sutil separación de los mundos que las rodean. Aquí, la artista comparte fotografías de un viaje a Vietnam en las que considera las tradiciones artesanales separadas de su lugar de origen. Junto al papel de arroz, un Buda tallado y objetos de museos, muestra objetos de su casa: una fruta "mano de Buda", un tarro de caramelo grabado, un helicóptero de bambú de una tienda de segunda mano. Ella tiene ojo para apreciar la manera en la que nos encontramos en la vida de los objetos y los paisajes. Juntos, los procesos de trabajo de estos artistas están cargados de información sobre materiales y cómo éstos llevan consigo historias tácitas de valor, cuidado y pérdida. Reflexionan sobre la cercanía y la distancia, y sobre los paisajes que recordamos a través de las generaciones.
CURADORA
Laura August
Trabajando entre Texas y América Central, Laura August hace textos y exposiciones basadas en una estética/política que cruza fronteras, mala traducción, imaginación colaborativa y una atenta escucha a los paisajes. Ella está comprometida con la lentitud, el cuidado y la resistencia; su trabajo se define por la convivencia con artistas y poetas, desarrollando conversaciones y relaciones de colaboración durante largos períodos de tiempo. August fue un Core Critical Studies Fellow en el Museo de Bellas Artes de Houston, TX (2016-2018), y fue co-curadora de la Bienal Paiz de Guatemala (2018). Recibió la beca de escritores de arte de The Creative Capital | Andy Warhol Foundation y tiene un doctorado en historia del arte.
OCT.22.2020
Touch over fear: some thoughts on roots and longing
In these documents of process, Manal Abu-Shaheen layers her family’s journeys between the U.S. and Lebanon with her own, through family photographs, ephemera, and stories. She considers what it means to be at a distance from her close friends in Beirut as they recover and survive the events of the year, and she imagines how to photograph the interior space of such closeness, what that will mean for how she makes images in and of the city. Hellen Ascoli looks to knowledge embedded in the touch of thread, the weaver’s body, the words of weaving. Here, she challenges a Western hierarchy of language over touch, re-centering the function of the textile (to wrap, to warm, to touch, to soften, to take care) over the written word. In a series of short exercises, she translates the Kaqchikel Maya Keemik, Keetik, and Keexik through her body as she weaves, digs earth, and breaks branches: she wraps a root in a woven embrace. Thuy-Van Vu’s paintings often center objects separated from their context: paper lanterns, construction debris, a mosquito net. Intricately rendered, they have poetry in her delicate handling of modest materials, and in their subtle separation from worlds around them. Here, the artist shares photographs from a trip to Vietnam, considering craft traditions as they are separated from their place of origin. Alongside rice paper, a carved Buddha, and museum displays, she shows objects from home: a “Buddha’s hand” fruit, an engraved candy jar, a bamboo helicopter from a thrift store. She has an eye for the way we find ourselves in the lives of objects and landscapes. Together, these artists’ working processes are laden with information about materials and how they carry unspoken histories of value, care, and loss. They reflect on closeness and distance, and on the landscapes we remember, across generations.
CURATOR
Laura August
Working between Texas and Central America, Laura August makes texts and exhibitions informed by border-crossing aesthetics/politics, (mis)translation, collaborative imagination, and close listening to landscapes. She is invested in slowness, care, and resistance; her work is defined by living alongside artists and poets, developing conversations and collaborative relationships over long spans of time. August was a Core Critical Studies Fellow at The Museum of Fine Arts Houston, TX (2016-2018), and co-curated Guatemala’s Bienal Paiz (2018). She is a recipient of The Creative Capital | Andy Warhol Foundation Arts Writers Grant and holds a PhD in Art History.
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Iki Yos Piña
Mariechen Danz
Naomi Rincón Gallardo
08.OCT.2020
Cosmovisiones indignas / imaginarios radicales
Iki Yos Piña, Mariechen Danz, Naomi Rincón Gallardo
Los documentos seleccionados para The Backroom son evidencias de ciertas estrategias de producción para liberar el deseo, transmitir conocimientos y el fluir del género. A partir del cine de autor, la pedagogía y el performance las artistas invitadas proponen elementos que componen otros relatos como vías para influir en realidades consolidadas hegemónicas, coloniales y patriarcales.
Desde naturalezas distintas, ellas se han procurado una condición migrante, lo cual ha repercutido en los lenguajes que proponen en su práctica artística. Yos (Venezuela) clama a una deidad mítica venezolana por las travestis del futuro; Mariechen (Irlanda) convoca elementos multiculturales del entendimiento del cuerpo a partir de íconos mesoamericanos; Naomi (E.U.A.) congrega relatos de culturas originarias y testimonios actuales de despojo en México para crear narrativas ficcionales. Estas estrategias en conjunto sugieren epistemologías de carácter fugitivo y disidente ante realidades que se presentan opresivas.
CURADOR
Jaime Ruíz Martínez
Jaime Ruíz Martínez (México, 1985), es artista, educador y curador. Ha colaborado en diferentes programas públicos de espacios independientes, así como en instituciones públicas y privadas. Entre 2013 y 2015 fue Director de Desarrollo de Proyectos en el Centro de Diseño de Oaxaca donde colaboró con el Vitra Design Museum para la itinerancia en México de la exhibición Anticuerpos de los Hermanos Campana (2013), el Festival de Artes Digitales Proyecta (2013) y otras iniciativas que exploran las posibilidades entre el trabajo artesanal, las artes y el diseño.
En 2012 fundó el proyecto Lugar Común en Oaxaca, un laboratorio autogestivo de procesos participativos y relacionales que ha recibido el apoyo de la red Arts Collaboratory y de artEDU Stiftung para programas de residencias artísticas, intervenciones públicas y actividades pedagógicas.
Actualmente es Jefe de programas públicos y educación en el Museo Tamayo, Ciudad de México.
OCT.08.2020
Cosmovisiones indignas / imaginarios radicales
Iki Yos Piña, Mariechen Danz, Naomi Rincón Gallardo
Los documentos seleccionados para The Backroom son evidencias de ciertas estrategias de producción para liberar el deseo, transmitir conocimientos y el fluir del género. A partir del cine de autor, la pedagogía y el performance las artistas invitadas proponen elementos que componen otros relatos como vías para influir en realidades consolidadas hegemónicas, coloniales y patriarcales.
Desde naturalezas distintas, ellas se han procurado una condición migrante, lo cual ha repercutido en los lenguajes que proponen en su práctica artística. Yos (Venezuela) clama a una deidad mítica venezolana por las travestis del futuro; Mariechen (Irlanda) convoca elementos multiculturales del entendimiento del cuerpo a partir de íconos mesoamericanos; Naomi (E.U.A.) congrega relatos de culturas originarias y testimonios actuales de despojo en México para crear narrativas ficcionales. Estas estrategias en conjunto sugieren epistemologías de carácter fugitivo y disidente ante realidades que se presentan opresivas.
CURATOR
Jaime Ruíz Martínez
Jaime Ruíz Martínez (Mexico, 1985), is an artist, educator and curator. He has collaborated in different public programs of independent spaces, as well as in public and private institutions. Between 2013 and 2015 he was the Director of Project Development at the Oaxaca Design Center where he collaborated with the Vitra Design Museum for the Mexican touring of the exhibition Anticuerpos de los Hermanos Campana (2013), Festival de Artes Digitales Proyecta (2013), and other initiatives that explore the possibilities between crafts, arts, and design.
In 2012 he founded the project Lugar Común in Oaxaca, a self-managed laboratory of participatory and relational processes that has received the support of the Arts Collaboratory network and the artEDU Stiftung for artistic residency programs, public interventions and pedagogical activities.
He is currently Head of Public Programs and Education at the Museo Tamayo, Mexico City.
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Galia Eibenschutz
Karina Aguilera
Priscila Fernandes
14.SEP.2020
Archivos para el movimiento-pensamiento
Galia Eibenschutz, Priscila Fernandes y Karina Aguilera Skvirsky trabajan, esporádica o exclusivamente, con su cuerpo como uno de los soportes de sus prácticas artísticas. La selección de archivos para esta publicación no podrían ser más diversos y muestran cómo la presencia en escena, la investigación artística o la exploración biográfica, en el caso de Eibenschutz, Fernandes y Aguilera respectivamente, son parte de las metodologías para su producción artística. Los documentos y bocetos que se presentan, muestran facetas de lo íntimo, lo analítico y hasta el diseño de la apariencia, que resultan en acciones y performance con diversas perspectivas, acercamientos y estrategias que transforman su movimiento físico en instrumentos para el pensamiento.
CURADOR
Andrea Valencia
Andrea Valencia es una historiadora de arte y curadora que vive y trabaja en la Ciudad de México.  Valencia estudió una Maestría en Práctica Curatorial en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y una Licenciatura en Historia del Arte en Casa Lamm, Ciudad de México. En 2017, cofundó el colectivo curatorial Se habla español que explora el lenguaje y cuestiones de migración. También ha trabajado en instituciones como el Museo Nacional de Arte (MUNAL) de la Ciudad de México, el Instituto Cultural Mexicano de Nueva York, la Oficina de Asuntos Internacionales del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, y como coordinadora del Pabellón de México en la 57ª Bienal de Arte de Venecia. Actualmente, es coordinadora de la exposición retrospectiva de Cecilia Vicuña organizada por el Witte de With Contemporary Art Center en Rotterdam, Países Bajos; y asistente curatorial en el Museo Tamayo, Ciudad de México.
SEP.14.2020
Archives for movement-thought
Galia Eibenschutz, Priscila Fernandes and Karina Aguilera Skvirsky work, sporadically or exclusively, with their bodies as one of the supports of their artistic practices. The selection of archives for this publication could not be more diverse and show how the presence on stage, the artistic research or the biographical exploration, in the case of Eibenschutz, Fernandes and Aguilera respectively, are part of the methodologies for their artistic production.The documents and sketches presented show facets of the intimate, the analytical and even the design of appearance, resulting in actions and performances with diverse perspectives, approaches and strategies that transform their physical movement into instruments for thought.
CURATOR
Jaime Ruíz Martínez
Jaime Ruíz Martínez (Mexico, 1985), is an artist, educator and curator. He has collaborated in different public programs of independent spaces, as well as in public and private institutions. Between 2013 and 2015 he was the Director of Project Development at the Oaxaca Design Center where he collaborated with the Vitra Design Museum for the Mexican touring of the exhibition Anticuerpos de los Hermanos Campana (2013), Festival de Artes Digitales Proyecta (2013), and other initiatives that explore the possibilities between crafts, arts, and design.
In 2012 he founded the project Lugar Común in Oaxaca, a self-managed laboratory of participatory and relational processes that has received the support of the Arts Collaboratory network and the artEDU Stiftung for artistic residency programs, public interventions and pedagogical activities.
He is currently Head of Public Programs and Education at the Museo Tamayo, Mexico City.
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El Museo Tamayo e Independent Curators International se asocian para albergar la versión digital de The Backroom. Iniciado en 2005 por Magalí Arriola, Kate Fowle y Renaud Proch, este proyecto de investigación originalmente presencial reúne vídeos, música, fotografías, impresos efímeros, anécdotas o cualquier acción o artefacto que alimente la práctica artística de creadores de diversas disciplinas.
En su edición digital iniciada a partir de 2020, a los curadores participantes se les invita a presentar aquello que hay detrás de la práctica de tres artistas. The Backroom es un espacio para descubrir y navegar el arte desde una perspectiva que, más allá del objeto o artefacto artístico, revela cómo el arte es un ejercicio continuo y relacional. Objetos de deseo, archivos personales, bibliotecas, investigación artística, música, rutinas, películas, biografías; el arte está en un intercambio permanente con el mundo que lo rodea.
The Museo Tamayo and Independent Curators International partner to host the digital version of The Backroom. Initiated in 2005 by Magalí Arriola, Kate Fowle, and Renaud Proch, this originally in-person research project gathers videos, music, photographs, printed ephemera, anecdotes, or any action or artifact that feeds the artistic practice of creators from diverse disciplines.
In its digital edition launched in 2020, the participating curators are invited to present what lies behind the practice of three artists. The Backroom is a space to discover and navigate art from a perspective that, beyond the artistic object or artifact, reveals how art is an ongoing and relational exercise. Objects of desire, personal archives, libraries, artistic research, music, routines, films, biographies; art is in a permanent exchange with the world around it.
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Mario Santizo
Akira Ikezoe
Caroline Wells Chandler
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