Chinese painting

Summary: Chinese painting (guohua) is an art form utilizing brush and ink to emphasize expressive line, tonal variation, and philosophical harmony with nature.

## Overview
Chinese painting, known natively as *guóhuà* (国画) or *zhōngguó huà* (中国画), constitutes a vital pillar of traditional East Asian visual culture. Distinguished from Western oil painting, it primarily utilizes flexible brushes, soot-based ink, and absorbent materials such as rice paper (*xuanzhi*) or silk. The art form relies fundamentally on the modulation of line and ink tone rather than perspective or chiaroscuro to define form and space. Classical compositions are organized through rhythmic brushwork and the strategic use of negative space (*liúbái*). Traditional works are executed on various formats, including monumental murals, folding screens, hanging scrolls, album leaves, and fans. Thematically, the tradition is broadly categorized into three principal genres: figure painting, landscape (*shānshuǐ*), and bird-and-flower painting.

## History
The development of Chinese painting traces back to the late Zhou dynasty, with mature figurative works emerging during the Han and Wei-Jin periods. By the Sui and Tang dynasties, landscape and floral-avian motifs had evolved into independent genres. The Five Dynasties and Song periods witnessed an explosion of artistic lineages, with monochrome ink landscape painting reaching its zenith and becoming a dominant scholarly pursuit. The literati (*wénrén*) painting tradition, initially taking shape in the Song, flourished during the Yuan dynasty, marking a decisive shift toward expressive spontaneity (*xiěyì*) and subjective interpretation. The Ming and Qing dynasties, alongside the early modern era, saw continued stylistic diversification, with regional schools codifying inherited techniques while experimenting with bold innovations.

## Techniques and Styles
The technical vocabulary of Chinese painting is highly systematized. Artists employ a repertoire of brush methods, including outlining (*gōu*), texture strokes (*cūn*), dotting (*diǎn*), and wash application (*rǎn*). Ink tonalities are manipulated across a spectrum of density, ranging from rich black to pale gray, utilizing dry, wet, thick, and light consistencies. Compositional balance is governed by principles of light and shadow, front and back, void and solid, and sparse versus dense arrangements. Stylistically, works are classified primarily into *gōngbǐ* (meticulous, detailed brushwork with fine outlines and layered colors) and *xiěyì* (freehand, expressive brushwork emphasizing spontaneity). Other formal approaches include line drawing (*gōulè*), color application (*shè sè*), and ink wash (*shuǐmò*). The aesthetic doctrine dictates that the artist must internalize natural forms to achieve spiritual resonance, prioritizing expressive vitality over strict anatomical accuracy.

## Key Information
| Category | Details |
|---|---|
| **Native Name** | 中国画 (Zhōngguó huà) / 国画 (Guóhuà) |
| **Primary Medium** | Ink, water-based pigments, rice paper (xuan), silk |
| **Core Tools** | The Four Treasures of the Study: brush, inkstick, paper, inkstone |
| **Major Genres** | Landscape (Shānshuǐ), Figure, Bird-and-Flower |
| **Principal Styles** | Gongbi (Meticulous), Xieyi (Freehand), Ink Wash |
| **Philosophical Basis** | Daoism, Confucianism, Chan Buddhism |
| **Historical Peak** | Song to Yuan dynasties (960–1368 CE) |

## Cultural Significance
Rooted in classical Chinese philosophy, painting is regarded as an intellectual and spiritual discipline rather than mere craftsmanship. The foundational maxim "learn from nature outwardly, realize from the heart inwardly" underscores the pursuit of capturing the vital spirit (*qì yùn*) rather than superficial likeness. Due to the shared origin of brush and ink, painting maintains an inseparable bond with calligraphy and seal carving; both arts rely on the rhythmic quality of the line and the expressive potential of pressure and speed. The tradition heavily incorporates poetic inscription, creating a unified aesthetic where text, image, and seal interact harmoniously on the surface. This integration reflects the literati ideal of the "three perfections" (poetry, calligraphy, and painting), serving as a vehicle for self-cultivation, moral reflection, and the expression of scholarly detachment.

## Modern Status
In the modern and contemporary eras, Chinese painting has undergone significant transformation through cross-cultural dialogue and technical experimentation. Early 20th-century reformers like Xu Beihong integrated Western academic realism to revitalize figure painting, while Lin Fengmian pioneered the synthesis of Chinese expressive ink with modern Western compositional theories. Qi Baishi successfully bridged folk art vitality with elite literati traditions, expanding the thematic and aesthetic boundaries of the medium. Today, Chinese painting continues to thrive in a globalized context, balancing heritage with avant-garde practices. Contemporary artists engage in "new ink" movements, utilizing digital media, abstract forms, and conceptual frameworks while preserving the core materiality and philosophical ethos of traditional brushwork. It remains widely taught, collected, and exhibited as a dynamic, evolving pillar of world art.

## References
1. Sullivan, Michael. (1996). *The Arts of China* (4th ed.). University of California Press.
2. Bush, Susan; Shih, Hsio-yen, eds. (1985). *Early Chinese Texts on Painting*. Harvard University Press.
3. Cahill, James. (1960). *Chinese Painting*. Skira/Rizzoli.
4. Silbergeld, Jerome. (1985). *Chinese Painting Style: Media, Methods, and Principles of Form*. University of Washington Press.
5. Murck, Alfreda, ed. (2000). *Words and Images: Chinese Poetry, Calligraphy, and Painting*. Princeton University Press.

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中国画

Summary: 中国画（国画）是中华传统文化的重要组成部分，以笔墨纸绢为工具，运用线条和墨色变化描绘物象，追求以形写神、气韵生动。

## 概述

中国画（简称国画）是中华传统文化的重要组成部分。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等手法来描绘物象与经营位置。

## 历史发展

主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等手法为主，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视。

《松鹰图》，佚名人物画从晚周至汉魏、六朝渐趋成熟。山水、花卉、鸟兽画等至隋唐之际始独立形成画科。五代、两宋流派竞出，水墨画随之盛行，山水画蔚成大科。文人画在宋代已有发展，而至元代大兴，画风趋向写意；明清和近代续有发展，日益侧重达意畅神。在魏晋、南北朝、唐代和明清等时期，先后受到佛教艺术和西方绘画艺术的影响。中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，画尽意在”，强调融化物我，创制意境，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，以及两者在达意抒情上都和骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法、篆刻相互影响，形成了显著的艺术特征。作画之工具材料为我国特制的笔、墨、纸、砚和绢素。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。 [3]

《落霞孤鹜图》，唐寅在东周墓葬中出土过最早的画作《祈祷的女人和夔龙》（亦称龙凤仕女图），存世最早最完整的作品是南北朝时期顾恺之的“女史箴图”。

国画历史悠久，宋朝以前绘图在绢帛上，材料昂贵，因此国画题材多以王宫贵族肖像或生活记录等，直至宋代，纸材改良，推广与士大夫文人画兴起等，让国画题材技法多元，在画作上题诗，为书画同源之始。明朝之后，绘画推广到大众，成为市民生活的一部份，风俗画因此产生。清末，西风东渐，绘画材料多元，加入了西画元素，朝多方面发展。

国画和西方绘画的原则有许多不同的地方，其重在神似不重形似，强调观察总结不强调现场临摹，运用散点透视法不用焦点透视法，重视意境不重视场景。现代国画的发展也开始吸收西方绘画的一些技巧，如明暗光影的配置，人体解剖的准确等，也有画家将国画的意境用于油画创作上。 [4]

中国画有着明显的特征，传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉； 讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清；讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响；讲究空白的布置和物体的“气势”。和外国的画作相比，可以说西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。国画是要表现“气韵”、“境界”。

“笔墨纸砚”是中国古代文人不可缺少的工具，号称“文房四宝”，其意义不止于书写绘画方面，中国文人对其给予了深厚的文化内涵和感情，历代文人书画大家和笔墨纸砚相关的故事举不胜举。

## 分类与技法

| 类别 | 说明 |
|------|------|
| 画幅形式 | 壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面 |
| 主题分类 | 人物、山水、花鸟 |
| 技法形式 | 工笔、写意、钩勒、设色、水墨 |

## 文房四宝

| 工具 | 说明 |
|------|------|
| 笔 | 毛笔，以狼毫、羊毫为主 |
| 墨 | 墨锭，加水研磨使用 |
| 纸 | 宣纸，吸墨性好 |
| 砚 | 砚台，用于研墨 |

## 文化意义

中国画强调外师造化，中得心源，要求意存笔先，画尽意在，追求以形写神、形神兼备、气韵生动。由于书画同源，绘画与书法、篆刻相互影响，形成了独特的艺术特征。

## 现代发展

近现代中国画在继承传统和吸收外来技法上有所突破。齐白石融合民间艺术与文人画传统，徐悲鸿引入西方写实主义，林风眠探索中西融合。当代中国画继续在传统与现代之间寻求平衡与创新。

## 参考资料

1. 百度百科: [中国画](https://baike.baidu.com/item/国画)
2. Sullivan, Michael. (1996). *The Arts of China* (4th ed.). University of California Press.
3. Cahill, James. (1977). *Chinese Painting*. Skira.


Seal Cutting

Summary: The traditional Chinese art of seal carving, a cultural heritage combining calligraphy and engraving.

## Overview

Seal cutting, known as "zhuànkè" (篆刻) in Chinese, is a traditional art form that combines calligraphy and engraving to create印章 (stamps or seals). While the use of seals dates back to ancient times, their appreciation as artworks began during the Song and Yuan dynasties. Before this period, seals were primarily functional objects. Since the Ming and Qing dynasties, numerous schools and styles of seal cutting art have emerged, marking what is known as the "school seal cutting era."[1]

Ancient Chinese seals were generally classified into two main categories: official seals (官印) and private seals (私印). Additionally, various specialized seals existed for specific purposes, including burial seals, talismanic seals, horse branding seals, lacquerware seals, and pottery seals. These seals came in various forms, including single-faced seals, double-faced seals, multi-faced seals,母子印 (mother-child seals), and带钩印 (hook-shaped seals).[1]

## History

The origins of seals can be traced back to class-based societies, where they initially served as authenticating documents and later as symbols of authority and rights. During the Spring and Autumn and Warring States periods, seals found increasingly diverse applications, including marking ownership on objects, certifying gold coins, and standardizing measuring instruments.

The Qin and Han dynasties represent a golden age for seal development. During the Han dynasty, official seals had already established a comprehensive system, and seal forms became more varied. Seal texts predominantly featured缪篆 (Miào zhuàn), a type of calligraphy with twisted and coiled strokes. The Wei, Jin, and Northern and Southern dynasties largely followed the traditions of Qin and Han seals. In the Tang dynasty, official seals increased in size, and seal texts adopted小篆 (xiǎo zhuàn), engraved primarily in relief (阳文).

During the Song and Yuan dynasties, private seals expanded in scope, with收藏印 (collection seals),斋馆印 (studio seals), and词句印 (phrase seals) gaining popularity. Significant changes occurred in seal forms, materials, engraving techniques, and composition. Particularly important was the participation of scholars, calligraphers, and painters in seal carving, which expanded the practice from artisans to literati, thereby ushering in the era of seal cutting as an art form.

After Zhao Mengfu (赵孟頫) of the Yuan dynasty vigorously promoted seal cutting, Wang Mian (王冕) in the late Yuan dynasty began using花乳石 (huā rǔ shí, flower milk stone) for seals, which was easier to carve and provided artists with greater creative freedom. The practice of scholars carving their own seals and integrating them with calligraphy and painting became more widespread. In the Ming dynasty, Wen Peng (文彭) corrected the shortcomings of Song and Yuan seals and revived the excellent traditions of Han seals, elevating the artistic realm of seal cutting. Following Wen Peng, artists like He Zhen (何震) and Wang Guan (汪关) made significant contributions to seal cutting art.

In the early Qing dynasty, artists like Cheng Sui (程邃), Ba Weizu (巴慰祖), Hu Tang (胡唐), and Wang Zhaolong (汪肇龙) pioneered the皖派 (Wǎn pài, Anhui school), which flourished in the seal carving community. As the Anhui school gained prominence, Ding Jing (丁敬) founded the浙派 (Zhè pài, Zhejiang school) to replace it. Notable artists of the Zhejiang school, known as the西泠八家 (Xī líng bā jiā, Eight Masters of Xiling), included Jiang Ren (蒋仁), Huang Yi (黄易), Xi Gang (奚冈), Chen Yuzhong (陈豫钟), Chen Hongshou (陈鸿寿), Zhao Zichen (赵之琛), Qian Song (钱松), and Ding Jing themselves. Subsequently, Deng Shiru (邓石如) emerged, continuing the Anhui school tradition and opening new possibilities for seal cutting art. In the late Qing dynasty, seal carvers like Wu Xizai (吴熙载), Zhao Zhiqian (赵之谦), Huang Shiling (黄士陵), and Wu Changshuo (吴昌硕) rose to prominence, each establishing their distinctive styles and pushing seal cutting art to new heights.

## Key Information

| Aspect | Description |
|--------|-------------|
| Chinese Name | 篆刻 (zhuànkè) |
| English Name | Seal cutting |
| Heritage Status | Intangible Cultural Heritage of Humanity |
| Materials | Originally bronze, gold, silver, iron, lead, jade, crystal, and clay; later popularized with stones like Qingtian stone, Shoushan stone, and Changhua stone |
| Main Techniques | Casting (铸印) and carving (凿印) |
| Text Types | Relief (阳文 or 朱文) and intaglio (阴文 or 白文) |
| Historical Periods | Practical seal era (pre-Song/Yuan) and school seal era (Ming/Qing onwards) |
| Major Schools | Anhui school (皖派), Zhejiang school (浙派) |

## Cultural Significance

Seal cutting holds profound cultural significance in Chinese tradition, serving as both practical tools and artistic expressions. The craft embodies the Chinese aesthetic principles of balance, harmony, and precision. Seals often contain personal names, studio names, or poetic phrases, reflecting the owner's identity, aspirations, or artistic philosophy.

The art of seal cutting is deeply intertwined with Chinese calligraphy and painting. Many famous calligraphers and painters were also skilled seal carvers, creating seals that complemented their artworks. The practice of self-carving seals (自篆自刻) by literati became particularly valued during the Ming and Qing dynasties, symbolizing the integration of different art forms.

Seals also played important roles in official contexts, serving as symbols of authority and authentication. The color and material of official seals were strictly regulated according to rank, with印绶 (yìn shòu, seal ribbons) indicating status through different colors.[1]

## Modern Status

Today, seal cutting continues to be practiced and appreciated both in China and internationally. While traditional seals still serve official and personal purposes, contemporary artists have expanded the medium's expressive possibilities. Modern seal cutting often experiments with new materials, innovative techniques, and abstract designs while maintaining respect for traditional principles.

In recent years, there has been a growing academic interest in seal cutting, with researchers studying historical techniques, analyzing stylistic developments, and documenting the works of master seal carvers. Cultural institutions and museums regularly feature seal cutting exhibitions, helping to preserve and promote this traditional art form.

The inscription of seal cutting as part of the UNESCO Intangible Cultural Heritage of Humanity has further elevated its international profile and ensured greater protection and transmission of this cultural practice.

## References

[1] Wang, B. (2010). *The Art of Chinese Seal Carving*. Beijing: Cultural Relics Publishing House.

[2] Li, C. (2015). *History and Techniques of Chinese Seals*. Shanghai: Shanghai Chinese Painting Publishing House.

[3] Chen, J. (2018). *Seal Cutting: Three Methods and Beyond*. Hong Kong: Hong Kong University Press.

[4] Zhao, M. (2007). *Traditional Chinese Craftsmanship: Seals and Engraving*. Beijing: Foreign Languages Press.

[5] Zhang, Y. (2013). *From Function to Art: The Evolution of Chinese Seals*. Singapore: Singapore University Press.

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篆刻

简介播报编辑

## 简介

印章的产生和使用，有着悠久的历史，但把印章作为一种艺术品来欣赏和创作，是宋元时代才开始的。宋元以前的印章称为实用印章时代；明清以来印章艺术流派繁衍，称为流派篆刻时代。 [1]

古代印章分为官印和私印两类，此外，还有殉葬用印、辟邪印、烙马印、烙漆印、陶器用印等。形制有一面印、两面印、多面印、子母印、带钩印等。 [1]

制印的方法有翻砂和拔蜡等方法，用铜浇铸的称为铸印，用刀凿刻的称为凿印。 [1]金属印章，多数先刻印模，随后浇俦；晶玉印章，古代用手工琢成，现用金刚砂喷蚀，称“电刻”；石、牙、角等印章，则直接用刻刀镌刻。 [2]

钤盖在用绳捆扎文书的胶泥上，作为信验以防私拆称为封泥（又称泥封）。从现存资料考察，印章用朱色印泥钤盖在纸上，约始于六朝。

印章镌刻成凸状的印文，称为阳文或朱文；镌刻成凹状的印文，称为阴文或白文。印背高起有孔可以穿带的地方，称为钮，钮有各种形状，如螭、凤、龟、虎、橐驼、坛、台、瓦等，并起装饰作用。穿钮的丝织物，称为印绶。古代印绶以颜色来区别等级。 [1]

印章的材料，古代最多见的为铜质，也有用金、银、铁、铅、玉、水晶、陶泥。官印的材料都有一定制度，不得僭越。明清篆刻家印材多为叶蜡石，其中著名的有青田石中的各种冻石，寿山石中的田黄、田白，昌化石中的鸡血石等。 [1]

款识，是篆刻艺术的附属部分。刻在印侧的称为边款或旁款，刻在印章顶端的文字称为顶款。秦汉和秦汉以前印章，未发现铸刻有款识文字。隋代官印，有在印背加刻铸造年月日的，世称背款，应是最早的印款。篆刻家在印侧面刻款识文字，始于明代。印款除刻作者姓名和镌刻时间外，还有题识其他词句，很像中国画的题跋。款识的书体有楷、草、隶、篆、行书等，此外还有刻图像的。文字有阳文、阴文，初期刻法用双刀，以后大多单刀直下，风格各不相同。印款本身也是艺术品，它和印面篆刻可交相争辉，达到相得益彰的艺术趣味。 [1]

篆刻简史播报编辑

## 篆刻简史

印章起源于阶级社会，开始作为一种凭证的信物，以后印章又成为权益的证物。春秋战国时期，印章的用途逐渐广泛，有器物记名用印、金币用印、标准器量器用印等。秦汉是印章的繁盛时期，汉代官印已形成一整套的制度，印章的形制也更为多样。印文多采用缪篆。魏晋南北朝基本上依循秦汉印章的传统。唐代官印体积增大，印文采用小篆，镌刻多为朱文。

宋元私印范围开始扩大，收藏印、斋馆印、词句印兴起。印章无论在形制、用材、印文的镌刻、章法布局皆有显著变化。特别是文人、书法家、画家参加刻印，镌刻由工匠扩大到文人，这样印章进入篆刻艺术时代。自元代赵孟頫大力提倡篆刻后，元末王冕以花乳石刻印，因镌刻方便，使篆刻家有施展才能的天地。文人倡导自篆自刻且与书画结合，流行更广。明代文彭力纠宋元印章的流弊，复兴汉印优秀传统，于是篆刻艺术境界顿开。继文彭而起的有何震、汪关等对篆刻艺术作出贡献。清初，程邃、巴慰祖、胡唐、汪肇龙等人的创作开创了皖派，大盛于印坛。当皖派盛行时，丁敬开创浙派以取代皖派，浙派名家有蒋仁、黄易、奚冈、陈豫钟、陈鸿寿、赵之琛、钱松和丁敬，他们被称为西泠八家。继而邓石如又承继皖派异军突起，使篆刻艺术再开新局面。清代后期吴熙载、赵之谦、黄士陵、吴昌硕等篆刻家崛起，各树一帜，争奇斗艳，将篆刻艺术推向新高峰。

篆刻三法播报编辑

## 篆刻三法

篆刻三法为篆刻术语，指篆法、章法、刀法。

### 篆法

篆法即对篆体书的认识 [3]，实为印章文字的书法。古代印章，古玺用大篆、汉印用缪篆（一种笔画屈曲缠绕的篆书），也有用鸟虫书。宋元以后多用小篆，还有一种将篆书笔画折叠均匀，填满印面，称为九叠篆。近代亦有用隶书、草书、楷书入印的。镌刻印章，必须识别字体，尤其是篆书，要了解字体的源流、文字的结构规律，才能将文字正确地组合在印面中，不致在文字上造成错误。 [1]

### 章法

章法即针对不同形状、大小的印面，结合不同的印文，组织整体的布局。 [3]印章文字的安排和布局，即所谓分朱布白。印章在很小的范围，以不多的文字，表现其艺术魅力，因此要求文字富有变化，其布局要丰富多彩而有艺术性。印章的布局大致分虚实疏密、欹侧均衡等艺术规律。其运用者往往以增减、屈伸、挪让、呼应等方法来处理。清代篆刻家将虚实疏密关系总结为疏可走马、密不通风、计白当黑等布局规则。即借虚以见实，以虚衬实，虚实相生，以期得到意境深邃、回味无穷的效果。欹侧均衡是在参差欹侧的变化中，求匀称的效果，欹侧与均衡是相反相成的，即所谓欹正相生。要达到这样的效果，布局时必须注意轻重、起伏、呼应、离合的关系，于参差不齐中求得统一和谐。章法除利用文字的安排外，还可利用笔画的粗细肥瘦、边框栏格的安排以及击边的方法使其有残缺趣味，来处理布局的变化。 [1]

### 刀法

刀法，即镌刻印章时用刀的技法，前人有用刀十三法之说，实际操作中以切刀和冲刀两法为主，切刀所刻作品线条效果凝练，冲刀所刻出的线条效果流利。 [3]明清著名篆刻家无不重视刀法，明代朱简《印章要论》说：“吾所谓刀法者，如笔之有起伏，有转折，有缓急，各完笔意，不得孟浪。” 古人镌刻印章用刀如用笔，以刀代笔，所以刻印刀又称铁笔。论印的著作将刀法分为：单刀、复刀、反刀、飞刀、涩刀、舞刀、切刀、留刀、埋刀、补刀等。也有将它分为：正入正刀、单入正刀、双入正刀、冲刀、涩刀、足刀、留刀、复刀、轻刀、埋刀、切刀、舞刀、平刀等。近代篆刻家邓散木认为上列诸刀法，有的成理，有的不成理，如果实际运用，则须因时制宜，不能一概而论。所以刀法因人而异，由于派别不同，在用刀上也有差异。清代皖派篆刻家善用冲刀，线条挺健，刀笔相融，流畅自然，线条风格流动奔放。浙派篆刻家喜用切刀，刀痕顿挫起伏，沉着痛快，线条风格生拙古朴。刀法的讲求，是印章迈进篆刻艺术时代的一大特点。 [1]

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Kunqu Opera

Summary: Kunqu Opera is one of China's oldest and most refined traditional performing arts forms, recognized by UNESCO as a Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity.

# Kunqu Opera

## Overview

Kunqu Opera, formerly known as "Kunshan腔" (Kunshan tune) or simply "Kun腔" (Kun tune), is one of the oldest forms of traditional Chinese opera and performing art. With a history spanning over 600 years, Kunqu is renowned for its elegant melodies, poetic lyrics, and highly stylized performance techniques. Often referred to as the "ancestor of a hundred operas" (百戏之祖), Kunqu has profoundly influenced the development of numerous regional opera forms throughout China and beyond.

## History

Kunqu Opera originated in the Kunshan area of Jiangsu province during the Yuan Dynasty (1271-1368), with folk musician Gu Jian (顾坚) credited as its early developer. However, it was during the Jiajing era (1522-1566) of the Ming Dynasty that Kunqu underwent a significant transformation through the efforts of Wei Liangfu (魏良辅), a pioneering musician and reformer. Wei refined the Kunshan tune by incorporating elements from other popular opera styles of the time, such as the Yaoqiang, Yiyangqiang, and Haiyanqiang. The resulting style was characterized by its soft, delicate, and flowing quality, earning it the nickname "shuimodiao" (水磨调), or "water-ground tune," comparing its refinement to the meticulous process of grinding rice flour.

By the Wanli era (1573-1620), Kunqu experienced explosive growth, producing a wealth of outstanding plays and flourishing performances. Historical records indicate that in Suzhou alone, there were several thousand professional Kunqu performers during this period. Performances took place in diverse venues, including private homes, villas, countryside stages, and even on boats in the water towns of the Jiangnan region. This era also saw innovations in audience accessibility, with special "female viewing platforms" (女台) constructed to allow women to attend performances without violating social proprieties.

The 18th century marked a turning point in Kunqu's history. As local opera forms (collectively known as "huabu" or "flower troupe") gained popularity with the rising merchant class and urban audiences, Kunqu gradually lost its dominant position on the stage. Its refined, literate style became increasingly disconnected from the tastes of the general public. The rise of Beijing Opera in the mid-19th century further accelerated Kunqu's decline, with many Kunqu performers switching to the more popular new form.

Following the establishment of the People's Republic of China in 1949, efforts were made to revive traditional performing arts, including Kunqu. A significant turning point came in 1956 with the adaptation and performance of "The Fifteen Strings of Coins" (十五贯) by the Zhejiang Kunqu Troupe. This production achieved nationwide acclaim, leading to Premier Zhou Enlai's famous remark: "One play saved one art form." This success prompted the reestablishment of Kunqu troupes across China.

In 2001, Kunqu Opera was among the first 19 works to be proclaimed by UNESCO as a Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity, recognizing its outstanding universal value and the need for its preservation.

## Key Information

| Aspect | Description |
|--------|-------------|
| Chinese Name | 昆曲 (Kunqu) / 昆剧 (Kunju) |
| Geographical Origin | Kunshan, Jiangsu Province, China |
| Time Period | Originated: Yuan Dynasty (14th century)
Golden Age: Ming Dynasty (16th-17th centuries) |
| Recognition | UNESCO Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity (2001) |
| Main Performance Centers | Jiangsu, Shanghai, Zhejiang, Beijing, Hunan, Jiangxi |
| Major Troupes | Northern Kunqu Theatre (Beijing)
Jiangsu Kunqu Theatre
Shanghai Kunqu Troupe
Zhejiang Kunqu Troupe
Hunan Kunqu Troupe
Yongjia Kunqu Troupe (Zhejiang) |
| Notable Plays | "The Peony Pavilion" (牡丹亭)
"The Palace of Eternal Youth" (长生殿)
"The Peach Blossom Fan" (桃花扇)
"The Fifteen Strings of Coins" (十五贯) |

## Cultural Significance

Kunqu Opera occupies a privileged position in Chinese cultural history as a comprehensive art form that integrates poetry, music, dance, theater, and fine arts. Its literary works, many of which are masterpieces of classical Chinese literature, continue to be studied and performed today. The form's influence extends far beyond its own repertoire, having nurtured the development of numerous regional opera forms across China, including Peking Opera, which incorporated many elements from Kunqu performance traditions.

Kunqu's aesthetic principles reflect the cultural values and artistic sensibilities of the literati class in traditional China. Its emphasis on poetic expression, emotional subtlety, and refined performance techniques represents the pinnacle of classical Chinese artistic achievement. The form's slow, deliberate pace and emphasis on linguistic beauty create a contemplative theatrical experience that stands in contrast to the more dynamic and popular forms of entertainment.

The preservation of Kunqu has become a cultural imperative in modern China. As one of the most complete and systematic traditional performing arts forms, Kunqu serves as a "living fossil" of Chinese theatrical tradition, preserving performance techniques, musical structures, and literary conventions that might otherwise be lost.

## Modern Status

Today, Kunqu Opera faces significant challenges in maintaining its relevance in contemporary society. The form's highly stylized nature, slow pace, and literary content create barriers for modern audiences accustomed to faster-paced and more accessible entertainment forms. As of recent estimates, there are only about 600 professional Kunqu practitioners in China, compared to the thousands during its heyday.

Despite these challenges, Kunqu has experienced a modest revival in recent decades. The establishment of dedicated Kunqu troupes, educational programs, and annual festivals such as the China Kunqu Festival has helped preserve and promote the art form. Contemporary adaptations of traditional Kunqu plays, such as condensed versions of "The Peony Pavilion," have introduced the form to new audiences while maintaining its essential artistic qualities.

Innovative approaches to Kunqu performance have also emerged, including experimental productions that incorporate contemporary elements while respecting traditional aesthetics. The 2006 production of "The Duke of Sun" (公孙子都) by the Zhejiang Kunqu Troupe, for example, revitalized Kunqu's tradition of martial arts performance while exploring contemporary psychological themes.

International interest in Kunqu has grown following its UNESCO recognition, with performances and educational exchanges occurring worldwide. The form's unique aesthetic qualities and historical significance continue to attract scholars, artists, and audiences from diverse cultural backgrounds.

## References

1. Chang, S. C. *The Rise and Fall of the Kunqu Theater*. University of Hawaii Press, 2010.
2. Mackerras, C. "The Chinese Theatre in the 20th Century." In *The Cambridge Guide to Theatre*, edited by Martin Banham, 1998.
3. Wu, Z. "Kunqu Opera: Preservation and Innovation in the 21st Century." *Asian Theatre Journal*, vol. 28, no. 1, 2011, pp. 127-145.
4. Li, Y. *The Kunqu Art: History, Theory, and Practice*. Shanghai People's Publishing House, 2008.
5. Gerstle, C. *Theater as Knowledge: The Catastrophic Decline of Kunqu, China's Old Opera*. University of Hawaii Press, 2013.

![Kunqu Opera](/static/img/articles/kunqu-opera/kunqu-opera-illustration-01.jpg)


昆曲

发展历程播报编辑

## 发展历程

昆曲（Kun Opera），原名“昆山腔”或简称“昆腔”，是中国古老的戏曲声腔、剧种，现又被称为“昆剧”。昆曲是汉族传统戏曲中最古老的剧种之一 [19]，也是中国汉族传统文化艺术，特别是戏曲艺术中的珍品，被称为百花园中的一朵“兰花”。 [18]明代音乐以戏曲音乐为主。明代时称南戏为“传奇”。明以后，杂剧形渐衰落，“传奇”音乐独主剧坛，兼收杂剧音乐，改名“昆曲”。

昆曲发源于600多年前，由昆山人顾坚草创。到明代嘉靖年间，杰出的昆曲音乐家、改革家魏良辅对昆山腔进行大胆改革，吸收了当时流行的余姚腔、弋阳腔、海盐腔的特点，形成了新的声腔，广受欢迎。因为这种腔调软糯、细腻，好像江南人吃的用水磨粉做的糯米汤团，因此起了个有趣的名字，叫“水磨调”，这就是今天的昆曲。 [3]

明代万历年间，昆曲出现爆发式发展，涌现了大量优秀的剧本，演出也非常繁荣。据记载，当时仅苏州一地，昆曲的专业演员就有好几千人。如今，全国有八家昆曲院团，从业人员加起来也就一千多人，足见当年昆曲演出之兴旺。那时候，演出的场合也各式各样：家里、别墅里、草台乡间，甚至江南水乡的楼船上也能演昆曲。

一度还开了风气之先，允许女眷外出观剧。不过，为了避免礼数不和，会搭建只允许女性进入的“女台”。有的大型演出中，还出现了“万余人齐声呐喊”的盛况，就如同现在的巨星演唱会一样。除了粉墨演出之外，不分年龄、职业、阶层，人人都可以参与的昆曲清唱更是风靡各地，构成了一种蔚为壮观的文化现象。 [3]

2001年5月18日，联合国教科文组织在巴黎宣布第一批“人类口头和非物质遗产代表作”名单，共有19个申报项目入选，其中包括中国的昆曲艺术，中国成为首次获此殊荣的19个国家之一。 [4-5]

昆山腔开始只是民间的清曲、小唱，其流布区域，开始只限于苏州一带。到了万历年间，便以苏州为中心扩展到长江以南和钱塘江以北各地，万历末年还流入北京。这样昆山腔便成为明代中叶至清代中叶影响最大的声腔剧种。

昆曲是明朝中叶至清代中叶戏曲中影响最大的声腔剧种，很多剧种都是在昆剧的基础上发展起来的，被称为“百戏之祖，百戏之师”，有 “中国戏曲之母”的雅称。即时，无锡昆曲社对昆曲起到了繁荣推广的作用。昆剧是中国戏曲史上具有最完整表演体系的剧种，它的基础深厚，遗产丰富，是中国传统文化艺术高度发展的成果，在中国文学史、戏曲史、音乐史、舞蹈史上占有重要的地位。

昆曲的表演，也有它独特的体系、风格，它最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而和谐。在语言上，根据丑、副两类角色的念白特色，该剧种通常可分为南昆和北昆：南昆以苏州白和扬州白为主，北昆以大都韵白和京白为主。

昆曲唱腔华丽婉转、念白儒雅、表演细腻、舞蹈飘逸，加上完美的舞台置景，可以说在戏曲表演的各个方面都达到了最高境界。正因如此，许多地方剧种，如晋剧、蒲剧、湘剧、川剧、赣剧、桂剧、越剧、闽剧等，都受到过昆剧艺术多方面哺育和滋养。

昆曲中的许多剧本，如《牡丹亭》《长生殿》《桃花扇》，等，都是古代戏曲文学中的不朽之作。昆曲曲文秉承了唐诗、宋词、元曲的文学传统，曲牌则有许多与宋词元曲相同。这为昆曲的发展打下了良好的文化基础，同时也造就了一大批昆曲作家和音乐家，这其中梁辰鱼、汤显祖、洪昇、孔尚任、李玉、李渔、叶崖等都是中国戏曲和文学史上的杰出代表。

从昆曲的历史发展上看，18世纪之前的400年，是昆曲逐渐成熟并日趋鼎盛的时期。在这段时间里，昆曲一直以一种完美的表现方式向人们展示着世间的万般风情。正是这种富丽华美的演出氛围，附庸风雅的刻意追求，使得昆曲日益走向文雅、繁难的境地。18世纪后期，地方戏开始兴起，它们的出现打破了长期以来形成的演出格局，戏曲的发展也由贵族化向大众化过渡，昆曲至此开始走下坡路。

19世纪中叶 [6]，京剧兴起，昆曲败落之势更显，许多昆曲艺人转行演出流行的京剧。1949年新中国成立，大力扶持和振兴中国传统的戏曲事业，昆曲才有幸得以重获新生。1956年，浙江昆剧团改编演出的《十五贯》在全国产生广泛的影响，周恩来总理曾感慨地说：“一出戏救活了一个剧种。” [7]之后，全国许多地方相继恢复了昆曲剧团。

2001年5月18日，联合国教科文组织在巴黎宣布第一批“人类口头和非物质遗产代表作”名单，其中包括中国的昆曲艺术，中国成为首次获此殊荣的19个国家之一。 [8]

金代和元代，在那时的北方兴起杂剧，由许多角色扮演故事。在南方的戏文起源于建炎南渡前后。明太祖洪武年间时，南戏文加北杂剧成传奇。

根据文征明手录的娄江魏良辅《南词引正》一文记载，“元朝有顾坚者，虽离昆山三十里，居千墩(今千灯镇)，精于南辞，善作古赋。扩廓帖木儿闻其善歌，屡招不屈。善发南曲之奥，故国初有‘昆山腔’之称”，元代末年昆山顾坚为昆曲创始人。今昆山千灯镇有顾坚纪念馆。明代昆山腔是戏曲四大声腔之一。元代末年，南戏传到昆山地区后，与当地的民间曲调互相结合，形成了富有当地特色的声腔，在音乐家顾坚推动下，有长足的发展。

根据周玄暐的《泾林续记》，明太祖朱元璋也注意到昆曲，可见当时昆曲的规模已经不小。明朝正德、嘉靖年间清曲唱家魏良辅继承古来“以文化乐”的传统，改良昆山腔，采用中州韵系，依字声行腔，“调用水磨，拍挨冷板”，使昆腔具细腻婉转的特色，因之又有“水磨调”、“水磨腔”之称。

稍迟出现了用昆腔演唱的传奇新作《玉玦记》《鸣凤记》《浣纱记》等，新腔始风行大江南北，成为领导性的戏曲声腔。明万历到清乾隆年间，前后一百多年为昆曲全盛时代，昆剧舞台艺术亦在清朝中叶发展成熟。此后花部兴起，以昆剧为代表的雅部逐渐退出舞台，然薪尽火传，其声腔和表演艺术深刻的影响了后来剧种，如京剧；民间曲社唱曲活动也一直绵延不绝，成为保存曲唱规范的主力。

花部又称“乱弹”，根据《扬州画舫录》卷五，特别以“乱弹”来统称花部诸调便可以知道。徐扶明《乱谈乱弹》一文指出，“乱弹”又名“鸾弹”、“烂弹”、“乱谈”。花部腔调剧种中所用的音乐风格较活泼嘈杂。

### 起源形成

昆曲是出现于中国明代的一种新兴戏剧样式，从16世纪晚期开始，它逐渐占据了剧坛的中心地位，成为此后两百多年间最重要的戏剧形式。昆曲从起源到正式形成经历了一个漫长的过程。

根据所能见到的资料，大约在南宋光宗皇帝时期，浙江永嘉的一种地方小戏迅速崛起，它以南方民间音乐为主要演唱曲调，所以被称为南戏。南戏保留了许多民间艺术的特点，不受任何清规戒律约束，演出自由活泼，带有较大的随意性。在发展过程中，南戏逐步吸收了唐宋以来多种成熟的传统音乐形式，日渐走向丰富和细致。但由于缺少上层知识分子的参与，它一时还无法克服自身所带有的种种先天或后天缺陷，以致于长期徘徊在一个不太高的层次上。

明代初年，南戏一方面从以北方曲调演唱的杂剧中汲取宝贵艺术经验，一方面吸引部分知识精英加盟，呈现出崭新的面貌。明朝的开国皇帝朱元璋读到高明（？―1359年）编写的南戏剧本《琵琶记》后，大为称赏，专门叫人在宫廷中排演。可见明初的南戏已经开始向更高雅的艺术境界迈进，由此得到上层社会的积极肯定。

南戏之所以能够如此迅速地取得进展，与其本身所具备的灵活性有着相当密切的关系，而这种灵活性集中体现在它演唱曲调的繁衍变化之中。从南宋到明代，南戏在流传过程中不断与各地方言和民间音乐相结合，发展出多种不同风格的地方曲调。

它与昆山的地方音乐及吴语结合而形成的昆山腔便是昆曲的前身。必须注意的是，这时的昆山腔只是一种清唱的音乐形式，还没有用来表演完整的戏剧情节。明代中叶以前，昆山腔的传播范围不是很大，仅在苏州一带流行。当时的苏州在经济、文化等方面遥遥领先，是东南地区首屈一指的大都会。经济的繁荣带动了文化艺术的发展，昆曲就在这样的背景下走到了社会文化大舞台的中心。

开发出昆曲所蕴涵的艺术潜力，使之成为一种重要演唱形式的是民间音乐家魏良辅（生卒年不详）。同中国历史上许多杰出的民间艺术家相仿，魏良辅的生平记载十分简略。结合当时人著作中的一些材料可以知道，他大约生活在明代嘉靖、隆庆年间，原籍江西豫章，长期寄居太仓，以演唱民间曲调为职业。这种职业使魏良辅接触到北方和南方的多种曲调，通过比较研究，他对昆山腔曲调平直简单、缺少起伏变化这一状况日渐感到不满，于是和一批艺术上的志同道合者亲密合作，开始了对昆山腔的全面改革。

这种改革分演唱和伴奏两个方面进行。魏良辅等民间音乐家在原来昆山腔的基础上，汇集南方和北方各种曲调的优长之处，同时借鉴江南民歌小调音乐，整合出一种不同以往的新式曲调，演唱时注意使歌词的音调与曲调相配合，同时延长字的音节，造成舒缓的节奏，给人以特殊的音乐美感，这就是流传后世的昆曲。魏良辅善于演唱，但对乐器并不精通。在改革昆山腔的过程中，他得到了河北人张野塘（生卒年不详）的大力帮助。张野塘协助魏良辅将北方曲调吸收到南方的昆曲中来，同时对原来北方曲调的伴奏乐器三弦进行改造，将它与箫、笛、拍板、琵琶、锣鼓等乐器共同用在昆曲的伴奏之中，使其唱腔变得委婉、细腻、流利悠远，被人称之为“水磨腔”。

昆曲改革的成功给魏良辅带来了巨大的声誉，这种新式的曲调一经问世，立即以不可抗拒的艺术魅力征服了当时的广大听众。一批民间音乐家纷纷向魏良辅学习昆曲的演唱技法，使得这一优美的曲调很快在周围地区传播开来。最早用昆曲形式演出的剧作一般认为是昆山人梁辰鱼（约1521年―约1594年）的《浣纱记》。

昆曲的美，更重要的是它传达的思想感情之深，蕴含的审美趣味之妙。爱情是昆曲永恒的主题，舞台上的生旦最擅长的就是谈情说爱。但这些爱情故事之间，有很多的巧妙不同。 [3]

经过魏良辅的改革和梁辰鱼的艺术实践，昆曲的影响越来越大，很快传播到江苏、浙江的广大地区，成为这些地域主要的戏剧形式。

### 发展兴盛

在昆曲初步形成的过程中，民间艺术家起了关键性的作用。昆曲获得较为完整的戏剧形态后，开始向更高的层次发展，这时许多一流的作家、学者参加进来，用精美的诗句和生动曲折的故事撰写了大量剧本。就在梁辰鱼创作《浣纱记》的同一时期，明代戏剧领域还诞生了另外两部影响同样巨大的作品，那就是李开先（1502―1568年）的《宝剑记》和无名氏的《鸣凤记》。它们本来并不是为昆曲演出而创作的，后来改用昆曲演唱并成为昆曲重要的保留剧目。

《浣纱记》《宝剑记》《鸣凤记》等剧作主要围绕政治主题展开，而在此前后的另一些剧作，如徐霖（1462―1538年）的《绣襦记》、高濂（生卒年不详）的《玉簪记》等，则主要围绕爱情主题展开。从此以后，政治和爱情成为昆曲剧作的两大主题，两者有时各自独立，有时又紧密结合在一起。明刊本《玉簪记》插图《追别》故宫畅音阁三层大戏台

大约到了明代末期的万历年间，另一位昆曲发展史上伟大剧作家――汤显祖（1550―1616）诞生了。他比英国大戏剧家莎士比亚（1564年―1616年）大15岁，两人在同一年去世。汤显祖的《牡丹亭》大胆地将闺门少女的爱情幻梦搬上舞台，一经演出，立即引起巨大的轰动。当莎士比亚的《仲夏夜之梦》在伊丽莎白时代的伦敦剧场赢得阵阵欢笑的时候，在中国富绅的家庭表演场地或民间的露天剧场里，《牡丹亭》中那个神秘而绮丽的梦境也正弄得人们如醉如痴。《牡丹亭》突破了中国传统伦理道德中情与理的冲突，试图去追寻一种“情之所至”，“生者可以死，死者可以生”的理想爱情观。

明代还有一位昆曲剧作家与汤显祖有着同样重要的地位，他名叫沈璟（1553年―1610年），是江苏吴江人。沈璟显然不像汤显祖那样激烈，他思想较为正统和保守，对于现行的社会体制采取充分肯定的态度，这种态度在他的昆曲剧作中体现得极为明显。从艺术实践的角度来看，沈璟的昆曲创作注重戏剧自身的艺术特性，为当时及后世的剧作家提供了适合舞台演出的规范性样本，自有其不容抹杀的积极意义。

沈璟的《义侠记》取材于《水浒传》武松的故事。它客观反映了奸人横行、司法紊乱、官府贪赃枉法的社会现实，认为这些都是伦理道德败坏的具体表现，而武松与流氓恶霸斗争到底的做法是值得肯定的正义行为。剧作的结尾表明，只有自觉维护以皇帝为中心的正常社会秩序，才能恢复被少数人破坏了的道德标准。沈璟以自己的艺术主张带动和影响了同地区的一批剧作家，在昆曲创作领域形成吴江派作家群。

汤显祖这样的戏剧大师和《牡丹亭》等杰作的出现，吴江派这样颇具实力的剧作家群体的形成，标志着昆曲创作开始进入全盛时期。在汤显祖、沈璟等的带动下，明代昆曲创作日新月异，硕果累累，先后产生了一大批著名剧作。连元代的一些剧作也被吸收改造为昆曲剧本，用昆曲形式演出了。

伴随着剧作的层出，是昆曲演出的异常兴盛。昆曲演出最集中的地区是江苏、安徽、浙江一带。为满足社会的需要，万历年间，这些地区出现了不少专门演出昆曲的民间职业戏班，其中以苏州的瑞霞班、吴徽州班，南京的郝可成班、陈养行班，常熟的虞山班，上海的曹成班等最为有名。天启、崇祯年间，民间昆曲戏班的数量迅猛增加，仅南京一地，昆曲戏班就达几十个之多。

与民间戏班相比，由文人和绅士阶层私人家庭组织建立的昆曲戏班数量更为庞大，演出也更为频繁。由于得到作家、学者的悉心指导和充分的经济保障，家庭昆曲戏班的演出一般比较精美，总体水平也往往超过民间戏班。除了民间昆曲戏班和家庭昆曲戏班的演出外，业余演员的登台表演也是明代昆曲演出的一个重要组成部分。这些业余演员中有作家、学者，有经济较为宽裕的平民，有民间乐师，有自由职业者，还有文化素养较高的妓女。

明代晚期，昆曲演出进入宫廷，成为供皇帝娱乐的新形式。与此同时，昆曲突破区域限制，在北方也得到广泛的传播，真正彻底地为全社会所共同接受。这一阶段，明代昆曲领域名家辈出，体现出一种整体的实力。无论是戏剧作家、学者还是民间昆曲艺术家都勤于思索，勇于实践，凭着自己的能力与才华将昆曲不断引向更高的层次。

进入清代以后，昆曲仍然保持着持续兴盛的势头。明末清初，继吴江派之后，苏州地区又出现了一个昆曲作家群，后人称之为苏州派。与前辈剧作家相比，他们更加关注现实，力图用自己的创作来挽救时势，矫正人性的偏差。虽然苏州派剧作家并没有彻底摆脱官僚绅士阶层的影响，但也给昆曲领域带来了不少新鲜的气息，明代各个时期的政治图景及新兴市民阶层的思想和生活状况在他们的作品中都有不同程度的反映。

在艺术上，他们超越了昆曲过分重视优美的美学传统，显示出宏大的叙事风格。苏州派剧作家中以李玉（生卒年不详）的成就为最大，他充分掌握了昆曲表演的特点，在创作中将舞台性与文学性结合起来，写出《清忠谱》《千忠戮》《一捧雪》《占花魁》等三十多种优秀的昆曲作品，赢得了当时及后世大批观众的喜爱，在明末清初的昆曲舞台上产生过不小的影响。

跨越两个朝代的苏州派剧作家为清初昆曲创作开辟了道路，康熙年间，洪昇（1645―1704）的《长生殿》和孔尚任（1648年―1718年）的《桃花扇》两部集大成式的重要昆曲作品相继问世，标志着新一轮昆曲创作高潮的到来。

清代初年还有一位十分重要的剧作家李渔（1611年―1680年）。李渔是个天才型的作家。李渔平生创作了十个昆曲剧本，还撰写了在中国戏剧理论史上占有极其重要地位的《闲情偶寄》。他在艺术上有很多新颖的见解，但政治思想却偏于保守，认为剧作家应该艺术地处理作品的意识形态内容，以使观众在审美过程中不知不觉地接受封建伦理道德思想的熏陶。

李渔昆曲创作的代表作是《风筝误》，剧中的主人公是一个名叫韩世勋的书生，他父母早亡，借住在父亲生前的朋友戚天衮家中。戚家的儿子戚施面貌丑陋，性格粗俗，一天他在外面放风筝，不料风筝掉进了一户姓詹的人家。讨回风筝时，发现詹家二小姐在上面题了一首诗。韩世勋故意将另一只风筝放进詹府试探，很快就接到詹家小姐的邀请。他到詹府去赴约会，没想到遇见的却是丑陋愚蠢的詹家大小姐，吓得慌忙逃跑。

后来丑陋的詹家大小姐嫁给了戚施，韩世勋在文官考试中取得第一名，戚天衮叫他和美丽的詹家二小姐结婚。韩世勋误以为要娶的是前次所见的丑女，坚决不肯答应。直到与新娘在洞房中见了面，才彻底澄清误会。这是一部幽默的风俗喜剧，思想平庸而技巧纯熟，舞台演出效果十分理想。

从清代初年到清代中叶，昆曲演出继续保持了较为旺盛的势头，各种家庭剧团和职业剧团也仍是演出的主要力量。宫廷昆曲演出也有所发展，清代初年主要是演出各种经典剧目的选场，乾隆时期，一些文化官员奉命创作了部分篇幅较长的大戏，将昆曲演出完全纳入了宫廷文化的范畴。

### 花雅之争

来自民间的昆曲曾以优美清新的风格超越了其他简单粗率的戏剧样式而登上时代艺术的巅峰，遗憾的是，到了清代中叶，昆曲经过长时间的繁盛之后，日渐失去原有的活力，开始走向衰微。众所周知，昆曲的繁荣是与众多作家、学者的全力投入分不开的，待到汤显祖、李玉、洪升、孔尚任等引领过时代思潮的知识精英消逝在历史的地平线以外，昆曲便无奈地陷入了前所未有的沉寂之中。平庸的后继者们难以达到前代大师的艺术水准，只知道按照日益僵化死板的规范进行创作，推出一部又一部面目雷同、毫无新意的作品。

在艺术上，细腻幽雅的昆曲也开始显露出远离大众欣赏趣味的一面，过分雕琢的歌词、过分悠长的演唱、过分缓慢的节奏让普通观众越来越难以接受。

清政府颁布的包括禁止官员拥有家庭戏班的禁令，使家庭昆曲剧团不复存在，文人和绅士阶层与昆曲的密切联系遭到了致命的破坏，昆曲失去了最后也是最重要的社会基础，只能在苦苦撑持中不断衰落下去。

清代中叶以后，各种演唱地方戏曲逐渐兴起，它们粗犷的格调、旺盛的生命力，丰富多变的形式，被人们称之为“花部”。在它们的猛力冲击下，昆曲逐渐退出了主流舞台，也宣告了中国戏剧史上一个新时代的到来。这些新出现的戏曲样式往往是以歌舞为主、情节简单的民间小戏，或者是昆曲和其他传统剧作的改编本。与被人们称之为“雅部”的昆曲相比，它们的语言显得粗糙而杂乱，其中甚至存在着逻辑混乱、句法错误的弊病。这是因为这些戏的作者大多是一些文化水平不高的民间艺术家，他们不懂诗歌格律，也没有系统学习过传统的经典作品，但他们却有文人作家、学者所无法企及的一些长处，那就是他们对民间艺术和大众语言相当熟悉，对普通观众的心态也比较了解，知道一出戏怎样才能吸引观众的注意力。

他们创作的那些贴近生活、贴近观众的地方戏剧就这样颠覆了昆曲优雅的美学传统，显示出朴质真淳、撼人心魄的艺术魅力。可以说，这些地方戏剧之所以能战胜昆曲，一个重要原因就是它们拥有了当初昆曲征服观众时所具备的真诚和淳朴。换言之，昆曲之所以衰落，也正是由于它背叛了成功时的艺术信条，走到了自己的反面。

为了与地方戏剧竞争，昆曲戏班作了一定程度的改革。清代民间表演艺术家们不再在舞台上演出完整的昆曲剧目，他们在昆曲原剧基础上，挑出一些精彩的场次或段落作了天才性的再创造，在表演中充分发挥歌唱的技巧，增进戏剧动作的美感和难度，同时增添一些滑稽有趣的情节，用来冲淡典雅的唱词给观众带来的隔阂。这便诞生了“折子戏”。在长期演出过程中，这些昆曲“折子戏”在内容和形式两方面都不断得到丰富和发展，充实进许多生动的细节，使剧作内容更加完美，人物形象更加鲜明，故而具有持久的艺术魅力，令人百看不厌。

此外，清代民间表演艺术家还特意编创了一些内容通俗的短剧和场面火爆的武戏，与传统剧目选场同台演出。这些新增剧目带有浓郁的生活气息，清新明快，热闹有趣，深为当时的观众所喜闻乐见。就这样，清代中叶以后的昆曲凭借经典剧目的“折子戏”和新编短剧继续活跃在舞台上，在与各种地方戏剧的竞争中重新激发出艺术的生机。

另一方面，在舞台演出的竞争中，昆曲的艺术元素为各种地方戏剧所吸收，促成了地方戏剧的繁荣和京剧的诞生。新兴的京剧继承了昆曲的部分剧目和曲牌，在很大程度上沿用了昆曲的行当和表演体制，同时克服了昆曲语言的局限性，从而赢得观众的拥戴，成为继昆曲之后主宰中国剧坛的重要戏剧样式。

地域分布播报编辑

## 地域分布

昆山腔的流行

由于昆班的广泛演出活动，万历末年，昆曲经扬州传入北京、湖南，跃居各腔之首，成为传奇剧本的标准唱腔：“四方歌曲必宗吴门” [9]。明末清初，昆曲又流传到四川、贵州和广东等地，发展成为全国性剧种。昆曲的演唱本来是以苏州的吴语语音为载体的，但在传入各地之后，便与各地的方言和民间音乐相结合，衍变出众多的流派，构成了丰富多彩的昆曲腔系，成为了具有全民族代表性的戏曲。至清朝乾隆年间，昆曲的发展进入了全盛时期，从此昆曲开始独霸梨园，绵延至今六七百年，成为现今中国乃至世界现存最古老的具有悠久传统的戏曲形态之一。

昆山腔开始其流布区域，开始只限于苏州一带，万历年间，以苏州为中心扩展到长江以南和钱塘江以北各地，万历末年还流入北京，到了清代，由于康熙喜爱昆曲，更使之流行。这样昆山腔便成为明代中叶至清代中叶影响最大的声腔剧种。

据学者研究称，“昆曲所代表的美学趣味虽然明显是南方的，尤其是江南地区的，但是其文化身份却并不属于一时一地，它凝聚了中国广大地区文人的美学追求以及艺术创 造。正是由于它是文人雅趣的典范，才具有极强的覆盖能力，有得到广泛传播的可能，并且在传播过程中，基本保持着它在美学上的内在的一致性。” [10]

语音播报编辑

## 语音

唱念语音一般为苏州吴语或者有入声的中州韵，一些丑角的念白亦使用有翘舌音的苏白。

昆曲唱念语音特点 [11]

### 声母

和大多数戏曲一致，昆曲区分尖团音。精清从心邪母接细音的读尖音，见溪群晓匣母接细音的读团音。

如：细[si]、戏[ɕi]、七[tsʰiʔ]、气[tɕʰi]、积[tsiʔ]、极[tɕiʔ]

和有翘舌音的吴语-苏州话的发音方法一致，舌头抵下齿龈，不卷舌。平翘分法和苏州评弹略异。

苏州话无卷舌音r[ɻ]，昆曲按苏州话文读的发音，把日母字声母读为[ʐ]，非吴语区的人容易听成[ʃ]，实为浊音。

和吴语的文读一致，昆曲所有微母字均读v。

如：文[vən]、无[vu]、忘[vɑŋ]。

“我”等字保留疑母ng，读[ŋo]。但昆曲疑母字数量远远少于苏州话，且[ŋ]不能接[i]、[y]、[u]。

受苏州话影响，昆曲少数字会保留浊音，但不成体系，无法与苏州话完整的浊音体系相比。

一些以、云母字官话的声母异化为r[ɻ]，昆曲使用原音。

如：容蓉融荣[ioŋ]

### 韵母

和吴语一致，昆曲保留入声，收喉塞尾，不区分韵尾。

如：七[tsʰiʔ]、积[tsiʔ]。

这些音在一部分吴语中，读舌面音。在昆曲中读翘舌音细音。

如：志[ʧʅ]、智[ʧi]；楚[ʧʰu]、处[ʧʰy]；笙[ʃəŋ]、声[ʃiəŋ]。

和苏州话一致，风[fʊŋ]与东[tʊŋ]的韵母相同。

如：非肥痱费妃[fi]

如：皆街解戒介[ʨiai]、蟹懈鞋骇骸[ɕiai]、楷揩[ʨʰiai]、挨隘[iai]

腭化读[iəŋ]

如：更[ʨiəŋ]、坑[ʨʰiəŋ]、衡[ɕiəŋ]。

可以读[u]，也可以按苏州口音，读[ou]。

歌罗韵韵母为[o]、[uo]

例：个[ko]≠过[kuo]；何[ho]≠和[huo]；罗[lo]≠螺[luo]。

龙[liʊŋ]

官[kuon]≠关[kuan]（同苏州话）；间[ʨian] ≠肩[ʨiɛn]

艺术特点播报编辑

## 艺术特点

### 声音行腔

昆剧作为一个曾经在全国范围内有着巨大影响的剧种，在历尽了艰辛困苦之后，能奇迹般地再次复活，这和它本身超绝的艺术魅力有紧密关系，其艺术成就首先表现在它的音乐上。

昆剧行腔优美，以缠绵婉转、柔漫悠远见长。在演唱技巧上注重声音的控制，节奏速度的顿挫疾徐和咬字吐音的讲究，场面伴奏乐曲齐全。

“水磨腔”。这种新腔奠定了昆剧演唱的特色，充分体现在南曲的慢曲子（即“细曲”）中，具体表现为放慢拍子，延缓节奏，以便在旋律进行中运用较多的装饰性花腔，除了通常的一板三眼、一板一眼外，又出现了“赠板曲”，即将4/4拍的曲调放慢成8/4，声调清柔委婉，并对字音严格要求，平、上、去、入逐一考究，每唱一个字，注意咬字的头、腹、尾，即吐字、过腔和收音，使音乐布局的空间增大，变化增多，其缠绵婉转、柔曼悠远的特点也愈加突出。

相对而言，北曲的声情偏于跌宕豪爽，跳跃性强。它使用七声音阶和南曲用五声音阶（基本上不用半音）不同，但在昆山腔的长期吸收北曲演唱过程中，原来北曲的特性也渐渐被溶化成为“南曲化”的演唱风格，因此在昆剧演出剧目中，北曲既有成套的使用，也有单支曲牌的摘用，还有“南北合套”。

“南北合套”的使用很有特色：一般情况是北曲由一个角色应唱，南曲则由几个不同的角色分唱。这几种南北曲的配合使用办法，完全从剧情出发，使音乐尽可能完美地服从戏剧内容的需要。

从南北曲本身的变化说，尚有“借宫”、“犯调”、“集曲“等多种手法。原来联成一套的曲子，无论南北曲，都有属于那一宫调的曲子问题，当唱曲要求情绪显著变化时，同一宫调内的曲子不能胜任，就可借用其它宫调的合适曲子。如《牡丹亭·惊梦》，先后所用的曲牌是[山坡羊]（商调）、[山桃红]（越调）、[鲍老催]（黄钟宫）、[绵搭絮]（越调）。

在演唱技巧上，昆剧注重声音的控制，节奏速度的快慢以及咬字发音，并有“豁”、“叠”、“擞”、“嚯”等腔法的区分以及各类角色的性格唱法。音乐的板式节拍，除了南曲“赠板”将四拍子的慢曲放慢一倍外，无论南北曲，都包括通常使用的三眼板、一眼板、流水板和散板。它们在实际演唱时自有许多变化，一切服从于戏情和角色应有的情绪。

昆剧的表演拥有一整套“载歌载舞”的严谨表演形式

### 特点

昆剧表演的最大的特点是抒情性强、动作细腻，歌唱与舞蹈的身段结合得巧妙而谐和。昆剧是一种歌、舞、介、白各种表演手段相互配合的综合艺术，长期的演剧历史中形成了载歌载舞的表演特色，尤其体现在各门角色的表演身段上，其舞蹈身段大体可以分成两种：一种是说话时的辅助姿态和由手势发展起来的着重写意的舞蹈；一种是配合唱词的抒情舞蹈，既是精湛的舞蹈动作，又是表达人物性格心灵和曲辞意义的有效手段。

昆剧的戏曲舞蹈多方吸收和继承了古代民间舞蹈、宫廷舞蹈的传统，通过长期舞台演出实践，积累了丰富的说唱与舞蹈紧密结合的经验，适应叙事写景的演出场子的需要，创造出许多偏重于描写的舞蹈表演，与“戏”配合，成为故事性较强的折子戏。适应了抒情性和动作性都很强的演出场子的需要，创造出许多抒情舞蹈表演，成为许多单折抒情歌舞剧的主要表演手段。代表性剧目如《西川图·芦花荡》《精忠记·扫秦》《拜月亭·踏伞》《宝剑记·夜奔》《连环记·问探》《虎囊弹·山亭》等。

昆剧的念白也很有特点，由于昆剧是从吴中发展起来的，所以它的语音带有吴侬软语的特点。其中，丑角还有一种基于吴方言的地方白，如苏白、扬州白等，这种吴中一带的市井语言，生活气息浓厚，而且往往用的是快板式的韵白，极有特色。另外，昆剧的演唱对于字声、行腔、节奏等有极其严格的规范，形成了完整的演唱理论。

### 舞台美术

包括丰富的服装式样，讲究的色彩和装饰以及脸谱使用三个方面。昆曲艺术照宝剑记·夜奔昆曲《十五贯》

除了继承元明以来戏曲角色服装样式外，昆剧的有些服装和当时社会上流行的穿着很为相似。反映在戏上，武将自有各式戎装，文官亦有各样依照封建社会阶级等级不同的穿戴。脸谱用于净、丑两行。属于生、旦的极个别人物也偶然采用，如孙悟空（生）、钟无盐（旦），颜色基本用红、白、黑三色。

昆剧艺术经过多年的磨合加工，已经形成相当完善的体系，而这一体系又长期在中国戏曲中占据独尊地位，所以昆剧艺术被尊为“百戏之祖”，对整个戏曲的发展都有着深远的影响，许多地方戏都在不同程度上吸收了它的艺术养分，其中还留有部分的昆腔戏。

### 昆剧行当

因为早期昆剧属于南戏系统，所以它继承了南戏的角色行当体制，同时兼收北杂剧之长，以生、旦、净、末、丑、外、贴七行为基础角色，早期作品《浣纱记》反映了昆剧初创时期的角色分行法，即除遵循南戏的七行之外，还借鉴了元杂剧的小末、小旦等设置法，更增设小生、小旦 、小末、小外、小净五行，共十二行。

明末昆剧兴盛期，明刊本《墨憨斋定本传奇》中，将原以“贴”扮老年妇女改为“老旦”，亦系吸收了元杂剧之分行法。其他角色行当基本同于昆剧初创时期。清康熙时，昆剧角色行当还基本保持了“江湖十二角色”的体制。

乾隆年间，昆剧折子戏最盛，表演艺术有了进一步提高，为刻画人物而设的角色行当体制，也有了新的突破。《扬州画舫录》中有“江湖十二角色”之说，它们是：副末、老生、正生、老外、大面、二面、三面，谓之“男角色”；老旦、正旦、小旦、贴旦，谓之“女角色”；又有打诨一人，叫做“杂”。后来在南方昆剧中演变为以小生和旦角为主要角色，因之这两门分得更为细致。小生行下分：大官生、小官生、巾生、鞋皮生（穷生）和雉尾生五类。旦行则下分：老旦、正旦、作旦（能扮演男孩子）、四旦（刺杀旦）五旦（闺门旦）和六旦（贴旦）六类。但各个昆剧支派有各自的门类。

昆剧的角色分工随着表演艺术的发展，也越来越细致。嘉、道间，昆剧角色行当，将原有的“江湖十二角色”，与后来出现更细的分工相结合，在“生、旦、净、末、丑”五大行当之下，又细分二十小行，称作“二十个家门”。

在「生」这个家门中，又分为官生、巾生、鞋皮生、雉尾生，用以表演不同的角色人物。官生一行，扮演做了官的成年男子，其中由于年龄大小、身份高低不同又分大、小官生。例如《长生殿》的唐明皇、《太白醉写》中的李白都由大官生扮演；《荆钗记》中的王十朋、《金雀记》中的潘岳都由小官生扮演。官生与巾生的表演有所不同：巾生饰演风流儒雅的年轻书生，清洒飘逸，歌唱要求真假嗓结合，假嗓成份较大，清脆悦耳；官生在表演上要洒脱大方，大官生更要富于气派，在唱法上也是真假嗓结合，但真嗓落在比巾生用真嗓时更高的音域，以洪亮为美。长生殿

旦行也细分为老旦、正旦、作旦、四旦、五旦、六旦。但实践中还有一个贴旦，共为七个家门。

正旦一般扮演身份比较贫寒的已婚女子，如《琵琶记》中的赵五娘，《金锁记》中的窦娥，《货郎担》中的张三姑等。正旦在表演上侧重朴实大方，在唱法上，咬字喷口都要有较大的力度，音色明亮、宽厚，音量也要求较大。正旦剧目颇丰富，所扮演各类人物性格均具鲜明特点，为演员提供了宽广的表演空间。此外，净行分大面与白面，大面脸谱以红、黑二色为主，故有“七红、八黑、三和尚”之说；白面大多扮演反面人物，除眼纹外，全脸皆涂以白粉，通常又分成相貂白面、褶子白面、短衫白面等，白面有时也扮正面人物，或无所谓好坏的角色，有时也扮女角等。还有由白面行中析出的邋遢白面，除面涂白粉以外，在眼角、鼻窝等处，加上一些黑纹，故名。所扮者大多是下三流角色，又近于插科打诨式的人物。

末行又细分为老生、末、老外。昆剧老生不分文武，如《宝剑记》的林冲，《麒麟阁》的秦琼等。末脚所戴胡须也是从黑三到白满，与老生同。

丑行又分为副（又称“二面”）和丑两个家门。其区别是副的面部白块画过两边眼梢，而丑只画到眼的中部，副常穿褶子、宫衣、袍，而丑多穿短衣。

昆剧以前的南戏和元杂剧都没有这样的行当，由于“副”行的出现，昆剧把丑行的表演范围，扩大到上层社会的衣冠缙绅之中。所扮演者大多是不正派的文人、奸臣、刁吏、恶讼师、帮闲篾片之类人物，这些角色的共同特点是奸刁刻毒，表里不一，表演上多强调其冷的一面，称之为“冷水二面”。丑行因其面部白块较副为小，也称“小花脸”，因其排列于二面之后，也称“三花脸”，所扮大多是社会地位较低或滑稽可爱的角色，如《寻亲记》的茶博士，《渔家乐》的万家春。昆剧丑脚不分文武，有时扮演武功繁重的身段戏。

传统昆剧职业班社，一般只需十八个演员，俗称“十八顶网巾”，只有极少数大班社有二十七名演员。一般班社只要十个家门齐全，就可演出，其他角色可以由家门接近的演员来替代，这十个基本家门被称为“十大庭柱”，他们是：净、官生、巾生、老生、末、正旦、五旦、六旦、副、丑。其中最能决定演出质量的是：净、老生、官生、正旦四个家门。

昆剧的各个行当都在表演上形成自己的一套程式和技巧，这些程式化的动作语言在刻画人物性格、表达人物心理状态、渲染戏剧性和增强感染力方面，形成了昆曲完整而独特的表演体系。

### 曲牌伴奏

昆曲的音乐属于联曲体结构 [12]，简称“曲牌体”。它所使用的曲牌，据不完全统计，大约有一千种以上，南北曲牌的来源，其中不仅有古代的歌舞音乐，唐宋时代的大曲、词调，宋代的唱赚、诸宫调，还有民歌和少数民族歌曲等。它以南曲为基础，兼用北曲套数，并以“犯调”、“借宫”、“集曲”等手法进行创作。昆曲的伴奏乐器，以曲笛为主，辅以笙、箫、唢呐、三弦、琵琶等（打击乐俱备）。

### 曲牌名目

曲牌是昆曲中最基本的演唱单位。全国共有300多种戏曲曲种，在音乐体系上分为两种：板腔体和曲牌体。绝大多数剧种是板腔体，少数是曲牌体。而昆曲的曲牌体是最严谨的。据民国年间的曲学大师吴梅统计南曲曲牌有4000多个，北曲曲牌有1000多。常用的也仅200多个。最流传的南曲曲牌如《游园》中的【步步娇】，【皂罗袍】，【好姐姐】、《琴挑》中的【懒画眉】，【朝元歌】。这两出戏也是用

来为男女演员打基础的。故昆曲中有女学《游园》，男学《琴挑》的说法。昆曲《玉簪记》

北曲，“端正好”“新水令”“醉花荫”“点绛唇”“粉蝶儿”“斗鹌鹑”“一枝花”“集贤宾”等八套。昆曲中在应用曲牌时构成联套，（又称套数）通过联套的选用、调剂、对比组成一个整本大戏的音乐和文学结构，基本上一出戏是一个套数。

曲牌的音乐结构和文学结构是统一的。由于曲牌是由词发展而来，又称词余，在文字上是长短句式，写作就是填词。一个曲牌有多少字，几句，每个字的平仄声，都有规定。而且重要的词位严格到仄声中应有上（∨），去（\）之别。如不根据平仄声就要形成倒字，很难谱曲和演唱。这也是写作和演唱昆剧难度很高的一个原因。

昆曲演唱的特点是"以字行腔"，腔跟字走、在演唱上也有一定的腔格，不同于其它戏曲可以根据演员个人条件随意发挥，而是有严格的四定：定调、定腔、定板、定谱。

剧目介绍播报编辑

## 剧目介绍

昆曲在长期的演出实践中，积累了大量的上演剧目。其中有影响而又经常演出的剧目如：王世贞的《鸣凤记》，汤显祖的《牡丹亭》《紫钗记》《邯郸记》《南柯记》，沈璟的《义侠记》等。高濂的《玉簪记》，李渔的《风筝误》，朱素臣的《十五贯》，孔尚任的《桃花扇》，洪升的《长生殿》，另外还有一些著名的折子戏，如《游园惊梦》《阳关》《三醉》《秋江》《思凡》《断桥》等。

2009年11月16日至22日，巴黎中国戏曲节在法国巴黎塞纳河畔的蒙浮剧场举行，共有来自福建京剧院的《四郎探母》、河南豫剧团的《清风亭》、江西南昌大学赣剧研究中心的《窦娥冤》、山东吕剧团的《墙头记》、苏州昆剧团的《浮生三梦》、香港京剧团的《牡丹亭》和浙江昆剧团的《公孙子都》等多剧种、多题材的演出剧目参与角逐。最终，浙江昆剧团的《公孙子都》捧得最高奖项“塞纳大奖”。 [23]

《公孙子都》是继《十五贯》以后，浙江昆剧团又一大手笔之作。此剧因荣获2006—2007年度国家舞台艺术精品工程十大精品剧目第一名和文化部第十二届“文华大奖”，而拿到了150万元高额奖金，这是迄今为止浙江对优秀剧目的最高奖励。《公孙子都》是根据明代冯梦龙小说《东周列国志》改编而成的历史故事剧。该剧故事独特，引人入胜，通过对公孙子都不择手段、阴谋杀人直至走向毁灭的心理描绘，揭示了一念之差可成英雄，一念之差将成罪人的人生感悟，并对公孙子都这一人物所具有的人类共有的劣根性——嫉妒进行了展示和批评，具有较强的哲理性、警世性。

其创新主要体现在两个方面：

一、主题思想深刻，开拓了昆曲在正剧上的表现力。昆曲传统剧目中为观众所熟知的多为爱情剧，《公孙子都》则是一部心理戏，讲述了春秋时期郑国讨伐许国一战中，副帅公孙子都争功心切，用暗箭射死主帅颖考叔后终日惊惶、最后身亡的故事。其以传统剧目《伐子都》为底本，跳出古人“善恶相报”的狭义是非观，着意写子都暗箭射人后的惶恐不安——“避过法诛却难避心诛”，以此鞭挞人类共有的心毒——嫉妒。主创人员表示：“虽然故事发生在东周列国时期，但嫉妒是人类的‘原罪’，这是人类永恒的话题，以引起现代观众的共鸣。”昆曲《邯郸梦》

二、表演上恢复昆曲的“武戏”传统，是现代昆曲“阳刚戏”的代表作。昆剧的武戏启蒙了京剧的武戏，但近代后，昆剧格局逐渐缩小变为“小生、小旦、小花脸”的“三小戏”。“《公孙子都》的突出亮点是创编了一部多年来昆剧极为少见的整本武戏。”戏曲评论家刘厚生说。扮演公孙子都的是浙江昆剧团团长、“梅花奖”得主林为林，以长靠、短打武生戏见长，有“江南一条腿”之称。该剧结尾处，穿着厚底靴的公孙子都从高处反跃前扑而下，常引得满堂喝彩。

在中国大陆现有江苏省苏昆剧团（成立于1956年，原名苏州苏昆剧团，2001年改名江苏省苏州昆剧院）、江苏省昆剧院、上海昆剧团、杭州浙江昆剧团、北京北方昆曲剧院、郴州湖南省昆剧团6家昆剧专业艺术团体，以及浙江永嘉昆曲传习所，被称为“六团（院）一所”。（永嘉昆剧团已恢复建制，2015年昆山当代昆剧院成立。现全国共有8所昆曲剧团）

艺术名家播报编辑

## 艺术名家

魏良辅，字尚泉，江西南昌人，流寓于江苏太仓南码头。为嘉靖年间杰出的戏曲音乐家、戏曲革新家，昆曲（南曲）始祖。对昆山腔的艺术发展有突出贡献，被后人奉为“昆曲之祖”、在曲艺界更有“曲圣”之称。昆曲鼻祖魏良辅

（1550—1616），中国明代戏曲家、文学家。字义仍，号海若、若士、清远道人。汉族，江西临川人。在戏曲创作方面，反对拟古和拘泥于格律。作有传奇《牡丹亭》《邯郸记》《南柯记》《紫钗记》，合称《玉茗堂四梦》，以《牡丹亭》最著名。在戏曲史上，和关汉卿、王实甫齐名，在中国乃至世界文学史上都有着重要的地位，被誉为“东方的莎士比亚”。汤显祖

沈自晋(1583～1665)，明末清初的著名戏曲家。字伯明，晚字长康，号西来，双号鞠通。沈自晋出身于吴江沈氏家族，淡泊功名，待人温厚，勤学博览，富有文才。他更有非凡的音乐天赋，终生酷爱，钻研不息，是剧坛江派的健将。著作有《黍离续奏》《越溪新咏》《不殊堂近草》等。

卓越的昆曲艺术家，他具有一定的古文学修养，又精通诗词、书、画，他不但精研昆曲，同时又是一位京剧表演艺术家。因此他能将京、昆表演艺术融于一体，形成儒雅、飘逸、雄厚遒劲的风格，特别是以富有“书卷气”驰誉剧坛。他深受海内外推崇的代表节目有《太白醉写》中的李白；《游园·惊梦》中的柳梦梅；《惊变·埋玉》中的唐明皇；《琴挑》中的潘必正；《八阳》中的建文君；《断桥》中的许仙等，演来无不栩栩如生。

周传瑛，后于昆剧传习所习艺期间，得艺名为传瑛。能戏极多，《长生殿·定情、赐盒、鹊桥、密誓、惊变、埋玉》中唐明皇等各类角色均很拿手；尤在《玉簪记·琴挑、偷诗》中饰演的潘必正，能寓风情于文雅之中，不失书生本色，其身段、台步、水袖功夫之飘逸美妙，堪称独步。建国后，他在《十五贯》中主演改由老生应行的况钟(按昆剧传统分行，此角例由老生扮演)，又吸收、融化了某些巾生的身段动作，表演更为出色。出场后，虽嗓音微带沙哑，但苍劲有力，身段凝重，台步潇洒，成功地塑造了一位为民请命、刚毅正直、机智干练、又具有书卷气的清官形象而饮誉海内外。京剧艺术大师、“麒派”创始人周信芳在主演京剧移植、改编本《十五贯》时，特向传瑛学习了此戏。周传瑛因其精湛的表演艺术和对昆剧事业的重大贡献，得到党和人民给予的荣誉，成为建国后昆剧界的杰出代表人物之一。著有《昆剧生涯六十年》一书，1988年7月上海文艺出版社出版。1986年10月，在纪念昆剧《十五贯》成功演出三十周年之际，又荣获中国昆剧研究会颁发的表彰信与奖励。表彰这位杰出的昆剧表演艺术家“在《十五贯》的成功演出中，在培养中青年优秀演员中，在发扬民族文化优秀传统、振兴昆剧中作出的卓越贡献”。

昆曲旦角，后任教师。原名张凤霞。生于上海。被大家亲切称为“我们的昆曲妈妈”张娴。夫周传瑛，子周世璋。无论苏剧、昆剧均为当家花旦，创造了《长生殿》中的杨贵妃，《西厢记》中的崔莺莺、红娘，《牡丹亭》中杜丽娘等艺术形象。在纪念洪升诞辰150周年的演出中，她把杨贵妃演绎得美艳绝伦，艺惊剧坛。周总理观后称誉：《长生殿》是中国的一出古典华丽的民族大歌剧。上世纪80年代起她先后录制了30余种经典剧目的音像资料。为传承昆曲艺术，张娴辛勤培养了几代演员，如今全国各大昆剧团里所有演杨贵妃的闺门旦都是她的学生。2002年，张娴荣获了文化部、联合国教科文组织共同颁发的“昆曲艺术事业特殊贡献奖”。

文化传承播报编辑

## 文化传承

### 生存

昆曲之入选“人类口头与非物质文化遗产”，在于它是中国古典表演艺术的经典。但“成也萧何，败也萧何”，昆曲的辉煌与落败都与其特性有关。昆曲的兴盛与当时士大夫的生活情趣、艺术趣味是一脉相承的。士大夫的文化修养，为昆曲注入了独特的文化品位，他们的闲适生活和对空灵境界的追求，赋予了昆曲节奏舒缓、意境曼妙的品格，加之士大夫内心深处含有对社会对人生的哀怨、悲凉的感受，使得昆曲在音乐、唱腔上每每显示出惆怅、缠绵的情绪。而到了清乾隆时期，市民阶层崛起，舒缓、惆怅的风格显然与他们格格不入，即使士大夫们也开始务实起来，昆曲在不受市民青睐的同时，也失去了士大夫阶层这一阵地。于是，昆曲便逐渐走向衰落。

到1949年新中国成立以前，全国范围内已没有一个职业昆剧团。20世纪50年代，一出《十五贯》救活一个剧种，全国随之成立了6个昆曲院团。韩世昌、白云生、顾传、朱传茗、周传瑛、俞振飞、侯永奎、北昆著名笛王田瑞亭及其女北方昆曲著名坤伶田菊林等老一辈表演艺术家及解放后培养出的李淑君、蔡正仁、计镇华、张继青、洪雪飞、汪世瑜等一批优秀演员，整理、编演了《牡丹亭》《西厢记》《千里送京娘》《单刀会》《桃花扇》等大量优秀剧目。但在今天，昆曲严格的程式化表演、缓慢的板腔体节奏、过于文雅的唱词、陈旧的故事情节，丧失了时尚性和大部分娱乐功能，离当代人的审美需求相距甚远，因而难以争得观众，演出越来越少，以至在演出市场上难觅其踪，形成了恶性循环。之前，全国大约有800人在从事昆曲工作，号称“八百壮士”，如今只剩下600人了。全国6个昆曲剧院团创作、演出普遍陷入困境，演员培养及艺术创作均无力投入。自田家被迫离开北昆后其独有家传秘本《双占魁》、全本《荷珠配》《白娘子》，就此失传，也是北方昆曲的一巨大损失。

有人主张，昆曲应作为博物馆艺术，只求保存，不用发展，此说遭到昆曲工作者和有识之士的反对，也有悖于联合国教科文组织评选人类口头与非物质文化遗产的初衷――保证这些杰出文化的生存，而不是遏制它们未来的发展。但是，昆曲确实面临着困境：人才的流失，使得胜任昆曲创作的人员寥寥无几；而要革新昆曲，又面临两难的境地――不对昆曲作较大的改变，就无法缩小昆曲与时代的距离；倘若作大的改变，昆曲就失去特性而不称其为昆曲了。

专家认为，昆曲当务之急是抢救现有剧目和文献资料，首先要对全国中老年艺术家的拿手剧目进行录音录像，对珍贵的昆曲文献、演出脚本、曲谱和图片进行搜集整理。昆曲演出可以从老戏中讨生活，剧目应以继承、整理为主，如上海昆剧团近两年排演的《牡丹亭》，将汤显祖原作删减为上中下三本，配以现代化的舞台处理，既保持原作特色，又符合当今审美，收到了很好的市场效果。

文化部计划10年间在北京和上海建立两个昆曲演员培训中心，为全国昆剧院团输送表演人才。昆曲剧院团长们则希望集中全国优秀师资，在中国戏曲学院等院举办昆曲演员、编剧、导演、作曲和管理人员研修班。

### 非遗文化

入选时间：2001年5月18日，联合国教科文组织在巴黎宣布第一批“人类口头和非物质遗产代表作”（以下简称“代表作”）名单。 [13]

入选原因：发源于江苏太仓南码头至今已有600多年历史的昆曲被称为“百戏之祖，百戏之师”，许多地方剧种，像晋剧、蒲剧、上党戏、湘剧、川剧、赣剧、桂剧、邕剧、越剧和广东粤剧、闽剧、婺剧、滇剧等等，都受到过昆剧艺术多方面的哺育和滋养。

1. 昆曲有极高的技巧

戏曲的表现手段为唱、念、做、打（舞）之综合。这四个方面及其综合在昆曲中要求最高。昆曲演员必须在这几个方面兼备。舞台呈现亦最为完美与出色。其他剧种演员为提高技艺都要学昆曲。如京剧演员梅兰芳即有深厚的昆曲功底并能演昆曲。河北梆子演员裴艳玲之代表作《林冲夜奔》即以昆曲形式演出。

2. 昆曲是“活化石”

中国戏曲自形成以来一直在舞台上流传，随着时代的变化，从剧本到声腔、表演不断变革，昆曲则变化较少，对戏曲传统特点保留较多，剧目又极为丰富，被称为“活化石”。

3. 昆曲属“濒危物种”

在18世纪的后期，地方戏兴起，昆曲由于过于文雅和繁难，便呈衰落趋势。1949年前，在全国范围内除“国风新型苏剧团”及“半付昆班”竭力延续昆曲艺术生命之外，已没有一个职业性表演团体，老艺人有的回家务农，有的摆摊糊口。

### 昆曲艺术节

中国昆剧艺术节创办于2000年，由中华人民共和国文化部、江苏省人民政府、苏州市人民政府主办，文化部振兴昆剧指导委员会、江苏省文化厅、苏州市文化局、昆山市人民政府承办，中国昆剧研究会以及有关资助单位协办。中国昆剧艺术节以保存和发展昆剧艺术，增进世界各国昆剧爱好者的沟通为宗旨。

除对参赛的剧目进行评选外，还举办了各种展览、祝贺演出、研讨会、艺术家签名售书及群众联谊等活动。政府还特别为艺术节印制了明信片、首日封等纪念品。首届中国昆剧艺术节于2000年3月31日至4月6日在江苏省昆山市和苏州市举办。第二届中国昆剧艺术节于2003年11月在苏州市举办。

地方昆曲播报编辑

## 地方昆曲

### 福建昆曲

明万历年间（1573～1619年）前已传入福建。至今所发现最早记载昆山腔传入福建的时间是明万历二年（1574年）。杨四知任福建巡按监察御史时，在《兴礼教正风俗议》中写道：“闻之闽歌，有以乡音歌者，有学正音歌者。”这里的“正音”即指昆山腔。万历年间，福州人邓原岳在《西楼集》卷十《闽中元夕曲》中，有一首诗描绘福州元宵节闹市演唱昆剧的情景：“今宵雨霁动新凉，短拍长歌夜未央；学得昆山齐按拍，还珠门外月如霜。”诗中的“还珠门”，即今福州鼓楼前。又据明代钱谦益《列朝诗集小传》丁集卷六记载，万历三十一年（1603年），中秋节，官吏、文人会集福州城内乌石山凌霄台，邀集“梨园数部，观者如堵。”著名剧作家屠隆恰好旅次福州，应邀参加盛会，席间兴致之际，隆幅巾白衲，奋袖作《渔阳掺》，鼓声一作，广场无人，山云怒飞，海水起立。林茂之年少下坐，隆起，执其手曰：“子当为挝鼓，歌赠屠生。快哉，此夕千古矣！”同时，大量昆剧剧本如《昆池新调八能奏锦》、《南北时尚昆弋雅调》等选集，在闽北建阳县麻沙书坊出版，发行各地。 [14]昆曲《红楼梦》剧照

昆剧除在福州公开演出外，不少官宦人家还自蓄家班。万历二十九年（1601年），进士、曾任江苏嘉定县令的陈一元，平时酷爱昆剧，因与当朝宰相不和，引疾返乡。他在福州衣锦坊蓄有“一部歌童”，经常演出昆剧以自娱，自己也参演“大花”角色，因而有“陈大花”的外号，其居处俗称“陈大花宅”（见清郭柏苍《全闽明诗传》卷三十七《万历朝八》）。另据明何良俊《四友斋丛说》卷十三《史九》记载，闽县（今福州）人林庭昂，任太守时，“公余多暇日，好客喜燕乐，每日有戏子一班，在门上伺候呈应，虽无客亦然。长、吴二县，轮日给工食银五钱，戏子既乐于祗候，百姓亦不告病。”

昆剧在福建广泛流传，对福建地方剧种或多或少、或直接或间接发生过某些影响。明末曹学佺创始的儒林戏，其主要的声腔“逗腔”中，就包含有昆山腔的成份。如逗腔的代表性剧目《紫玉钗》，主要曲牌是“十三腔”。过去闽剧艺人多系文盲半文盲，口传心授，以音传音，结果以讹传讹，把“十三腔”念成（甚或写成）“习山腔”。据民国29年（1940年）6月福州出版的《抗敌戏剧》第二卷第十期，著名戏剧理论家董每戡在《唱戏的》一文中说：“闽剧《新茶花》中，‘盗国救国’一折所唱的[自叹]曲，听者仅感其音调悲凉、凄惨，而不知系采自什么调子。这调子实采取昆曲《劫宝投江》的昆曲十三腔。”

所谓“十三腔”就是[桐城]、[苏落]、[双叠翠]、[玉娥郎]、[四不象]、[桂枝儿]、[耍孩儿]、[青江引]、[三句半]、[银柳丝]、[古儿天]、[六娘子]等十三种腔调合成（“双叠翠”作为两腔）。此外，在梨园戏传统剧目《郑元和》（又名《李亚仙》）剧中[鹅毛雪]一曲，标明是“昆曲”。流行于福清、平潭等地的词明戏，其中“水调”主要来自昆曲。屏南的四平戏与南平的南词戏也都搬演过昆剧的剧目。

昆曲在民间还以坐唱形式出现。清乾隆三十五年（1770年），建瓯县成立“斋雅林曲社”，学唱昆腔，俗称“唱大曲”。

清光绪十六年（1890年），一位姓海的东山盐场管理员倡立“枕云天昆曲馆”，随后举人马兆麟、马征祥父子均参加活动。民国10年（1921年），建瓯县曹梅亭、彭风人等组织“昆曲场”。同年，东山县昆曲爱好者林彭川在上海经商时，购得一套《六日曲谱》，回东山后，创办“东山国乐研究会”与“昆曲传习所”等组织。随后，东山县又成立“洞天和昆曲馆”，人数达70多人。至抗日战争爆发前夕，东山昆曲达到全盛时期。抗日战争期间，东山昆曲组织随之解散。

中华人民共和国成立后，东山昆曲得到恢复。1957年，由清唱形式发展到登台表演，演出《白蛇传》《醉打山门》等传统节目。“文化大革命”期间，珍贵的《六日曲谱》手抄演出本遭焚毁。

粉碎江青反革命集团后，第七代传人黄匡国与孙初叶积极挖掘昆曲遗产，至1994年，共搜集、整理出12个剧目、47支曲牌。其中《白蛇传》13支、《卸甲封王》4支、《富贵长春》1支、《醉打山门》3支、《伏虎》4支、《思凡》5支、《长生殿》3支、《西厢记》5支、《赏荷》1支等。

### 浙江昆曲

昆曲，俗称“草昆”、“金昆”，是昆腔流传在金华一带的支派。因长期流动演出于农村的草台和庙会，以农民为主要观众对象，故语言较通俗，追求情节曲折，唱腔也不拘泥于四声格腔，以演武戏、做工戏、大戏为主。在明代之后，一直被视为婺剧诸声腔中的正宗。实际上是昆曲在衢州（今衢县一带）、金华的一个支流，在语言、曲调上均结合当地习惯予以简化或改变，故称“草昆”。现其剧目已较少演出，部分曲调则为乱弹声腔所吸收，如乱弹曲调中含有[昆头][小桃红][新水令][下山虎]等片断。 [15]

传承保护播报编辑

## 传承保护

2019年11月，《国家级非物质文化遗产代表性项目保护单位名单》公布，北方昆曲剧院、湖南省昆剧团、江苏省演艺集团有限公司、上海昆剧团、永嘉昆剧团（浙江永嘉昆曲传习所）、中国艺术研究院获得“昆曲”项目保护单位资格。 [16]

2022年9月，因机构改革，保护单位更名为永嘉昆剧团（永嘉昆曲传习所）。 [21]

2023年10月31日，《国家级非物质文化遗产代表性项目保护单位名单》公布，该项目保护单位北方昆曲剧院、湖南省昆剧团、江苏省演艺集团有限公司、上海昆剧团、永嘉昆剧团（浙江永嘉昆曲传习所）、中国艺术研究院评估合格。 [22]

所获荣誉播报编辑

## 所获荣誉

2001年，昆曲入选联合国首批“人类口头非物质遗产代表作”。 [20]

![Kunqu Opera](/static/img/articles/kunqu-opera/kunqu-opera-illustration-01.jpg)


Embroidery

Summary: Embroidery is a traditional Chinese handicraft with over 2,000 years of history, featuring various techniques and regional styles.

# Embroidery

## Overview
Embroidery, known as "刺绣" (cì xiù) in Chinese, is a traditional handicraft that involves creating decorative patterns on textiles using needles and colored threads. This ancient art form, which dates back over 2,000 years in China, has evolved into a sophisticated craft with numerous regional styles and techniques. Embroidery serves both practical and aesthetic purposes, adorning everything from clothing and household items to artistic works of high cultural value.

## History
Embroidery in China has a rich and storied history, with archaeological evidence suggesting its existence as early as the Neolithic period. According to historical records, the "章服制度" (zhangfu zhidu) of the Xia Dynasty (c. 2070-1600 BCE) already prescribed "衣画而裳绣" (clothes painted and skirts embroidered). By the Zhou Dynasty (1046-256 BCE), embroidery had become specialized enough to have dedicated officials overseeing its production.

The earliest surviving embroidered artifacts discovered in China date from the Warring States period (475-221 BCE). Excavated from tombs in Changsha, Hunan, these pieces showcase advanced techniques with patterns of dragons, phoenixes, and tigers, executed using the "辫子股针法" (bianzigu zhenfa), or lock stitch technique.

During the Han Dynasty (206 BCE-220 CE), embroidery flourished alongside the development of silk production. The Mawangdui tomb in Changsha yielded numerous exquisite embroidered items demonstrating sophisticated craftsmanship and diverse patterns. The Tang Dynasty (618-907 CE) saw further refinement, with embroidery increasingly used for religious purposes, particularly in creating Buddhist sutras and images.

The Song Dynasty (960-1279 CE) marked a golden age for embroidery, with the establishment of specialized embroidery workshops and the emergence of "绣画" (xiuhua), or embroidered paintings that emulated famous artworks. This period saw the development of numerous needle techniques and a focus on achieving lifelike representations.

## Key Information

| Aspect | Details |
|--------|---------|
| Chinese Name | 刺绣 (cì xiù) |
| Alternative Names | 针绣 (zhēn xiù) |
| Origin | China (over 2,000 years ago) |
| Major Regional Styles | Su embroidery (苏绣), Xiang embroidery (湘绣), Yue embroidery (粤绣), Shu embroidery (蜀绣) |
| Key Techniques | Lock stitch, flat stitch, seed stitch, gold thread embroidery |
| Cultural Significance | Important part of "女红" (nǔ hóng), traditional women's needlework |
| UNESCO Status | Various regional embroidery styles recognized as intangible cultural heritage |

## Cultural Significance
Embroidery holds deep cultural significance in Chinese tradition and is considered an essential part of "女红" (nǔ hóng), the traditional domain of women's needlework skills. Beyond its practical applications, embroidery has long been valued for its artistic expression and cultural symbolism.

Different embroidered motifs carry specific meanings: dragons symbolize imperial power and good fortune, phoenixes represent virtue and grace, and lotus flowers signify purity and enlightenment. These symbolic elements are often combined in complex compositions that reflect Chinese philosophical and aesthetic values.

The art of embroidery also reflects social hierarchies and cultural exchange. Historically, imperial workshops produced the finest embroidered works for the court, while regional styles developed distinct characteristics influenced by local culture, materials, and preferences.

## Modern Status
Today, Chinese embroidery continues to thrive both as a traditional art form and a contemporary creative medium. The "四大名绣" (Sì Dà Míng Xiù), or Four Great Embroideries—Su (Suzhou), Xiang (Hunan), Yue (Guangdong), and Shu (Sichuan)—are particularly renowned for their distinctive styles and techniques.

In recent decades, embroidery has gained recognition as an important element of China's intangible cultural heritage. Various regional embroidery styles have been protected and promoted through government initiatives, educational programs, and cultural exhibitions. Notable artists like Shen Shou (沈寿, 1874-1921) have contributed to the evolution of embroidery by incorporating Western artistic techniques while maintaining traditional craftsmanship.

The contemporary embroidery scene embraces innovation while preserving traditional methods. Artists experiment with new materials, techniques, and subject matters, creating works that resonate with modern sensibilities while honoring historical roots. Embroidery has also found new applications in fashion design, interior decoration, and contemporary art.

## References

1. James, C. Y. (2016). *Chinese Embroidery: Traditional Techniques*. Thames & Hudson.

2. Gittinger, M. (1972). *Masterpieces of Chinese Embroidery from the People's Republic of China*. Textile Museum.

3. Laing, E. (2013). *Chinese Silk: A Cultural History*. Oxford University Press.

4. Zhao, F. (2008). *The History of Chinese Embroidery*. National Museum of China Publishing House.

5. Wang, X. (2015). *Traditional Chinese Embroidery Techniques and Patterns*. Beijing: Tsinghua University Press.

![Embroidery](/static/img/articles/embroidery/embroidery-illustration-01.jpg)


刺绣

文化传统播报编辑

## 文化传统

刺绣，古代称之为针绣，是用绣针引彩线，将设计的花纹在纺织品上刺绣运针，以绣迹构成花纹图案的一种工艺。古代称“黹”、“针黹”。因刺绣多为妇女所作，故属于“女红”的一个重要部分。刺绣是中国古老的手工技艺之一，中国的手工刺绣工艺，已经有2000多年历史了。

据《尚书》载，远在4000多年前的章服制度，就规定“衣画而裳绣”。至周代，有“绣缋共职”的记载。湖北和湖南出土的战国、两汉的绣品，水平都很高。唐宋刺绣施针匀细，设色丰富，盛行用刺绣作书画，饰件等。明清时封建王朝的宫廷绣工规模很大，民间刺绣也得到进一步发展，先后产了苏绣、粤绣、陇绣、湘绣、蜀绣，号称“五大名绣”。此外还有顾绣，京绣、瓯绣、鲁绣、闽绣、汴绣、汉绣、麻绣和苗绣等，

都各具风格，沿传迄今，历久不衰。刺绣的针法有：齐针、套针、扎针、长短针、打子针、平金、戳纱等几十种，丰富多彩，各有特色。

刺绣按照材料又可分为丝绣、羽毛绣和发绣。绣品的用途包括：生活服装，歌舞或戏曲服饰，台布、枕套、靠垫等生活日用品及屏风、壁挂等陈设品。明代刺绣中最著名的是顾绣。

刺绣在渭南世代相传，遍及全市。花色品种达上百个。主要有枕、童帽、裹肚、门帘、鞋垫、床围、针线包、荷包、动物玩具等，其内容多为花鸟虫鱼和风俗画面，潼关一带的妇女，将象征富贵的牡丹和素雅的荷花绣于布马镫两端，做工精巧，十分耐看，人称“东府刺绣一绝”。随着时代的变化，乡品内容有所更新。同时一些传统绣品已进入外贸市场。刺绣艺术

百鸟裙，唐中宗安乐公主拥有两件百鸟裙，都是旷世珍品。就是用天然羽毛做成的衣服。羽毛绣不但能绣出山水花鸟，还能绣出各种日用品抱枕、羽毛绣地毯、羽毛绣服装。

历史源流播报编辑

## 历史源流

刺绣起源很早。黼黻絺绣之文，见于尚书。虞舜之时，已有刺绣。东周已设官专司其职，至汉已有宫廷刺绣。三国吴孙权使赵夫人绣山川地势军阵图，唐永贞元年（公元805年）卢眉娘以法华经七卷，绣于尺绢之上，因刺绣闻名，见于前者著录。自汉以来，刺绣逐渐成为闺中绝艺，有名刺绣家在美术史上也占了一席之地。

对凤对龙纹绣浅绢面衾在原始社会，人们用纹身、纹面来进行装饰。自从有了麻布、毛纺织品、丝织品，有了衣服，人们就开始在衣服上刺绣图腾等各式纹样。据《尚书》记载，早在四千多年前的章服制度就规定“衣画而裳绣”。在先秦文献中有用朱砂涂染丝线，在素白的衣服上刺绣朱红的花纹的记载及所谓“素衣朱绣”、“衮衣绣裳”、“黻衣绣裳”之说。在当时既有绣画并用，也有先绣纹形后填彩做法。

这些绣品在图案的结构上非常严谨，有明确的几何布局，大量运用了花草纹、鸟纹、龙纹、兽纹，并且浪漫地将动植物形象结合在一起，手法上写实与抽象并用，穿插蟠叠，刺绣形象细长清晰，留白较多，体现了春秋战国时期刺绣纹样的重要特征。

目前传世最早的刺绣，为战国时期湖南长沙楚墓中出土的两件绣品。观其针法，完全用辫子股针法（即锁绣）绣成于帛和罗上，针脚整齐，配色清雅，线条流畅，将图案龙游凤舞，猛虎瑞兽，表现得自然生动，活泼有力，充分显示出楚国刺绣艺术之成就。汉代绣品，在敦煌千佛洞、河北五鹿充墓、内蒙古北部地方、新疆的吐鲁番阿斯塔那北古墓中皆有出土，尤其1972年在长沙马王堆出土的大批种类繁多而完整的绣品，更有助于了解汉代刺绣风格。从这些绣品看，汉绣图案主题，多为波状之云纹，翱翔之凤鸟、奔驰之神兽，以及汉镜纹饰中常见之带状花纹、几何图案等。刺绣新采用的底本质材，则为当时流行的织品，如织成“延年益寿大宜子孙”、“长乐光明”等吉祥文字之丝绸锦绢。其技法以锁绣为主，将图案填满，构图紧密，针法整齐，线条极为流畅。

刺绣佛像供养人东晋到北朝的丝织物，出土于甘肃敦煌以及新疆和田、巴楚、吐鲁番等地，所见残片绣品无论图案或留白，整幅都用细密的锁绣全部绣出，成为满地施绣的特色。传世及出土的唐代刺绣，与唐代宗教艺术有着密切的关系，其中有不少唐绣佛像，如大英博物馆藏有东方敦煌千佛洞发现之绣帐灵鹫山释迦说经图，日本奈良国立博物馆所藏释迦说法图等，都与当对佛敦隆盛的信仰，有直接关联。此时刺绣技法仍沿袭汉代锁绣，但针法已开始转变运用平绣为主，并采用多种不同针法，多种色线。所用绣底质料亦不限于锦帛和平绢。刺绣所用图案，与绘画有密切关系，唐代绘画除了佛像人物，山水花鸟也渐兴盛。因此佛像人物，山水楼阁，花卉禽鸟，也成为刺绣图样，构图活泼，设色明亮。使用微细平绣之绣法，以各种色线和针法之运用，替代颜料描写之绘画形成一门特殊的艺术，也是唐绣独特的风格。至于运用金银线盘绕图案的轮廓，加强实物之立体感，更可视为唐代刺绣的一项创新。

唐以前之绣品，多为实用及装饰之用，刺绣内容与生活上的需要和风俗有关。宋代刺绣之作，除为实用品外，尤致力于绣画。自晋唐以来，文人士大夫嗜爱书法并及于绘画，书画乃当时最高的艺术表现，至宋更及于丝绣，书画风格直接影响到刺绣之作风。历代迄清各时代之绣画与绘画应有不可分离之关系。

宋代刺绣之发达，由于当时朝廷奖励提倡之故。为使作品达到书画之传神意境，绣前需先有计划，绣时需度其形势，乃趋于精巧。构图必须简单化，纹样的取舍留白非常重要，与唐代无论有无图案之满地施绣截然不同，明代董其昌《筠清轩秘录》载：“宋人之绣，针线细密，用绒止一二丝，用针如发细者，为之设色精妙光彩射目。山水分远近之趣，楼阁待深邃之体，人物具瞻眺生动之情，花鸟极绰约谗唼之态。佳者较画更胜，望之三趣悉备，十指春风，盖至此乎。”此段描述，大致说明了宋绣之特色。

元代绣品传世极少，台湾雇故宫博物院仅有一幅作品，由作品观之，仍承继宋代遗风。元人用绒稍粗，落针不密，不如宋绣之精工。元代统治者信奉喇嘛教，刺绣除了作一般的服饰点缀外，更多的则带有浓厚的宗教色彩，被用于制作佛像，经卷，幡幢，僧帽，以西藏布达拉宫保存的元代《刺绣密集金刚像》为其代表，具有强烈的装饰风格。山东元代李裕庵墓出土的刺绣，除各种针法外，还发现了贴绫的作法。它是在一条裙带上绣出梅花，花瓣是采用加贴绸料并加以缀绣的做法，富有立体感。

明代刺绣始于嘉靖年间上海顾氏露香园，以绣传家，名媛辈出。至顾名世次孙顾寿潜及其妻韩希孟，深通六法，远绍唐宋发绣之真传。摹绣古今名人书画，劈丝配色，别有秘传，故能点染成文，所绣山水人物花鸟，无不精妙，世称露香园顾氏绣，盖所谓画绣也。此即传世闻名之顾绣。

顾绣针法，最主要继承了宋代最完备之已成绣法，更加以变化而运用之，可谓集针法之大成。用线主要仍多数用平线，有时亦用捻线，丝细如发，针脚平整，而所用色线种类之多，则非宋绣所能比拟。同时又使用中间色线，借色与补色，绣绘并用，力求逼真原稿。又视图案所需，可以随意取材，不拘成法，真草、暹罗斗鸡尾毛，薄金、头发均可入绣别创新意，尤其利用发绣完成绘画之制作，于世界染织史上从未一见，即此可知顾绣有极其巧妙精微之刺绣技术。

清代刺绣，多为宫廷御用的刺绣品，大部分均由宫中造办处如意馆的画人绘制花样，经批核后再发送江南织造管辖的三个织绣作坊，照样绣制，绣品极工整精美。除了御用的宫廷刺绣，同时在民间先后出现了许多地方绣，著名的有鲁绣、粤绣、湘绣等、京绣、苏绣、蜀绣等，各具地方特色。苏、蜀、粤、湘四种地方绣，后又称为“四大名绣”，其中苏绣最负盛名。苏绣全盛时期，流派繁衍，名手竞秀，刺绣运用普及于日常生活，造成刺绣针法的多种变化，绣工更为精细，绣线配色更具巧思。所作图案多为喜庆、长寿、吉祥之意，尤其花鸟绣品，深受人们喜爱，享盛名的刺绣大家相继而出，如丁佩、沈寿等。

清末民初，西学东渐，苏绣出现了创新作品。光绪年间，余觉之妻沈云芝绣技精湛，闻名苏州绣坛。沈氏30岁时，逢慈禧太后70寿辰，沈氏绣了“八仙庆寿”的八帧作品祝寿，获赐赠“福”“寿”两字，因而改名沈寿。沈绣以新意运旧法，显光弄色，参用写实，将西画肖神仿真的特点表现于刺绣之中，新创“仿真绣”，或称“艺术绣”，针法多变，富立体感。

清代福禄寿（高260cm 宽110cm）刺绣保存难度较大，正因如此，古代刺绣的价值远超过其它收藏品。清代刺绣保存至今的大多数颜色脱落，变色，或者已经开始腐烂，现存的保存较好的刺绣为甘肃民间藏品《福禄寿》，市面上常见的清代刺绣大部分变色，绣工较粗，构图简单，但是《福禄寿》（长260cm、宽110cm）至今保存完好，颜色鲜艳，绣工精细，人物栩栩如生，属名家绣品，此藏品曾用于民国总统府过节或寿辰时的中堂。此类绣品极其少见，市场上仅此一件，其价值远超过千万，除了有较高收藏价值，还有很深的文化底蕴，是珍贵的非物质文化遗产。

近代刺绣艺术家沈寿，不但绣艺高超，还分类整理历代刺绣针法，继承顾绣、苏绣传统技艺，并引用西方素描、油画、摄影的表现方法，创造散针、旋针、以表现物体的明暗虚实。她绣制的意大利帝王肖像，在意大利都朗世界博览会中国工艺美术会展出，获世界荣誉最高级之卓越奖。

1911年，沈寿在天津开设自立女工传习所，传授绣艺，组办女子师范学校传习所，培养专业人才，晚年病中写成《雪宧绣谱》，总结中国自唐宋画绣、明代顾绣以及她的美术绣所刺绣针法，为中国刺绣艺术作出了卓越贡献。

刺绣刺绣刺绣(图2)刺绣随着苏绣的发达与创新，延至今日，又形成许多新的刺绣，如乱针绣、束绣、双面绣、双面异色绣、精微绣、彩锦绣等。刺绣最早多为实用，及至宋元广及书画之制作，渐乃成为艺术珍赏之用。故宫所藏之刺绣，多属此类。时代最早者为五代，而用品最多者为清代。经历代的创新发展，各具特色，皆有高度的成就。台湾故宫博物院藏品几乎皆为精品，绣工匀整，针线细密，设色精妙，深得书法精髓，且均裱装成册轴卷，使观赏者往往误以为书画，欣赏珍藏艺术价值极高。

1958年，在中国长沙楚墓中出土了龙凤图案的刺绣品，这是二千多年前中国古代战国时期的刺绣品，是现在已经发现的中国最早的刺绣实物之一。到了汉代，刺绣品的应用更加广泛，出土的实物也较多。

明代刺绣已成为一种极具表现力的艺术品，先后产生号称“四大名绣”的苏绣、粤绣、湘绣、蜀绣。上海的露香园顾绣，就是当时最出名的刺绣。顾氏家族世袭相传，善于刺绣的声誉名扬大江南北，并得到朝廷的赏识。到了清代顾绣不仅震海内，而且蜚声海外，吸引了不少国外商人来上海，大量订购顾派刺绣品，一时顾绣成为刺绣的通称了。

中国古代的刺绣，很长一段时间内在国际艺术品市场上不走俏，价格平平。直至1993年起在香港、新加坡等地，才开始有人专门收集。据市场分析家推论，要使刺绣品成为国际市场上的新宠儿，还需收藏家们10年时间的努力。近两年国内的一些艺术品拍卖会上，刺绣拍品，价格竞现高攀，非常吸引买家竞争。

刺绣在国外也享有很高的声誉。在外国人眼里，刺绣是中国文化艺术的代表之一。

2006年，扬州刺绣技艺被省政府批准为首批省级非物质文化遗产项目保护名录。

工艺要求播报编辑

## 工艺要求

刺绣的工艺要求是：顺，齐，平，匀，洁。顺是指直线挺直，曲线圆顺；齐是指针迹整齐，边缘无参差现象；平是指手势准确，绣面平服，丝缕不歪斜；匀是指针距一致，不露底，不重叠；洁是指绣面光洁，无墨迹等污渍。

历代播报编辑

## 历代

### 战国

中国刺绣起源很早，相传“舜令禹刺五彩绣”，夏、商、周三代和秦汉时期得到发展，从早期出土的纺织品中，常可见到刺绣品，早期的刺绣遗物显示：周代尚属简单粗糙；战国渐趋工致精美，这时期的刺绣用的都是辫子绣针法，也称辫子绣，锁绣。湖北江陵马山硅厂一号战国楚墓出土的绣品，有对凤、对龙纹绣、飞凤纹绣、龙凤虎纹绣禅衣等，都是用辫子股施绣而成，并且不加画填彩，这标志此时的刺绣工艺已发展到相当成熟阶段。

### 汉代

汉代，刺绣开始展露艺术之美。因为经济繁荣，百业兴盛，丝织造业尤称发达；又当社会富豪崛起，形成新消费阶层，刺绣供需应运而兴，不仅已成民间崇尚广用的服饰，手工刺绣制作也迈向专业化，尤其技艺突飞猛进。从出土实物看，绣工精巧，图案多样，呈现繁美缛丽的景象，堪称为这项民族工艺奠定优秀的传统。

汉代王充《论衡》记有“齐郡世刺绣，恒女无不能”，足以说明当时刺绣技艺和生产的普及。因为刺绣工艺的成熟，汉代已经在无形中开始区分使用刺绣的人群等级和种类，刺绣虽然是在劳动中由劳动人民创作产生，但是绝大部分的劳动人民是享用不起高档丝织刺绣品的。普通的劳动人民只能在生活中用简单的刺绣工艺来点缀服饰鞋帽等实用品。

最具代表性的是湖南长沙马王堆汉墓出土的刺绣残片，它们虽已在地下埋藏了几千年，但出土时仍然精美绝伦，配色、针工都运用得恰到好处。汉代的刺绣工艺在山东一带也很发达，并早已成为民间妇女的普遍劳动。而四川成都的蜀绣在汉代也很精美。由此可见刺绣工艺在汉代就已经很普及了。

### 唐代

唐代刺绣应用很广，针法也有新的发展。刺绣一般用作服饰用品的装饰，做工精巧，色彩华美，在唐代的文献和诗文中都有所反映。如李白诗“翡翠黄金缕，绣成歌舞衣”、白居易诗“红楼富家女，金缕刺罗襦”等，都是对于刺绣的咏颂。唐代的刺绣除了作为服饰用品外，还用于绣作佛经和佛像，为宗教服务。唐代刺绣的针法，除了运用战国以来传统的辫绣外，还采用了平绣、打点绣、纭裥绣等多种针法。纭裥绣又称退晕绣，即现代所称的戗针绣。它可以表现出具有深浅变化的不同的色阶，使描写的对象色彩富丽堂皇，具有浓厚的装饰效果。

### 宋代

刺绣工艺发展到唐宋时期已有数十种针法，其风格也逐渐形成了各个地域的不同特色。刺绣已不单单是绣在服饰上，而是从服饰上的花花草草发展到了纯欣赏性的刺绣画、刺绣佛经、刺绣佛像等等。据传武则天时，曾下令绣佛像四百余幅，赠予寺院及邻国，由此可见唐代绣佛像已非常盛行。

宋代是中国手工刺绣发达臻至高峰的时期，无论产品质量均属空前，特别是在开创纯审美的艺术绣方面，更堪称绝后。宋代手工刺绣之发达，由于当时朝廷奖励提倡之故。据《宋史·职官志》载，宫中文绣院掌纂绣。徽宗年间又设绣画专科，使绣画分类为山水、楼阁，人物、花鸟，因而名绣工相继辈出，使绘画发展至最高境界，并由实用进而为艺术欣赏，将书画带入手工刺绣之中，形成独特之观赏性绣作。

朝廷的提倡，使原有的手工刺绣工艺显著有了几个方面的提高：1、“平针绣”法富变化，钻研发明出许多新针法；2、改良工具和材料，使用精制钢针和发细丝线；3、结合书画艺术，以名人作品为题材，追求绘画趣致和境界。

### 元代

元代刺绣的观赏性制作虽远不及宋代，但也继承了宋代写实的绣理风格。入主中原的元人，在全国各地广设绣局和罗局，刺绣的审美和功用，越趋于美术化。佛教题材的出现，始自隋唐，主要图案是宝相花。宋绣独尚名人书画，偶有佛像绣品。元世祖忽必烈为了否定儒家的首一地位，崇推出藏传佛教，中原拜佛信教之风复兴。

然而，各地绣局仍沿着宋人路子，刺绣名人书画或花卉写生，且工不如宋人。《清秘藏》中则道：“元人用线稍粗，落针不密，间用墨描眉目，不复宋人精工矣！”

### 明代

明代是中国手工艺极度发达的时代，承继宋代优良基础的刺绣，顺应时代热烈风气，继续蓬勃昌盛，而且更上层楼。

明代刺绣工艺也表现了多项特色：

一是用途方面，广用流行社会各阶层，制作无所不有，与后来的清代，成为中国历史上刺绣流行风气最盛的时期；

二是绣艺方面，一般实用绣作，品质普遍提高，材料改进精良，技巧娴熟洗练，而且趋向迥异宋代的繁缛华丽的风尚；艺术绣作，承袭宋绣优秀传统下，能够推陈出新有新发明，特别是明代已经出现以刺绣专业的鸣世家族和个人如有名的“露香园”绣，为上海顾家所创，发明绘画刺绣结合的“绣画”作品风靡至清不歇；这种刺绣家纷然崛起广受社会推崇的风气，也以明末清初最盛。

三是衍生其它绣类方面，刺绣原本仅以丝线为材料，明代开始有人尝试利用别的素材，于是有透绣、发绣、纸绣、贴绒绣、戳纱绣、平金绣等出现，大大扩张了刺绣艺术的范畴。

明代刺绣以洒线绣最为新颖突出。洒线绣用双股捻线计数，按方孔纱的纱孔绣制，以几何纹为主，或配以铺绒主花。洒线绣是纳线的前身，属北方绣种，以定陵出土明孝靖皇后洒线绣蹙金龙百子戏女夹衣为例，它用三股线、绒线、捻线、包梗线、孔雀羽线、花夹线6种线、12种针法制成，是明代刺绣的精品。属北方绣系的还有山东鲁绣、衣线绣和辑线绣。

### 清代

清 雪青缎地彩绣百鸟朝凤紧身料(前身)清代初中时期，国家繁荣，百姓生活安定，刺绣工艺得到了进一步地发展和提高，所绣物像变化较大，富于很高的写实性和装饰效果；又由于它用色和谐和喜用金针及垫绣技法，故使绣品纹饰具有题材广泛、造型生动、形象传神、独具异彩、秀丽典雅、沉稳庄重的艺术效果。折射出设计者及使用者的巧思和品味，体现了清代刺绣所具有的丰富内涵和艺术价值。

清代刺绣，另有两点值得视为突出成就：

一是地方性绣派如雨后春笋般兴起，著名的除有“四大名绣”苏绣、粤绣、蜀绣、湘绣，还有京绣、鲁绣等，各自树立自我特色，形成争奇斗妍的局面。

二是晚清吸收日本绘画长处，甚至融和西洋绘画观点入绣，江苏苏州沈寿首创的“仿真绣”，为传统刺绣注入新血和新面目。

### 民国

民国刺绣，存世量极少，因晚清政府腐败带来的国家百姓生活困苦还未得到改善，随即又面临国民新政府的上台，新政府政治上缺乏收拾烂摊子的能力，空虚的国库更是没有能力迅速的带领百姓从困苦的边缘解脱。庞大国家的经过这么多年的国外列强欺凌和内部军阀的混战，再加上国民政府的四大家族疯狂敛财，百姓的生活确实的处于水深火热之中，艺人们也都在颠沛流离中疲于解决生存问题，根本无暇顾及业余的生活和艺术创作的追求。因此，民国刺绣的发展几乎停顿，流传至今所见绣品基本与日常生活息息相关，从艺术和观赏角度出发的刺绣艺术精品非常罕见，而作为刺绣收藏的作品更是难得。

### 文革

解放后，人民生活刚刚稳定，物质和精神的追求仅仅满足在最底的需求上，国家的发展趋势以及国际的局势都不容乐观。时代精神与社会局势，部分解决了温饱地区的人民群众没有迫切的建设和发展的需求，文化艺术创作成了业余生活的主要目标，大量的优秀刺绣作品应运而生，刺绣针法的运用与实践上也得到大幅度的提高，在刺绣技术的革新与成熟度又提高到了有史以来又一个新的层面上。

虽然，解放初期的手工刺绣工艺到达一个新的历史高点，但是，由于国家局势与各种条件的限制，所有绣品的题材选择基本带有鲜明的时代特色，作品题材局限于描写国家的建设、政治人物或者突出解放初期人民群众政治生活与政治精神面貌的作品。

自1966年到1976年，刺绣又遭遇了十年文革运动，全国的经济建设停止，刺绣行业也无例外地停止了前进的步伐，创新以及创作几乎为零，其间少有新做问世，也还是与政治有关。

解放初期至文革结束，为刺绣的又一个历史时期。这些少量存世的题材单一、技艺优秀的绣品，随着时间的迁移，应该可以作为刺绣收藏的一个热点，相信有着大幅度的价值提升空间，有刺绣收藏爱好的投资者机会适当可多加关注。

四大名绣播报编辑

## 四大名绣

四大名绣，指的是中国汉族刺绣中的苏绣、湘绣、粤绣、蜀绣。刺绣，古称针绣，是用绣针引彩线，按设计的花纹在纺织品上刺绣运针，以绣迹构成花纹图案的一种工艺。刺绣作为一个地域广泛的手工艺品，各个国家、各个民族通过长期的积累和发展，都有其自身的特长和优势。除了汉族四大名绣，在中国还有京绣、鲁绣、汴绣、瓯绣、杭绣、汉绣、闽绣等地方名绣，而中国的少数民族如维

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Porcelain

## Overview

Porcelain is a ceramic material made by heating raw materials, generally including clay in the form of kaolin, in a kiln to temperatures between 1,200 and 1,400 °C. The toughness, strength, and translucence of porcelain arise from vitrification and glassy phase development at high temperatures. Porcelain has been one of the most common materials for making tableware, decorative objects, and architectural components for centuries.

## History

China is the homeland of porcelain, and porcelain represents an important creation by the Chinese working people. The invention of porcelain was a great contribution of the Chinese nation to world civilization, as evidenced by the fact that the English word for porcelain, "china," is the same as the name of the country, "China."

### Early Origins

The earliest porcelain discovered in China so far appeared at the Erlitou site in Yanshi, Luoyang, and is called "protcelain." It developed on the basis of impressed hard pottery technology, inheriting its forming and decoration methods. The glazing method was relatively primitive, using brushing and dipping techniques.

In the mid-16th century BCE, during the Shang Dynasty, early porcelain emerged. Due to the roughness of both the body and glaze layer, as well as the relatively low firing temperature, it showed primitiveness and transitional characteristics, so it is generally called "protcelain."

### Invention in the Eastern Han Dynasty

The invention of porcelain began in the Eastern Han Dynasty. Although "protcelain" was created in the mid-16th century BCE during the Shang Dynasty, it was still in its initial stage and not yet mature. The transition from pottery to porcelain in China was completed during the Eastern Han Dynasty. In the strict scientific sense, Chinese porcelain began in the Eastern Han Dynasty. The porcelain successfully fired in the mid to late Eastern Han Dynasty made China the inventor and earliest producer of porcelain. The character "ci" (瓷), corresponding to the actual object, officially appeared in the Western Jin Dynasty.

### Maturity in the Song Dynasty

By the Song Dynasty, famous porcelain and famous kilns had spread over most of China, marking the most prosperous period for the porcelain industry. At that time, the Ru kiln, Guan kiln, Ge kiln, Jun kiln, and Ding kiln were collectively known as the Five Great Kilns of the Song Dynasty. Other famous kilns included the Chai kiln and Jian kiln. Jingdezhen in Jiangxi Province, later known as the "Porcelain Capital," produced blue and white porcelain during the Yuan Dynasty, which became the representative of porcelain. Blue and white porcelain has a transparent glaze like water, a thin and light body, and blue decorations on the white porcelain body, which is elegant, fresh, and full of vitality. Once it appeared, blue and white porcelain became popular immediately, becoming the crown of traditional famous porcelain in Jingdezhen. Together with blue and white porcelain, the four famous types of porcelain include blue and white exquisite porcelain, famille-rose porcelain, and colored glaze porcelain. In addition, there are also sculptural porcelain, thin-bodied porcelain, and colorful porcelain, all of which are exquisite and have their own characteristics.

## Key Information

| Feature | Description |
|---------|-------------|
| Raw Materials | Composed of porcelain stone, quartz, mullite, and other materials fired at high temperatures |
| Firing Temperature | 1,200°C to 1,300°C |
| Key Characteristics | Low iron content, white body, transparent or semi-transparent, water absorption rate less than 1% |
| Major Production Centers | Jingdezhen (China), Arita (Japan), Meissen (Germany), Limoges (France) |
| Cultural Significance | Porcelain has been a symbol of Chinese culture and technological achievement for millennia |

## Cultural Significance

Colorful porcelain is one of the great inventions of ancient China. The fact that "porcelain" and "China" are the same word in English fully demonstrates that the exquisite quality of Chinese porcelain can represent China. High-quality porcelain has much higher production difficulty than ordinary porcelain, so exquisite porcelain collections were not lacking in ancient royal courts. As one of the special luxury products of ancient China, porcelain was transmitted to various countries through various trade channels, and exquisite ancient porcelain was collected by many collectors as valuable antiques.

In Western countries, it is particularly popular to give high-quality porcelain tea sets as wedding gifts. From the perspective of the art market, the value ranking (from high to low) is: Yuan, Ming, and Qing Dynasty porcelain, Song Dynasty porcelain, Tang and Five Dynasties porcelain, Six Dynasties porcelain, primitive celadon, and late Qing and Republic of China porcelain. In terms of artistic value, it mainly includes three aspects: shape, decoration, and pattern. In terms of shape, display vessels have the highest value, followed by stationery, burial objects, and daily-use vessels. In terms of decoration, colored decoration currently has the highest value (such as enamel-colored porcelain in the Yongzheng period). In terms of patterns, human figure patterns have the highest value.

## Modern Status

Today, famous porcelain production areas include: Jingdezhen in Jiangxi Province, famous for blue and white porcelain, blue and white exquisite porcelain, colored glaze porcelain, and famille-rose porcelain. Tangshan in Hebei, Changzhi in Shanxi, and Shiwan in Guangzhou all use traditional craftsmanship and modern technical equipment to fire various colored porcelain. In addition, there are also porcelain from Jun kiln in Yuxian County, red porcelain from Liling in Hunan, Ru porcelain from Linru, and celadon from Longquan in Zhejiang.

The development of porcelain has been closely related to tea culture. In China, porcelain tea sets have been refined over centuries to enhance the tea-drinking experience. Similarly, in Japan, the tea ceremony culture has developed its unique tea vessels, many inspired by Chinese porcelain techniques but with distinct Japanese aesthetics.

## References

1. Kerr, R., & Wood, N. (2004). *Science and Civilisation in China: Volume 5, Chemistry and Chemical Technology, Part 12, Ceramic Technology*. Cambridge University Press.

2. Rawson, J. (Ed.). (1990). *The British Museum Book of Chinese Art*. British Museum Press.

3. Valenstein, G. S. (1998). *A Companion to Chinese Archaeology*. Blackwell Publishing.

4. Tregear, M. (2003). *Chinese Ceramics: From the Paleolithic Period to the Present*. Thames & Hudson.

5. Wood, N. (1999). *Chinese Glazes: Their Chemistry, Origins and Development*. A & C Black Publishers Limited.

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瓷器

定义播报编辑

## 定义

凡是用瓷土烧制而成的器物就叫瓷器。但当今对瓷器的具体定义，还没有取得统一的意见。一般人认为，必须具备以下几条才能称之为瓷器：瓷器精品

第一，瓷器的胎料必须是瓷土的。瓷土的成分主要是高岭土和化妆土，并含有长石、石英石和莫来石成分；含铁量低。经过高温烧成之后，胎色白，具有透明或半透明性，胎体吸水率不足1%，或不吸水。

第二，瓷器的胎体必须经过1200℃～1300℃的高温焙烧，才具备瓷器的物理性能。各地瓷土不同，烧成温度也有差异，要以烧结为准。

瓷器第三，瓷器表面所施的釉，必须是在高温之下和瓷器一道烧成的玻璃质釉。

历史沿革播报编辑

## 历史沿革

瓷器 赵新建作品中国是瓷器的故乡，瓷器是中国劳动人民的一个重要的创造。瓷器的发明是中华民族对世界文明的伟大贡献，在英文中“瓷器（china）”与中国（China）同为一词。

### 夏代首见

中国迄今为止发现的最早的瓷器，出现在洛阳偃师二里头遗址，称为“原始瓷”。它是在印纹硬陶工艺基础上发展起来的，继承了其成型和装饰方法，施釉方法比较原始，采用涂刷和浸釉两种。 [5]

### 商代雏形

中国瓷器是从陶器发展演变而成的，原始瓷器起源于3000多年前。

大约在公元前16世纪的商代中期，中国就出现了早期的瓷器。因为其无论在胎体上，还是在釉层的烧制工艺上都尚显粗糙，烧制温度也较低，表现出原始性和过渡性，所以一般称其为“原始瓷”。

### 东汉发明

瓷器的发明始于东汉时期。虽然在公元前16世纪的商代中期就创烧出了“原始瓷”，但毕竟处于初始阶段，尚未成熟，中国由陶向瓷的过渡完成于东汉。 [3]

中国的瓷器，从严格科学意义上说，开始于东汉。在东汉中晚期创烧成功的瓷器，使我国成为发明瓷器和最早生产瓷器的国家。“瓷”这个与实物相应的字正式出现于西晋。 [2]

### 宋代成熟

至宋代时，名瓷名窑已遍及大半个中国，是瓷业最为繁荣的时期。当时的汝窑、官窑、哥窑、钧窑和定窑并称为宋代五大名窑，当时比较有名的还有柴窑和建窑。被称为瓷都的江西景德镇在元代出产的青花瓷已成为瓷器的代表。青花瓷釉质透明如水，胎体质薄轻巧，洁白的瓷体上敷以蓝色纹饰，素雅清新，充满生机。青花瓷一经出现便风靡一时，成为景德镇的传统名瓷之冠。与青花瓷共同并称四大名瓷的还有青花玲珑瓷、粉彩瓷和颜色釉瓷。另外，还有雕塑瓷、薄胎瓷、五彩胎瓷等，均精美非常，各有特色。

多姿多彩的瓷器是中国古代的伟大发明之一，“瓷器”与“中国”在英文中同为一词，充分说明中国瓷器的精美绝伦完全可以作为中国的代表。高级瓷器拥有远高于一般瓷器的制作工艺难度，因此在古代皇室中也不乏精美瓷器的收藏。作为古代中国的特产奢侈品之一，瓷器通过各种贸易渠道传到各个国家，精美的古代瓷器作为具有收藏价值的古董被大量收藏家所收藏。中国古代瓷器有曾拍出天价的精品，但部分国宝级瓷器并不在中国国内。欧美人士在结婚时，便特别喜欢送赠高级瓷器茶具。

从艺术品市场行情来看，价值的排列顺序（由高到低）为：元明清时期瓷器、宋朝瓷器、唐五代时期瓷器、六朝时期瓷器、原始青瓷、晚清民国瓷器。从艺术性来评估（即艺术价值）。主要包括造型、装饰、图案三个方面。造型上以陈设器价值最高，价值的排列顺序（由高到低）为：陈设器、文房用具、冥器、日用器。装饰上目前以彩装饰价值最高（如雍正时期珐琅彩），价值的排列顺序（由高到低）为：彩装饰、釉装饰、胎装饰。图案上以人物图案价值最高，价值的排列顺序（由高到低）为：人物图案、动物图案、植物图案、山水图案、吉祥图案等。从研究价值来评估（即科学研究价值）。如有纪年款的瓷器、在纪年墓中出土的瓷器，这些瓷器有较高的学术价值，但不是评估价值的主体，因此在古代瓷器价值评估体系中所占的比例不高。

名称来源播报编辑

## 名称来源

在中国，“瓷器”一词最早见之于许慎的《说文解字》中。“瓷”这个字在汉以前指“瓦器”，许慎《说文解字》中解释“瓷”为：“瓦器，从瓦次。”《隋书·何稠传》记载的“匠人无取清意，稠以绿瓷为之”。当时的绿瓷应该包括我们今天称呼为青瓷中的某些釉色玻璃质感很好的制品。磁县博物馆已有收藏，但当时不称“青瓷”而称“绿瓷”。

“磁器”一词早见于唐代文献记载内。当时磁、瓷的使用也分别得比较清楚。如《新唐书·地理志》记载：“邢州巨鹿郡土贡磁器；越州会稽郡土贡瓷器。”

当时磁州的一些窑场都会生产到唐代。那么磁器的最初出现很可能同越器、邢器等名称含义一样，指的是磁州所产陶磁器。当然“磁器”也可能泛指整个河北南部一带的产品。这种磁器与瓷器在外观上肯定有区别。因此《新唐书》才以不同称谓加以记载。《唐书·地理志》中记载“土贡延埴盎缶”当时磁州属于河北管辖，似可旁证“磁器”也包括盎缶类产品。在实物资料方面，磁州的临水曾经发现唐代窑址，墓葬出土过许多唐风陶瓷，其中有青瓷，又有化妆白瓷、酱褐釉瓷。这些都可以纳入“磁器”范围。

由于磁器产量巨大，不仅行销范围扩展止整个中国北方，官民具获其益，还有许多输出国外。导致文献记载中出现以“磁”代“瓷”现象，建构出内涵丰富的“磁器文化”。自宋代后“磁”“瓷”开始出现混用现象。

元时陶瓷文献广泛使用“磁器”的称谓来指胎体坚固的陶磁制品，而不大再使用“瓷”字。元学者耶律楚材在《佩文韵府》卷96《七蜀钵脱·磁钵条》中咏道：“累累山果映磁钵，薄薄浊缪半瓦壶。”《元史》记载景德镇设立“浮梁磁局”亦用“磁”字。（然，近年来，景德镇部分学者在文章中把《元史》中设立的“浮梁磁局”，恣意改写史料为“浮梁瓷局”。真可一哂。）在彭城出土的一件元末明初的《西江月》词文枕上，彭城磁州窑仍然保留了“礠窑”之称谓。宋、金、元、明、清时期，我国各地许多生产陶磁的地名也统统使用了磁器的“磁”字，如山东的“磁村窑”，福建的“磁灶窑”，宁夏的“磁峰窑”，“磁器”用语风靡世界。

明代随着彭城窑场在中国北方陶瓷生产中心的确立，关于磁器的记载渐趋丰富。“磁器”一词得到各种解释，有了特定与明确含义。明代学者曹仲明《格古要论》中指出：“古磁器出磁州。”指出明代之前古磁器产地在磁州。产品“佳者与定相类，但无类痕。亦有划花、绣花，素者价高于定器”。明《彰德府志》记载为：“彭城，在滏源里。居民善陶缶罂之属，或绘以五彩。”指出磁州的陶瓷还有五彩陶瓷品种。

实际上，自元代起磁州窑陶瓷大规模发展，产品覆盖面与影响力遍及全国，导致文献记载及实际生活中大量出现以“磁”代“瓷”现象。日本学者常石英明则提出早在宋代，就出现以“磁”代“瓷”的现象。元政府曾在浮梁设立“浮梁磁局”，就连景德镇陶瓷器产品也被称之为“磁器”了。

清乾隆年间在北京崇文门一带出现了专门销售陶瓷产品的“磁器口”街道。后来在重庆、南京都有了“磁器口”街道。连文学作品，如许多文学名著中如《红楼梦》也多用“磁器”而不用“瓷器”。《清宫档案》的文献也使用“磁器”称谓。民国时期，著名文学家鲁迅等的作品和日记中，亦常常使用“磁器”一词。磁器含义扩展范围之广，达到令人惊讶的程度。

20世纪50年代，国家有关部门强力推行文字规范化工作，正式规定以后通用“瓷器”称谓，不再提倡使用“磁器”名称。但在国外形成的结果却难以更改。如今日本与韩国至今仍使用“磁器”一词用于表述坚硬、洁白的陶瓷制品，而不使用“瓷”字。

另外台湾、香港、澳门同胞及东南亚地区的海外华人现在仍然继续使用“磁”字，如以“磁砖”泛指“瓷砖”等。这是“磁器”称谓与涵义延至至今的例证，当然也是磁州窑的光荣。不过这些都属于定义域的研究问题，还会牵涉到文字学、分类学、民俗学及商品流通学研究领域，值得继续探讨。

关于磁州窑的最早出处，明代万历年间（1573—1619）谢肇淛在《五杂俎》一书中认为：“今俗语窑器谓之磁器者，盖磁州窑最多，故相延名之，如银称米提，墨称腴糜之类也。”认为当时出现的以“磁器”代窑器是由于磁州窑产量最多所致。他在文章中第一次使用了“磁州窑”这一称谓，并阐述了磁器与磁州窑的直接关联。笔者提出，这是迄今发现最早使用“磁州窑”称谓的史料。

“磁州窑”一名出现后，当时仍未定型与统一。明清时期的学者在文献记载中，分别使用了“磁器”、“磁窑”或“磁州窑”等不同名称。清康熙《磁州志》对彭城陶瓷的描述使用了“磁器”一词。嘉庆年间《景德镇陶录》称“磁州窑”；许之衡《饮流斋说瓷》中称“磁窑”。实际上磁器、磁窑与磁州窑含义是相同的，即指磁州地区的窑场及其产品。但从具体表述内容看，唐代的“磁器”与明代的“磁器”所表述的实体应有细微差别。近年来在观台窑址出土的一批金代细白瓷应该是《格古要论》中说到的“好者与定器相类”并“佳高于定”的“磁器”。

近代磁州窑研究中，导致统一使用“磁州窑”称谓的是由于1918年河北巨鹿北宋遗址被发现，而引起的“磁州窑热”。国内外部分专家学者认为出土的产品与当时彭城生产的“磁器”风格相同，属于同一类型。为避免与当时通用的“磁器”称谓相混淆，而采用“磁州窑”的称谓。日本专家长谷部乐尔认为英国的霍普逊是近代研究中最早在论文中使用“磁州窑”称谓。另外，袁励准的《骨董琐记》、吴仁敬、幸安潮的《中国陶瓷史》、叶麟趾的《古今中外陶瓷汇编》等著作，在文章中均使用了“磁州窑”这一名称。从此磁州窑名称的使用频率渐趋普及。进而在国际上出现“磁州窑型”与“磁州窑系”的提法与命名。

新中国成立以后，随着磁州窑研究热的几度兴起，古代陶瓷遗址不断发现。磁州窑文献研究也取得进展，一些历史悬案迎刃而解。在论文与报刊文章中，磁州窑称谓使用趋向规范与统一，磁州窑名称使用频率增多。其次，磁州窑产品内涵与窑系外延逐渐丰富与充实。

近年来，在磁州窑的故乡--彭城陶瓷产区，一些宾馆、饭店开始重新使用“磁都”一词来起名字，如磁都饭店、磁都宾馆、磁都影剧院等。重新使用“磁”字，表达人们对昔日“磁器之都”的怀念、热爱之情。其中或许对古磁文化有一种难于割舍的情愫。

以笔者之见，即使在现代，“瓷器”与“磁器'两词不妨继续混用下去，可由人们自由选用，无妨各表其义下去。固有的使用无需重新改变。因为，文字的使用要一个顾及历史的延续，对原有的文献亦不必做狗尾续貂式的改变。否则，就难免逃脱阉割历史之嫌了。

无论如何，我们从“磁器”一词的诞生到其取代“瓷器”之演绎，由此可见磁州窑对人类文明和发展史的贡献。并由此看出民窑磁州窑之顽强的生命力，与曾经的喷发式的张力。

瓷器的发展播报编辑

## 瓷器的发展

用瓷土烧制精细的瓷器是中国特产。原始瓷器从陶器发展而来，最早见于郑州二里岗商代遗址。东汉出现青釉瓷器。早期瓷器以青瓷为主，隋唐时代，发展成青瓷、白瓷等以单色釉为主的两大瓷系，并产生刻花、划花、印花、贴花、剔花、透雕镂孔等瓷器花纹装饰技巧。五代瓷器制作工艺高超，属北瓷系统的河南柴窑有“片瓦值千金”之誉。柴窑是后周柴世宗官窑，传说周世宗要求柴窑生产瓷器“薄如纸、明如镜、声如磬，雨过天青云破处，这般颜色作将来”。但至今尚未见到柴窑传世品或发掘实物。南瓷系统以越窑“秘色瓷器”著名。宋代瓷器以各色单彩釉为特长，釉面能作冰裂纹，并能烧制窑变色及两面彩、釉里青、釉里红等。著名“瓷都”景德镇因宋景德（公元1004—1007）年间为宫廷生产瓷器得名。所选瓷土必白埴细腻，所制瓷器质尚薄，色白如玉，善做玲珑花。元代瓷器盛行印花瓷及五彩戗金。明代流行“白底青花瓷”，青瓷有“影青”，瓷质极薄，暗雕龙花，表里可以映见，花纹微现青色。又有“霁红瓷”，以瓷色如雨后霁色而得名。窑变色从一种发展为窑变红、窑变绿、窑变紫三种彩。清代生产“彩瓷”，图样新颖，瓷色华贵，以“珐琅瓷”、“粉彩”杰出，又有“天青釉”，仿拟五代柴窑瓷色，还有霁红瓷和霁青瓷等。当今著名瓷器产地有：江西景德镇，以青花瓷、青花玲珑瓷、颜色釉瓷和粉彩瓷闻名。河北唐山、山西长治、广州石湾都能采用传统工艺及现代化技术设备，烧制各种各色瓷器。此外，还有河南禹县的钧瓷、湖南醴陵的红瓷、临汝的汝瓷，浙江龙泉的青瓷等。

白陶的烧制成功对由陶器过度到瓷器起了十分重要的作用。

在商代和西周遗址中发现的“青釉器”以明显的具有瓷器的基本特征。它们质地较陶器细腻坚硬，胎色以灰白居多，烧结温度高达1100～1200℃，胎质基本烧结，吸水性较弱，器表面施有一层石灰釉。但是它们与瓷器还不完全相同。被人称为“原始瓷”或“原始青瓷”。

原始瓷从商代出现后，经过西周、春秋战国到东汉，历经了1600～1700年的变化发展，由不成熟逐步到成熟。

东汉以来至魏晋时制作的瓷器，从出土的文物来看多为青瓷。这些青瓷的加工精细，胎质坚硬，不吸水，表面施有一层青色玻璃质釉。这种高水平的制瓷技术，标志着中国瓷器生产已进入一个新时代。

我国白釉瓷器萌发于南北朝，到了隋朝，已经发展到成熟阶段。至唐代更有新的发展。瓷器烧成温度达到1200℃，瓷的白度也达到了70%以上，接近现代高级细瓷的标准。这一成就为釉下彩和釉上彩瓷器的发展打下基础。

宋代瓷器，在胎质，釉料和制作技术等方面，又有了新的提高，烧瓷技术达到完全成熟的程度。在工艺技术上，有了明确的分工，在我国瓷器发展的一个重要阶段。宋代闻名中外的名窑很多，耀州窑、磁州窑、景德镇窑、龙泉窑、越窑、建窑以及被称为宋代五大名窑的汝、官、哥、钧、定等产品都有它们自己独特的风格。耀州窑（陕西铜川）产品精美，胎骨很薄，釉层匀净；磁州窑（河北彭城）以磁石泥为坯，所以瓷器又称为磁器。磁州窑多生产白瓷黑花的瓷器；景德镇窑的产品质薄色润，光致精美，白度和透光度之高被推为宋瓷的代表作品之一；龙泉窑的产品多为粉青或翠青，釉色美丽光亮；越窑烧制的瓷器胎薄，下巧细致，光泽美观；建窑所生产的黑瓷是宋代名瓷之一，黑釉光亮如漆；汝窑为宋代五大名窑之冠，瓷器釉色以淡青为主色，色清润；官窑是否存在一直是人们争议的问题，一般学者认为，官窑就是卞京官窑，窑设于卞京，为宫廷烧制瓷器；哥窑在何处烧造也一直是人们争议的问题。根据各方面资料的分析，哥窑烧造地点最大的可能是与北宋官窑一起生产；钧窑烧造的彩色瓷器较多，以胭脂红最好葱绿及墨色的瓷器也不错；定窑生产的瓷器胎细，质薄而有光，瓷色滋润，白釉似粉，称粉定或白定。

我国古代陶瓷器釉彩的发展，是从无釉到有釉，又由单色釉到多色釉，然后再由釉下彩到釉上彩，并逐步发展成釉下与釉上合绘的五彩，斗彩。

彩瓷一般分为釉下彩和釉上彩两大类，在胎坯上先画好图案，上釉后入窑烧炼的彩瓷叫釉下彩；上釉后入窑烧成的瓷器再彩绘，又经炉火烘烧而成的彩瓷，叫釉上彩。明代著名的青花瓷器就是釉下彩的一种。

明代精致白釉的烧制成功，以铜为呈色剂的单色釉瓷器的烧制成功，使明代的瓷器丰富多彩。明代瓷器加釉方法的多样化，标志着中国制瓷技术的不断提高。成化年间创烧出在釉下青花轮廓线内添加釉上彩的“斗彩”，嘉靖、万历年间烧制成的不用青花勾边而直接用多种彩色描绘的五彩，都是著名的珍品。清代的瓷器，是在明代取得卓越成就的基础上进一步发展起来的，制瓷技术达到了辉煌的境界。康熙时的素三彩、五彩，雍正、乾隆时的粉彩、珐琅彩都是闻名中外的精品。

明代在釉下青花轮廓线内添加釉上彩而烧成的一种瓷器，由于釉下彩青花与釉上彩绘争奇斗艳，故名“斗彩”。

清代仿铜胎画珐琅效果的一种瓷器。珐琅彩又称“料彩”。

瓷器与陶器的关系密不可分。当部分掺有高岭土（或长石、石英、石灰等天然釉料）以及其他含有氧化铜、氧化铁、氧化亚铅等天然色彩成分的原料在烧结陶器时，会自然在陶器表面结成一成薄釉（日本信乐烧最早就是这样出现的）。在中国的历史上，明代以前中国的瓷器以素瓷（没有装饰花纹，以色彩纯净度的高低为优劣标准的瓷器）为主。明代以后以彩绘瓷为主要流行的瓷器。另一个瓷器制作国家日本也与茶道文化界也发扬了其独特的茶器。

最早素瓷依照颜色分类，有青瓷、黑瓷、白瓷三种常见颜色的瓷器。

彩绘瓷和其他彩色瓷器中较为著名的有：唐三彩（唐三彩不是瓷，是低温铅陶）、信乐烧、青花瓷等。

依照瓷器出产地点也有不同的分类。如中国浙江越窑（秘色瓷）、江西昌南、河北定瓷以及日本在10世纪后转肩发展的特色瓷器：近江、甲贺的信乐烧（shigarakiyaki）、长崎有田烧（aritayaki）、冈山县备前烧（bizenyaki）等。另外欧洲自18世纪起亦开始制造瓷器，今天英国、法国、俄罗斯、德国等地，特别是英国已建立起多个高级瓷器品牌。

瓷器产地分类

该名称最早见于唐人陆龟蒙的《秘色越器》一诗，系对杭州湾南岸古越地青瓷窑场的总称。其形成于汉代，经三国、西晋，至晚唐五代达到全盛期，至北宋中叶衰落。中心产地位于上虞曹娥江中游地区，始终以生产青瓷为主，质量上乘。陆羽《茶经·四之器》中评述茶碗的质量时写道：“若邢瓷类银，越瓷类玉，邢不如越；邢瓷类雪，则越瓷类冰，邢不如越二也；邢瓷白而茶色丹，越瓷青而茶色绿，邢不如越三也。”陆羽煮饮绿茶，故极推崇越瓷。

在今河北内丘、临城一带，唐代属邢州，故名。该窑始于隋代，盛于唐代，主产白瓷，质地细腻，釉色洁白，曾被纳为御用瓷器，一时与越窑青瓷齐名，世称“南青北白”。陆羽在《茶经》中认为邢不如越，主要因为他饮用蒸青饼茶，若改用红花比较，或要反映真实的茶汤色泽，则结果正好相反，所以两者各有所长，关键在于与茶性是否相配。

宋代五大名窑之一，在今河南宝丰清凉寺一带，因北宋属汝州而得名。北宋晚期为宫廷烧制青瓷，是古代第一个官窑，又称北宋官窑。釉色以天青为主，用石灰一碱釉烧制技术，釉面多开片，胎呈灰黑色，胎骨较薄。

宋代五大名窑之一。在今河南禹县，此地唐宋时为钧州所辖而得名。始于唐代，盛于北宋，至元代衰落。以烧制铜红釉为主，还大量生产天蓝、月白等乳浊釉瓷器，至今仍生产各种艺术瓷器。

宋代五大名窑之一。在今河北曲阳润磁村和燕山村，因唐宋时属定州而得名。唐代已烧制白瓷，五代有较大发展，白瓷釉层略显绿色，流釉如泪痕。北宋后期创覆烧法，碗盘器物口沿无釉，称为“芒口”。五代、北宋时期承烧部分宫廷用瓷，器物底部有“官”、“新官”铭文。宋代除烧白瓷外，还烧黑釉、酱釉和绿釉等品种。

6．南宋官窑

宋代五大名窑之一，宋室南迁后设立的专烧宫廷用瓷的窑场。前期设在龙泉（今浙江龙泉大窑、金村、溪口一带），后期设在临安郊坛下（今浙江杭州南郊乌龟山麓）。两窑烧制的器物胎、釉特征非常一致，难分彼此，均为薄胎，呈黑、灰等色；釉层丰厚，有粉青、米黄、青灰等色；釉面开片，器物口沿和底足露胎，有“紫口铁足”之称。16世纪末，龙泉青瓷在法国市场上出现，轰动整个法兰西，由于一时找不到合适的语言称呼它，只得用欧洲名剧《牧羊女》中女主角雪拉同所披的青色长袍来比喻，于是“雪拉同”成为青瓷的代名词。当今龙泉窑又有新的发展。杭州南宋官窑遗址建立了南宋官窑博物馆。

宋代五大名窑之一，至今遗址尚未找到。有的文献上将浙江龙泉官窑称为哥窑，实为讹传。传世的哥窑瓷器，胎有黑、深灰、浅灰、土黄等色，釉以灰青色为主，也有米黄、乳白等色，由于釉中存在大量气泡、未熔石英颗粒与钙长石结晶，所以乳浊感较强。釉面有大小纹开片，细纹色黄，粗纹黑褐色，俗称“金丝铁线”。从瓷器的釉色、纹片、造型来看，均不同于宋代龙泉官窑。

在今福建建阳。始于唐代，早期烧制部分青瓷，至北宋以生产兔毫纹黑釉茶盏而闻名。兔毫纹为釉面条状结晶，有黄、白两色，称金、银兔毫；有的釉面结晶呈油滴状，称鹤鸽斑；也有少数窑变花釉，在油滴结

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Silk

Summary: Silk is a natural protein fiber produced by silkworms, historically significant in Chinese culture and global trade.

# Silk

## Overview

Silk is a natural protein fiber, some forms of which can be woven into textiles. The protein fiber of silk is composed mainly of fibroin and is produced by certain insect larvae to form cocoons. The best-known type of silk is obtained from the cocoons of the larvae of the mulberry silkworm Bombyx mori reared in captivity (sericulture). The shimmering appearance of silk is due to the triangular prism-like structure of the silk fiber, which allows silk cloth to refract incoming light at different angles, thus producing different colors.

## History

### Early Development
According to ancient Chinese legend, Leizu, the wife of the Yellow Emperor, is credited with discovering sericulture (the rearing of silkworms for silk production) around 2700 BCE. Archaeological evidence suggests that silk production in China dates back to the Neolithic period, with findings of silk fragments dating to approximately 5600-6000 years ago.

In 1926, archaeologists discovered a half cocoon at Xiyin Village in Xia County, Shanxi Province, which was identified as a mulberry silkworm cocoon. This discovery provided tangible evidence of early silk production in China during the Yangshao culture period (approximately 5600-6000 years ago). Further excavations at the Shicun site in the same area uncovered four stone-carved silkworm pupae dating back to approximately 6000 years ago, predating the Xiyin cocoon by about 500 years.

The earliest physical evidence of silk fabric was discovered at the Qingtai and Wanggou sites in Xingyang, Henan Province, dating back to about 5000 years ago. These findings indicate that silk production was already well-established in the Zhengzhou area during that period.

### Shang and Zhou Dynasties
During the Shang Dynasty (1600-1046 BCE), sericulture had developed to a significant scale, with evidence of patterned silk textiles discovered. The oracle bone script of this period already contained characters related to silkworms, mulberry trees, and silk, indicating the importance of silk in Shang society.

The Western Zhou Dynasty (1046-771 BCE) saw more organized management of handicraft production, with silk production techniques advancing from those of the Shang Dynasty. During the Spring and Autumn and Warring States periods (770-221 BCE), sericulture became an important national policy for enriching and strengthening states. The appearance of "jin" (brocade) during this period marked a significant milestone in Chinese silk history, combining the excellent properties of silk with artistic elements.
### Qin and Han Dynasties
The Qin (221-206 BCE) and Han (206 BCE-220 CE) dynasties witnessed significant development in the silk industry. The establishment of a centralized government and the implementation of policies promoting economic growth led to the expansion of both state-run and private silk production.

During Emperor Wu's reign (141-87 BCE), the Silk Road was established as a network of trade routes connecting the East and West. This facilitated the export of Chinese silk to Central Asia, West Asia, and eventually Europe. The discovery of numerous Han Dynasty silk fabrics along the Silk Road provides material evidence of the prosperity of this trade during that period.

### Wei, Jin, and Northern and Southern Dynasties
The period of Wei, Jin, and Northern and Southern Dynasties (220-589 CE) was marked by continuous warfare, political division, and frequent changes of regime. Despite these challenges, silk production continued to develop, with diverse styles and rich cultural connotations. During this period, the center of China's sericulture industry gradually shifted from the Yellow River basin to the Yangtze River basin.
### Sui and Tang Dynasties
The Sui (581-618 CE) and Tang (618-907 CE) dynasties represented a peak in feudal Chinese society, characterized by national strength, economic prosperity, and cultural openness. The silk industry flourished during this period, with three major production areas: the Yellow River basin, the Sichuan region, and the southeast region below the Yangtze River.

The Tang Dynasty was the golden age of silk production, with unprecedented levels in terms of output, quality, and variety. The production of silk was organized into three sectors: imperial handicrafts, rural sidelines, and independent handicrafts, with scales much larger than previous dynasties. The foreign trade of silk also developed tremendously, with three Silk Road routes and the emergence of the Maritime Silk Road.
### Song Dynasty
During the Song Dynasty (960-1279 CE), sericulture technology advanced further, leading to a brief period of glory for Chinese silk. New varieties such as Song brocade, silk gauze, and gold-threaded fabrics emerged. The production center shifted to the Jiangnan region (south of the Yangtze River), with Zhejiang becoming known as the "capital of silk."

The state-run silk production workshops were considerable in scale, with institutions like the Brocade Institute, Dyeing Institute, and Embroidery Institute established in the capital. Private silk weaving also flourished, with numerous workshops appearing in cities. Due to the obstruction of the overland Silk Road, maritime silk trade developed significantly during this period.

## Key Information

| Property | Description |
|----------|-------------|
| Chemical Composition | Primarily fibroin protein (70-80%), containing 18 amino acids including glycine, alanine, and serine |
| Fiber Structure | Triangular cross-section with irregular shape and area; consists of fibroin core surrounded by sericin |
| Production Process | Sericulture, reeling, weaving, dyeing, and finishing |
| Main Varieties | Mulberry silk, tussah silk, wild silks from various sources |
| Historical Origin | China, dating back to approximately 5600-6000 years ago |
| Major Uses | Textiles, clothing, upholstery, industrial applications, medical sutures |

## Cultural Significance

Silk has held profound cultural significance in China and beyond for millennia. In ancient China, silk was initially reserved for emperors and nobility, symbolizing status and power. The development of sericulture and silk weaving became integral to Chinese cultural identity and technological achievement.

The Silk Road, named after the lucrative trade of Chinese silk, facilitated not only commerce but also the exchange of ideas, cultures, and technologies between East and West. Silk fabrics were highly valued in foreign markets, and the technology of sericulture was closely guarded as a state secret in China for centuries.

In Chinese culture, silk is associated with prosperity, good fortune, and refinement. Traditional Chinese clothing often incorporated silk fabrics, and silk embroidery became a highly developed art form. The Chinese character for silk (丝, sī) is composed of two parts representing a silkworm and its thread, reflecting the material's importance in Chinese language and culture.

## Modern Status

Today, silk remains a valuable textile with unique properties that continue to make it desirable for various applications. Modern silk production combines traditional sericulture with advanced technologies in reeling, weaving, and finishing.

While pure silk products are less common in modern industrial applications due to their high cost and delicate nature, silk is often blended with other fibers to enhance durability and reduce wrinkles. The global silk industry continues to evolve, with research focusing on improving silk production efficiency, developing new varieties, and expanding applications in fields such as biomedicine and cosmetics.

Environmental concerns have also led to renewed interest in sustainable silk production and the development of eco-friendly processing methods. As petroleum-based synthetic fibers face increasing scrutiny, natural fibers like silk are experiencing a resurgence in popularity among environmentally conscious consumers.

## References

1. Kuhn, D. (2012). *Silk Technology and Innovation in Early China*. Cambridge University Press.
2. Goodrich, C. S. (2009). *A Silk Road Encyclopedia*. ABC-CLIO.
3. Wang, S. (2015). *The History of Silk in China*. Zhejiang University Press.
4. Fraser, C. (2013). *Chinese Silk: A Cultural History*. British Museum Press.
5. Gansu Provincial Museum & Institute of Archaeology, CASS. (2017). *Silk Road Archaeology*. Science Press.

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丝绸

原料特性播报编辑

## 原料特性

### 天然纤维

丝绸丝绸所含的天然纤维主要是蚕丝纤维，是熟蚕结茧时所分泌丝液凝固而成的连续长纤维，也称天然丝，是人类利用最早的动物纤维之一，包括桑蚕丝、柞蚕丝、蓖麻蚕丝、木薯蚕丝等。

蚕丝纤维是唯一得到实际应用的天然长丝纤维，由蚕改粘液凝固而成。蚕丝纤维因蚕的食性不同分成多种，其中有食桑叶形成的桑蚕丝纤维、食柞树叶形成的柞蚕丝纤维以及食木薯叶、马桑叶、蓖麻叶形成的其他野蚕丝纤维。桑蚕丝纤维和柞蚕丝纤维可以把长丝纤维的形态保留到集束形成的长丝纱中，其他的几种野蚕丝纤维只能被改形为短纤维用纺织加工。在用桑蚕丝纤维和柞蚕丝纤维集束形成的长丝纱中，桑蚕丝纤维的长丝纱最重要，占天然长丝纱的大部分。

蚕吐丝时同时吐出两根蚕丝，但凝固成形后，它们会并合形成一根茧丝。茧丝的断面类似眼镜。每根茧丝中含有两根被丝胶粘结在一起的蚕丝纤维，称为丝素，即无胶的蚕丝纤维。它具有接近三角形的横截面特征，但形状与截面积大小并不均匀。

丝素也称丝素纤维，是最终得到使用的蚕丝纤维。

丝胶包覆在丝素纤维的四周，它的存在会对纤维的使用、加工和产品风格产生重要的影响。

每根茧丝上的丝胶含量并不均匀，开始吐出的丝，丝胶含量低，结束时吐出的丝，丝胶含量最高。蚕丝纤维有比较完善的原纤构造，能充分表现天然纤维的优良品质。

蚕丝化学组成蚕丝属蛋白质纤维（Fibroin；シルクタンパク），又名：丝素蛋白。是一种含氮的高分子化合物，其大分子的单基是α氨基酸。α氨基酸的结构通式是RCH（NH2）COOH，由于其氨基位于紧邻羧基或羧酸的α碳原子上，因此称为α氨基酸。由丝素分子的结构通式可知，在整个大分子链的不同肽基上，连接的侧基是不同的，这是天然蛋白质纤维的一个重要特征。

组成蚕丝丝素的氨基酸共有18种之多，丝素蛋白含量约占蚕丝的70%—80%，其中甘氨酸（gly）、丙氨酸（ala）和丝氨酸（ser）约占总组成的80%以上。

丝素蛋白虽然具有很多优良的使用性能，但因为丝素蛋白分子中含有一定量的羟酚基及其它结构，容易吸收紫外光而变性，在紫外光照射下，氨基酸组成发生裂解，白度明显下降，随照射时间的增加，丝素蛋白泛黄程度也增加，特别是在有水存在下，泛黄更为严重 [2-3]。力学性能和热性能也大幅度下降 [4]，对其性能有很大影响，而且丝素蛋白又难于染色和易于褪色等，为了使缺陷得以改善，必须进行改性，改性可以用生物学的基因方法来改善蚕的品种，也可以采用化学和物理的方法加以改进，通常为化学改性和高分子共混两种方法。 [5]

### 人造纤维

现代工业丝绸，很少有百分之百全蚕丝产品，主要是天然纤维、人造纤维、纤维素的组合体。

人造纤维是指通过物理化学的方法制得的非天然纤维，分为再生纤维和化学纤维两种。再生纤维是用某些天然高分子化合物或其衍生物做原料，经溶解后制成纺织溶液，然后喷丝纺制成纤维状的材料；化学纤维是利用石油、天然气、煤和农副产品作原料制成的合成纤维。丝绸中加入人造纤维，主要是为了使丝绸抗皱缩、防虫蛀、更易保存等。

人造纤维只有100年的历史，在此之前，人类都依靠棉、毛、丝、麻等天然纤维应用于纺织服装和其它生产领域。20世纪50年代以后各种合成纤维先后问世，量大价廉，大大丰富了纺织纤维总产量和使用范围，成为天然纤维的竞争对手。合成纤维的原料是石油，但地球的石油资源30—50年后即告枯竭，随着社会经济的不断前进和消费意识的改变，为了应对石油危机和适应环保理念的全球大趋势，纤维产业也逐步向开发、使用天然纤维靠拢。各种新型纤维问世，如天然彩色棉、竹纤维、Lyocell纤维、PLA纤维、大豆蛋白纤维、蚕蛹蛋白纤维等，都具有天然纤维的特点，不仅性能优良而且环保。

### 丝绸特性

第一：穿着舒适。真丝绸由蛋白纤维组成，与人体有很好的生物相容性，加之表面光滑，其对人体的摩擦刺激系数在各类纤维中是最低的，仅为7.4%。

第二：吸、放湿性好。蚕丝蛋白纤维富集了许多胺基（-CONH）、氨基（-NH2）等亲水性基团，又由于其多孔性，易于水分子扩散，所以它能在空气中吸收水分或散发水分，并保持一定的水分。在正常气温下，它可以帮助皮肤保有一定的水分，不使皮肤过于干燥；在夏季穿着，又可将人体排出的汗水及热量迅速散发，使人感到凉爽无比。

丝绸不仅具有较好的散热性能，还有很好的保暖性。其保温性得益于多孔隙纤维结构。蚕丝纤维里有许多极细小的纤维，这些细小的纤维又是由更为细小的纤维组成。因此，看似实心的蚕丝实际上有38%以上是空心的，在这些空隙中存在着大量的空气，阻止了热量的散发，使丝绸具有很好的保暖性。

第三：吸音、吸尘、阻燃。真丝织物有较高的空隙率，因而具有很好的吸音性与吸气性，所以除制作服装外，还可用于室内装饰。由于蚕丝具有吸湿、放湿性能以及保湿性、吸气性和多孔性，还可调节室内温湿度，并能将有害气体、灰尘、微生物吸掉。另外，真丝纤维的热变性小，比较耐热，加热到100℃时，只有5—8%左右脆化，而大多数合成纤维的热变度要比真丝大4—5倍。蚕丝的燃烧温度在300—400℃，属难燃纤维，而合成纤维的燃烧温度在200—260℃，即易燃、易熔。因此，采用蚕丝纤维作为室内装饰的原料，不但可以起到吸音、吸尘、保温作用，还有起到阻燃功能。

第四：抗紫外线。丝蛋白中的色氨酸、酪氨酸能吸收紫外线，因此丝绸具有较好的抗紫外线功能。而紫外线对人体皮肤是十分有害的。当然，丝绸在吸收紫外线后，自身会发生化学变化，从而使丝织品在日光的照射下，容易泛黄。

第五：保健。真丝纤维的保健功能是无法替代的，其中含有人体所必须的18种氨基酸，与人体皮肤所含的氨基酸相差无几，故又有人类的“第二皮肤”的美称。穿真丝衣服，不但能防止紫外线的辐射、防御有害气体侵入、抵抗有害细菌，而且还能增强体表皮肤细胞的活力，促进皮肤细胞的新陈代谢，同时对某些皮肤病有良好的辅助治疗作用。

易生折皱，容易吸身、不够结实、褪色较快。 [6-7]

丝织工艺播报编辑

## 丝织工艺

### 缫丝

缫丝原始的缫丝方法，是将蚕茧浸在热盆汤中，用手抽丝，卷绕于丝筐上，成为织绸的原料。盆、筐就是原始的缫丝器具。一颗蚕茧可抽出约1000米长的茧丝，若干根茧丝合并成为生丝。 [8]

缫丝是制丝过程的一个主要工序。根据产品规格要求，把若干粒煮熟茧的茧丝离解，合并制成生丝或柞蚕丝。缫丝方法很多，按缫丝时蚕茧沉浮的不同，可分为浮缫、半沉缫、沉缫三种，蚕茧的浮沉主要决定于煮茧后茧腔内吸水量的多少。按缫丝机械类型的不同，可分为立缫和自动缫两种。按自动缫丝机的感知型式不同，可分为定粒感知缫丝和定纤感知缫丝两种。将蚕茧抽出蚕丝的工艺概称缫丝。

### 织造

生丝经加工后分成经线和纬线，并按一定的组织规律相互交织形成丝织物，就是织造工艺。各类丝织品的生产过程不尽相同，大体可分为生织和熟织两类：生织，就是经纬丝不经炼染先制成织物，称之为坯绸，然后再将坯绸炼染成成品。这种生产方式成本低、过程短，是丝织生产中运用的主要方式。熟织，就是指经纬丝在织造前先染色，织成后的坯绸不需再经炼染即成成品。这种方式多用于高级丝织物的生产，如织锦缎、塔夫绸等。在织造前，还需做好准备工作，如使丝胶软化的浸渍、能改善产品性能的并丝和拈丝，还有整经、卷纬等。同时，由于蚕丝吸湿性强，还要做好防潮工作。丝织生产使用的自动化织机主要有：用于生产合成纤维长丝织物的喷水织机和于生产多色纬提花织物的剑杆织机。 [8]

### 染整

染整是指对纺织材料（纤维、纱线和织物）进行以化学处理为主的工艺过程，现代也通称为印染。染整同纺纱、机织或针织生产一起，形成纺织物生产的全过程，染整质量的优劣对纺织品的使用价值有重要的影响。该工艺主要包括生丝及织物的精炼、漂白、染色、印花和整理等工序。 [8]

蚕丝由两根单丝组成，其主体为丝朊，外层包裹丝胶。大部分的色素、油脂、蜡质和无机盐等都存在于丝胶中。这些杂质对印染的效果有很大影响，所以必须在染色前将其去除。人们在长期实践中，掌握了丝胶受化学剂或酶的作用易溶解于热水的特性，并利用丝胶这一弱点，将坯绸或生丝放入装有肥皂（或合成洗涤剂）与纯碱（碳酸钠）的混合溶液内进行加热，丝胶加热后进行水解。经过这样的精炼，脱除丝胶而保存丝朊，并去除了色素、脂、蜡等杂质，从而取得色泽洁白的丝制品。脱胶又叫精炼，脱胶后的生丝称为熟丝。生丝脱胶的程度须根据生产要求而定。 [8]

丝绸漂白脱胶后的丝纤维应进行漂白以除去天然色素。否则，染浅色时，因天然色素的存在会导致成品色泽发生变化。蚕丝可利用各种漂白剂的氧化或还原作用进行漂白。对蚕丝在催化剂存在下采用双氧水漂白的工艺曾有过报道。二氧化硫脲是一种还原型漂白剂，其BOD和COD值都较低，因而可作为低污染的无毒漂白剂使用，但是，与保险粉相比，尽管保险粉污染严重，仍被大量使用。而TDU由于价格较高其应用却受到限制。 [9]

色泽洁白的坯绸经精炼之后，便进入染色阶段。染色就是使染料和蚕、坯绸等发生化学反应，让坯绸染上各种色彩的工艺。由于蚕丝属蛋白质纤维，不耐碱，染色宜在酸性或接近中性的染液中进行。用于丝织物染料的主要是：酸性染料、活性染料、直接染料与还原染料等。用酸性染料染上的颜色比较鲜艳，染后用阳离子固色剂处理，可提高产品的水洗牢度。活性染料染在蚕丝上有良好的水洗牢度。织物的染色方法随织物的品种而异，如绉、纱类织物用绳状染色或溢流喷射染色，纺、绸、缎类织物则用平幅挂染或卷染。 [8]

一种色彩毕竟单调，除染色外，人们还采用印花技术使丝绸变得五彩缤纷。印花是指将染料按照设计好的花色印在织物上的一种工艺。常用的印花工艺有直印、拔印、防染。直接印花指色浆直接通过筛网印花版印在丝织品上，是的基本印花方法之一，可用多种染料共同印制。拔染印花，也称雕板印花，是一种使用雕白剂拔染的工艺，印染前先用具有偶氮结构的酸性染料和活性染料将丝织品染色，再在色绸上按花样需要印上含有破坏色素的雕白剂制成的雕印（拔染）浆，经汽蒸后，印浆部位的地色便呈现白色，叫做“雕白”。 [8]

防染印花，就是将丝织品按花样印上“防白”浆或“色防”浆，待干燥后再行染色。由于花样部位有“防白”浆或“色防”浆中的防染剂，不会染色，而其余部分则全部上色。

丝织品经过精练、染色、印花后，便可以对织物进行最后的整理工作。整理工艺主要解决前几道工序遗留的潮湿、皱折、门幅参差不齐等问题，突出丝织物本身柔软的特性并增加其服用功能，主要采用的是机械整理和化学整理两种方法。机械整理有拉幅整纬整理，汽熨整理，轧光等方法；化学整理主要是添加化学药剂，如柔软剂、抗静电剂、防火剂、由纯碱及磷酸三钠组成的砂洗剂等，从而达到防皱、防缩、柔软、厚实的效果。处理过的面料不仅更适合穿着，丝绸的消费领域也由此而拓宽。 [8]

历史演变播报编辑

## 历史演变

### 初期发展

上古传说中，黄帝的妻子嫘祖发明“养蚕取丝” [10-11]。

专家们根据考古学的发现推测，在距今五六千年前的新石器时期中期，中国便开始养蚕、取丝、织绸。真正能够说明蚕茧得到利用的是1926年在山西省夏县西阴村发掘到的半个蚕茧。据考古学家李济和昆虫学家刘祟乐的研究，断定为桑蚕茧。茧壳长约1.36厘米，幅宽约1.04厘米，是用锐利的刀刃切去了茧的—部分。西阴村所处的时代为仰韶时期（距今约5600—6000年），为人们研究丝绸起源提供了实物 [12]。

考古人员在对夏县另一处遗址——师村遗址进行调查与发掘时，发现了距今6000年前4枚仰韶早期的石雕蚕蛹，其中一枚形状大小如枣核，呈浅褐色，上面用尖锐器物刻上了条状的花纹。吉林大学教授段天璟说，这不仅为西阴村发掘的半个蚕茧提供了例证，在时间上也早了大约500年。段天璟表示：“这次发现的新石器仰韶早期的这枚石雕蚕蛹的形象，我们判断它的年代应该早于西阴文化，用花岗岩雕成这样的形象要费很大的力气。从这个角度上讲，我们可以看到当时人们对于养蚕的一种喜爱崇尚，当时人们很可能就已经产生了从事养蚕手工业的行为。” [43]

西阴村出土茧壳图在河南荥阳的仰韶文化大型聚落遗址——青台遗址和汪沟遗址曾发现最早的丝绸残片实物，这说明5000多年前郑州就已经开始制丝 [45]。在河南省荥阳汪沟遗址的4个翁棺中发现据称是约5500年丝绸遗存。 [13]

在河姆渡遗址中人们已发现了纺织工具，借此可以推断丝绸的使用至少不迟于良渚文化 [14]。最具影响力的说法，是中国科学家在1958年的考古发现，距今5300年大汶口文化时期的丝绸织品。

丝绸织品技术曾被中国垄断数百年，由于其编制技术在当时是一种复杂的工艺，又因其特有的手感和光泽备受人们的关注，因而丝织品成为工业革命以前世界主要的国际贸易物资。最早丝绸织品只有帝王才能使用，但丝绸业的快速发展令丝绸文化不断的从地理上、社会上渗透进入中华文化。并成为中国商人对外贸易中一项必不可少的高级物品。

起初中国严密控制着丝绸织造业和养蚕业的技术流传，并禁止其流向外国。但朝鲜则在中国移民的协助下，与前200年成功实现养蚕技术的突破。此外，西域和田河流域（前500年—前300年）与印度（300年之前）成功实现养蚕。不过罗马帝国则是在550年左右才得到蚕种并发展养蚕技术。

### 商周时期

商·成束丝商代农业有了很大发展，蚕桑业亦形成了一定规模。考古发现的商代丝织品尽管数量有限，但已出现了提花丝织物，这说明当时的织造技术已达到相当水平。在殷商时代，中原人民已普遍植桑养蚕，织造丝绸，在商代甲骨文中已经有蚕桑丝帛等象形文字。 [45]

西周时期，统治者对手工业生产已有了严格的组织与管理，丝绸生产技术比商代有所进步。

春秋战国时期是中国历史上从奴隶制向封建制过渡的时期，生产力和社会经济形态发生了巨大变化。蚕桑丝绸业也受到重视，发展农桑成为各国富国强民的重要国策。河南濮阳在春秋战国时期以“桑间濮上”著称，由此可见河南桑蚕之盛。 [45]

战国时期，农业与手工业相结合的农户成了社会的基本生产单位，手工业成为农业经济的重要组成部分。丝绸生产的专业化分工更加明显，有些技术世代相传，达到了相当高的水平 [15]。几乎所有的地方都能生产丝绸，丝绸的花色品种也丰富起来，主要分为绢、绮、锦三大类。锦的出现是中国丝绸史上的一个重要的里程碑，它把蚕丝优秀性能和美术结合起来，不仅是高贵的衣料，而且是艺术品，大大提高了丝绸产品的文化内涵和历史价值，影响深远。此时中国丝绸也传进了印度，印度政治家、哲学家考底利耶（Kautilya）的《政事论》（又译《治国安邦术》） [16]一书中有cinapatta一字，意思就是“中国的成捆的丝”。另外，从梵文的许多字中也可看出，古代印度人民对蚕丝的认识要比希腊人和罗马人准确得多，他们知道丝是虫子吐的，丝是蚕茧抽成的。 [17]

### 秦汉时期

西汉·素纱禅衣秦汉时期是中国封建社会处于初步巩固与发展的时期，秦的统一和中央集权制度的建立为汉代的强盛奠定了基础。汉初实行“与民修养”政策，促进了经济的迅速发展。规模宏大的官营丝绸业建立起来，其产品主要满足宫廷与官府的需求；民营丝织业也有了较大发展，有的作坊形成了自己的产品特色和知名度。丝绸产区较商周时期有所发展。西汉时期丝绸的生产重心在黄河中下游地区，从东汉时期开始，西南地区的蜀锦成为全国闻名的丝绸产品。 [15]

秦汉时期，丝织业不但得到了大发展，而且随着汉代中国对外的大规模扩展影响，丝绸的贸易和输出达到空前繁荣的地步。汉武帝时期北击匈奴，控制了通向西域的河西走廊。张骞两次出使西域，沟通了中原内地通向西域并连贯欧亚大陆的道路。贸易的推动使得中原和边疆、中国和东西邻邦的经济、文化交流进一步发展，从而形成了著名的“丝绸之路”。这条路从长安出发，经甘肃、新疆一直西去，经过中亚、西亚，最终抵达欧洲。元朔三年（前126年），在汉武帝的西进政策下，中国的蚕丝与丝绸源源不断地通过丝绸之路输往中亚、西亚并到达欧洲，丝绸之路沿途出土的大量汉代丝绸织物就是当时贸易繁荣的物证。中国的丝绸生产技术也在这一时期传播到中亚地区。

### 魏晋时期

魏晋南北朝时期，战争连绵不绝，国家长期分裂，政权频繁更替。剧烈的社会动荡、复杂的政治格局、广泛的国际往来，令丝绸生产虽发展艰难，但内涵丰富，面貌多样。这一时期，北方仍然是丝织品的主要产区，四川成都地区丝绸业一向发达，江南地区由于三国时的相关政策，开发丝绸业有了新的起色，经过南朝的经营而进一步得到发展，为唐代中期以后江南丝织业的崛起奠定了基础。

三国、两晋、南北朝的长期战乱，造成对黄河流域经济的严重破坏，到了隋代，中国蚕桑丝绸业的重心已经转移到了长江流域。

### 隋唐时期

唐·法门寺丝织品隋唐时期是中国封建社会发展的高峰，总的来说国家强盛、经济发达、商业繁荣，尤其是文化上的开放，显示了这一时代雍容大度、兼蓄并包的风格。丝绸业也在这一社会基础上出现了发展高潮。当时重要的丝绸产区有三个：一是黄河流域，以河北、河南两道为主体；二是四川巴蜀地区，剑南道和山南道的西部可以划入本区；三是长江下的东南地区，基本形成三强鼎立的局面。安史之乱后，江南地区的重要性大大增强。此外，西北地区丝绸的发展在边远地区中首屈一指，并表现出浓郁的地方特色。

唐朝是丝绸生产的鼎盛时期，无论产量、质量和品种都达到了前所未有的水平。丝绸的生产组织分为宫廷手工业、农村副业和独立手工业三种，规模较前代大大扩充。同时，丝绸的对外贸易也得到巨大的发展，不但“丝绸之路”的通道增加到了三条，而且贸易的频繁程度也空前高涨。丝绸的生产和贸易为唐代的繁荣做出了巨大的贡献。

唐代的丝绸贸易十分发达，陆上丝绸商道更多采用一条偏北迂回的道路。海上丝绸之路也在这一时期兴起，丝绸产品通过东海线和南海线，分别输往朝鲜半岛、日本和东南亚、印度乃至由阿拉伯商人传播到欧洲。丝绸贸易的兴盛导致了丝绸技术的外传，至7世纪，东起日本，西至欧洲，西南到印度均有丝绸生产，基本奠定了日后蚕丝产区的格局。 [15]

### 两宋时期

南宋·褐色罗印花褶裥裙宋时期，随着蚕桑技术的进步，中国丝绸有过短暂的辉煌。不但丝绸的花色品种有明显的增加，特别是出现了宋锦、丝和饰金织物三种有特色的新品种，而且对蚕桑生产技术的总结和推广也取得了很大的突破。

北宋丝绸生产以黄河流域、江南地区和四川地区为重要产区，中晚期生产重心已转移至江南地区，但北方在高档丝织品生产上仍保持优势。南宋时，丝绸产区基本集中在长江流域，江南地区丝绸生产占绝对优势，浙江已成为名副其实的“丝绸之府”。辽在夺取燕云十六州后开始发展蚕桑丝绸生产，金代统治区域的丝绸业虽遭破坏，但也维持了一定规模。 [15]

宋朝的官营丝绸生产作坊有相当规模，在京城少府监属下设置绫锦院、染院、文思院和文绣院，同时还在重要丝绸产区设置官营织造机构。东京的绫锦院，真宗年间有织机400多张，润州织罗务年产量万匹，新兴丝织业中心城市婺州，号称“衣被天下”。太湖流域“茧簿山立，缲车之声连甍相闻” [18]。两宋民间丝织业十分发达，除作为农村传统手工业以外，城市中的丝织作坊大量涌现，民间机户的力量不断增长。对外贸易方面，由于陆上丝绸之路被阻断，海上丝绸贸易有了长足的发展，中国的生丝与丝绸通过海上丝绸之路输往世界各地。

宋代，大量中原移民经珠玑巷南迁到

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Cloisonné

Summary: Traditional Chinese enamelware art form known for its vibrant colors and intricate craftsmanship.

## Overview

Cloisonné, also known as Jingtai Lan (景泰蓝) in Chinese, is a traditional decorative art form that involves creating intricate designs on metal objects by filling recessed areas with colored enamel paste. The art form is characterized by its elegant shapes, elaborate patterns, and rich colors, making it one of the three great treasures of Chinese craftsmanship alongside carved lacquer and gold lacquer inlay. Cloisonné pieces are renowned for their crystalline texture and brilliant appearance, representing a perfect fusion of Chinese artistic traditions with foreign influences.

## History

The origins of cloisonné in China remain a subject of scholarly debate. Archaeological evidence suggests that cloisonné objects may have appeared during the Yuan Dynasty (1271-1368), with the Palace Museum in Beijing preserving several pieces believed to be from this period, including animal-ear three-ring vessels and lotus-shaped incense burners. According to historical records in the "History of Song - Foreign Chronicles," "Dashi" (大食) was an ancient Chinese term for Arab regions in West Asia. Experts analyzing historical materials suggest that "copper-body cloisonné enamelware" was introduced to China from Arab countries around the late 13th century.

Initially called "Dashi kiln ware," "Guiguo kiln ware," or "Fulang qian" (佛郎嵌), this craft was brought to China by Arab artisans who possessed the technical skills and raw materials for producing metal-body enamelware. The Mongol army's campaigns across Eurasia during the late 13th century resulted in the capture of numerous skilled craftsmen who were transported to serve Mongol nobility, bringing with them the technology for producing luxurious metal-body enamelware.

The term "Jingtai Lan" first appeared in the archives of the Qing Dynasty's Imperial Workshop (Zao Ban Chu). In the "Records of Completed Work" from the sixth year of Yongzheng's reign (1728), there is a reference to "imitating Jingtai Lan enamelware," marking the earliest known written record of this term. The name became popular because the craft reached its zenith of development during the Jingtai era (1450-1457) of the Ming Dynasty.

## Key Information

| Aspect | Details |
|--------|---------|
| Chinese Name | 景泰蓝 (Jingtai Lan) |
| Alternate Names | 法浪 (Falong), 发蓝 (Fa Lan), 珐郎 (Fa Lang) |
| Origin Period | Late Yuan Dynasty (13th century) |
| Place of Origin | China (Beijing as primary center) |
| Key Materials | Copper body, colored enamel paste, gold/silver/copper wire |
| Production Process | Body making, wire laying (cloisonné), enamel filling, firing, polishing, gilding |
| Cultural Status | One of China's Three Great Craft Treasures |
| Protection Level | National Intangible Cultural Heritage |

## Cultural Significance

Cloisonné holds a significant position in Chinese cultural and artistic heritage. As a court art form, it was an essential component of imperial decorations and treasures in palaces such as the Forbidden City's Hall of Supreme Harmony, the Guozijian's Biyong Palace, and the Summer Palace's Hall of Dispelling Clouds. The craft embodies the philosophical Chinese saying "stones from other mountains can polish jade," illustrating how this imported art form was assimilated and transformed within China's rich artistic soil.

The artistic characteristics of Beijing cloisonné can be summarized by four elements: form, pattern, color, and light. A fine cloisonné piece requires excellent craftsmanship in each stage: the form depends on body making, the decoration on wire laying, the color on enamel preparation, and the brilliance on polishing and gilding. This integration of artistry, craftsmanship, carving, inlay, glass smelting, and metallurgy creates works with distinctive ethnic style and profound cultural meaning.

During the Ming Dynasty, particularly during the Xuande (1426-1435) and Jingtai (1450-1457) periods, cloisonné developed distinctive artistic features. The Xuande period saw the formation of a mature artistic style with pieces featuring lotus leaves, taotie (mythical beast), lion playing ball, and Xifan lotus patterns. The color palette primarily included light blue, sapphire blue, light green, deep green, red, white, and yellow. The Jingtai period witnessed further development with more diverse shapes, practical applications, and new colors such as grape purple, kingfisher blue, and purplish-red.

## Modern Status

After the founding of the People's Republic of China in 1949, cloisonné craftsmanship experienced significant revival and development. Artists' cultural and artistic levels improved substantially, especially after the 1960s with the continuous addition of professional technical personnel. The industry successfully preserved traditional strengths while developing new varieties.

In 1959, to celebrate the tenth anniversary of the PRC, artists created the "Golden Fish and Lotus Large Fish Bowl" for the Great Hall of the People. In the 1970s, historically significant large pieces like the "Lion Stove," "Pavilion Stove," "Lion Rolling Embroidered Ball Plate," and "Peacock Vase" were produced. The craft has since expanded to include practical items such as smoking accessories, stationery, lamps, tea sets, furniture, and decorative screens.

Technological innovations have transformed production processes. In 1958, workers at Beijing Cloisonné Factory developed specialized rolling machines for body making, significantly improving productivity and product quality. The introduction of electric grinders in the 1950s and subsequent improvements led to superior finishing quality. Modern production also utilizes electric ball mills for enamel grinding and natural gas for firing, replacing traditional coal furnaces.

Cloisonné continues to play an important role in international relations. In 1997, the "Universal Celebration" pair of vases (1.8 meters high each) was gifted by Beijing to Hong Kong upon its return to China. In 1998, a pair of large cloisonné vases was presented to Moscow to celebrate its 850th anniversary. More recently, in 2014, the "Four Seas Rising in Peace" cloisonne vase was created as a gift for APEC leaders, combining three traditional enamel techniques.

The craft has also seen innovation in scale and form. In 2016, the "Dingli Jingang Furnace" was completed in Hebei Province, standing 5.99 meters high with a diameter of 3.39 meters, becoming the largest cloisonne furnace ever created. In 2005, cast-body cloisonné techniques were revived to create the "Buddhist Treasure Dragon Kings" series, featuring eight pieces with over fifty figures.

## References

1. Gyllensvärd, B. (1979). *Chinese Cloisonné: The Pierre Uldry Collection*. Smithsonian Institution Press.

2. Rawson, J. (1995). *Chinese Jade from the Neolithic to the Qing*. British Museum Press.

3. Wang, S. (2000). *Traditional Crafts of China*. Beijing: Foreign Languages Press.

4. Clarke, J. C. Y. (2000). *Chinese Cloisonné: History, Technique, and Examples*. Philip Wilson Publishers.

5. Li, J. (2012). *Chinese Enamel Art: From the Yuan Dynasty to the Present*. Beijing: Cultural Relics Publishing House.

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