Publications by Patrícia Castello Branco
Atualmente, as práticas da imagem vivem numa enorme tensão entre duas tendências opostas. Deparam... more Atualmente, as práticas da imagem vivem numa enorme tensão entre duas tendências opostas. Deparamo-nos, por um lado, com o gigantesco projeto da imagem digital, com a sua redução da experiência visual a um código abstrato de 0’s e 1’s, baseada na crença de que a visualidade pode ser reconduzível a puras propriedades, ou representações mentais e, de outro, com uma procura fenomenológica da perceção, que integra a experiência do ver na experiência mais lata do sentir e da perceção hápticos, com base na ideia de que o corpo e a experiência concreta são fatores inalienáveis de atribuição de sentido. Neste cenário, a tecnologia desempenha papéis dúbios e extremamente complexos.
A tecnologia foi, desde sempre, uma aliada privilegiada do projeto de racionalização e abstração do universo visual, mas integra também possibilidades de agenciamento sensorial que surgem como contrapeso à tendência puramente uniformizadora e ordenadora, como lhe chama Heidegger, da linguagem científica.
Heidegger descobre poderes regeneradores na tecnologia moderna que, como ponto culminar da metafísica, aponta, paradoxalmente já para algo de novo, Ernst Jünger vê forças titânicas por detrás do agenciamento tecnológico da cultura e, simultaneamente, um movimento de fusão entre o espírito e a matéria que pode ser uma ameaça ao livre-arbítrio humano. Walter Benjamin defende a capacidade libertadora da integração do choque moral e sensorial levado a cabo pelo agenciamento tecnológico da imagem e da perceção como construção de sentido livre das fantasmagorias associadas à arte aurática. Marshall McLuhan argumenta que o estado de hipnose instituído pelo simulacro tecnológico exige uma reconsciencialização sensorial que equilibrará as tendências fantasmagóricas da técnica e uma profunda inversão dos rácios perceptivos modernos, em que o olho é o aliado incontestável do projeto de racionalização da perceção.
Todas estas questões encontram eco nos discursos filosóficos contemporâneos e também nas práticas mais catuais da imagem, como os discursos mediáticos e os discursos artísticos. Mas são igualmente profundamente refletidas e desenvolvidas ao longo de todo o período moderno em que, mais especificamente, a hegemonização da visão face aos demais sentidos e a tentativa de cientifização e matematização do espaço visual conhecem enormes resistências. Os limites do conhecimento racional e do projeto de cientifização da experiência são também o ponto de partida para formas de perceção que extravasam a hegemonia do olhar e que evocam outras formas de conhecimento e de experiência.
No início do III milénio, o corpo é o centro para onde confluem os mais espantosos prodígios do agenciamento tecnológico da perceção, mas é também o lugar privilegiado das maiores problematizações em torno da ideia de simulacro. Esse processo acontece na imagem tecnológica do ecrã mediático, e está na base da crescente importância que o corpo vem ganhando nos discursos artísticos do cinema, arte vídeo e artes visuais contemporâneas, e que encontram profundas continuidades com os novos media: internet, realidade virtual, multimédia, instalações, fotografia, cinema e vídeo digitais. Procura-se, nesta investigação, questionar se eles serão uma continuidade do projeto científico moderno de redução total da experiência a lógicas abstracizantes e uniformizantes ou, pelo contrário, anunciam uma reconsciencialização sensitiva com o questionamento das fantasmagorias associadas, não só à arte aurática, mas também ao ocularcentrismo racionalista moderno.
Imagem, Corpo, Tecnologia. A função Háptica das Novas Imagens Tecnológicas
Lisboa: Fundação Calouste Gulbenkian, 2013
Film-Philosophy, 2022
The German filmmaker Werner Herzog controversially associates “truth” and “reality” in film with ... more The German filmmaker Werner Herzog controversially associates “truth” and “reality” in film with Kant’s notion of the sublime by explicitly treating the sublime as a key element in developing his notion of ecstatic truth. I critically examine Herzog’s interpretation of Kant’s sublime and the relations he establishes between the sublime and his own key aesthetic notion of ecstatic truth. I examine how the sublime in Herzog’s films arises from encounters with the overwhelming force and power of nature experienced by his characters in the feature films and participants in the documentaries. I question whether Kant’s conception of the sublime is the one that best aligns with Herzog’s aesthetic aims and I contrast Kant’s transcendental sublime with what I describe as the physiological sublime of Edmund Burke. I draw some conclusions about the moral dimension of the sublime in the context of the relationship between humans and nature within the frame of contemporary ecological concerns.
Studies in Russian and Soviet Cinema, 2022
In this article, I analyse the convergences between haptic visuality and Sergei Eisenstein’s film... more In this article, I analyse the convergences between haptic visuality and Sergei Eisenstein’s film theory, in particular his ideas on rhythm, sensorial thought, organic unity, pathos and ecstasy in order to consider the extent to which they constitute the core of a ‘cinema of sensation’ that, for Eisenstein, serves a very important political drive. Simultaneously positioned at the core of avant-garde criti- cism of traditional models of representation on the one hand, and political revolutionary ideas on the other, cinema appears, to Eisenstein, as a privileged space in which to bring the representa- tive imagery dominant in ‘bourgeois societies’ into question and to put art at the service of the Revolution. My intent is to assess how Eisenstein combines avant-garde aesthetic aims and experimental film practices with the goals of politically engaged creations. This combination is achieved through the exploration of a haptic use of images that prefigure a ‘cinema of sensation’. This article therefore takes the form of a double analysis: on the one hand, it examines the relationship between haptic visuality and Eisenstein’s film the- ories; on the other, it questions how haptic visuality plays a fundamental role in harmonising the apparently opposite vectors of aesthetic avant-garde and materialistic political drives.
Haptic visuality, sensation and politics in Eisenstein’s film theory
STUDIES IN RUSSIAN AND SOVIET CINEMA, 2022
In this article, I analyse the convergences between haptic visuality and Sergei Eisenstein’s film... more In this article, I analyse the convergences between haptic visuality and Sergei Eisenstein’s film theory, in particular his ideas on rhythm, sensorial thought, organic unity, pathos and ecstasy in order to consider the extent to which they constitute the core of a ‘cinema of sensation’ that, for Eisenstein, serves a very important political drive. Simultaneously positioned at the core of avant-garde criti- cism of traditional models of representation on the one hand, and political revolutionary ideas on the other, cinema appears, to Eisenstein, as a privileged space in which to bring the representa- tive imagery dominant in ‘bourgeois societies’ into question and to put art at the service of the Revolution. My intent is to assess how Eisenstein combines avant-garde aesthetic aims and experimental film practices with the goals of politically engaged creations. This combination is achieved through the exploration of a haptic use of images that prefigure a ‘cinema of sensation’. This article therefore takes the form of a double analysis: on the one hand, it examines the relationship between haptic visuality and Eisenstein’s film the- ories; on the other, it questions how haptic visuality plays a fundamental role in harmonising the apparently opposite vectors of aesthetic avant-garde and materialistic political drives.
O Quarto Perdido do Motel X. Os filmes de Terror Português (1911-2006, 2022
J. Mateus (Ed.), O Fim da Verdade Objetiva. Lisboa: Atelier-Museu Júlio Pomar/EGEAC., 2022
The Senses and Society, 2020
This article examines the notion of "Film as Sensation" in the first French avant-garde. It begin... more This article examines the notion of "Film as Sensation" in the first French avant-garde. It begins by exploring the meaning of this notion in a series of key films and aesthetic statements by Contrary to Gilles Deleuze's account of the work of this school as Cartesian in spirit, this article seeks to demonstrate that it operates a fusion between the senses, disruption, and criticism: the three elements coming together to produce a new, integral art form. Walter Benjamin's views on the tactile and the absent minded public of film, and Henri Bergson's critique of time and movement in cinema are also discussed, with the latter being shown to be a key philosophical influence. The essay ends with an analysis of some films by Abel Gance, Marcel Duchamp, and Fernand Léger. It is concluded that the idea of "Film as Sensation" entrained a significant development in thinking about the mediation of perception that, once recovered from the oblivion to which it has been consigned, can help bring film theory to a reconsideration of the senses and a new attention to the aesthetics of filmic sensation.
Communicating in the Anthropocene: Intimate Relations, 2021
This essay considers the film Leviathan (Castaing-Taylor and Paravel, 2012), an experimental docu... more This essay considers the film Leviathan (Castaing-Taylor and Paravel, 2012), an experimental documentary filmed aboard a fishing trawler departed from Newport, Massachusetts— once the whaling capital of the world, made famous in Herman Melville’s (1851) Moby Dick —which the directors used as their base of operations and observations. The film is an intimate portrait of a specific human practice—fishing—which here allows for an encounter with otherness: to see how the fishes see, to dive into the raw materiality of steel, to break with all types of humanism. In this manner, the film provides a sensory journey beyond the limits of human perception and understanding.
The Philosophy of Werner Herzog , 2020
In the work of Werner Herzog, the encounter with primordial nature draws specifically on the phil... more In the work of Werner Herzog, the encounter with primordial nature draws specifically on the philosophical concept of the sublime, which is one of the most important keys to understanding the philosophical framework of Herzog’s films in that it condenses some of his major themes, including truth, factuality, ecstasy, reality and fantasy. Herzog establishes numerous points of contact between his films (and notably in his famous lecture On the Absolute, the Sublime, and Ecstatic Truth1 ) and the sublime, drawing upon the theories of Kant and Longinus on the subject. I will try to demonstrate, however, that Edmund Burke’s perspective of the sublime as a physiological experience is closer than Kant’s eminent transcendental concept, or even the early theorization by Longinus, to the encounter with the absolute presence and material dimension of nature and bodies (human and non-human) in Herzog’s films. Here, bodies and landscapes function as central aesthetic elements insofar as they open both immanent and transcendent meanings, simultaneously containing the facts and their overcoming, and thereby opening themselves to what the filmmaker calls the ‘ecstatic truth.’ Ecstatic truth is an experience strongly connected with the actions of Herzog’s heroes and anti-heroes in films such as Grizzly Man (2005), Aguirre the Wrath of God (1972), and Fitzcarraldo (1982). Here, ecstatic truth is experienced as an encounter with natural forces, which is very similar to Nietzsche’s description of the Dionysian (as described in his Birth of Tragedy) and rooted in a particular aesthetics of the physiological sublime.
Cinema e Território - Revista Internacional de Arte e Antropologia das Imagens, 2019
Resumo: Neste texto pretendo desenvolver o conceito de visualidade háptica, a partir de três film... more Resumo: Neste texto pretendo desenvolver o conceito de visualidade háptica, a partir de três filmes chave da história do cinema português: A Dança dos Paroxismos (Jorge Brum do Canto, 1929), Mudar de Vida (Paulo Rocha, 1966) e A Zona (Sandro Aguilar, 2008). Iniciarei com uma introdução ao conceito de háptico, tal como foi originalmente concebido por Alois Riegl. Daqui partirei para um estudo concreto das obras acima referidas, começando por A Dança dos Paroxismos de Brum do Canto. Procurarei examinar a relação ímpar que Brum do Canto estabelece entre a visualidade háptica e a subversão da paisagem rural portuguesa. Continuarei com uma análise de Mudar de Vida de Paulo Rocha, à luz daquilo que considero um dos elementos estéticos principais da obra: a construção de um espaço que vive da constante passagem de relações físicas com a realidade, para relações emocionais e sociais. Terminarei com uma exploração do filme A Zona de Sandro Aguilar, atentando à forma como esta obra incorpora e desenvolve práticas que encerram uma visualidade háptica que aqui irei, mais uma vez, desenvolver. Palavras-chave: Visualidade háptica, Corpo, Paisagem, Cinema Português. Abstract: In this essay I will try and develop the concept of haptic visuality, departing from three important films of the history of Portuguese Cinema: The Dance of the Paroxysms (Jorge Brum do Canto, 1929), Change of Life (Paulo Rocha, 1967) and Uprise (Sandro Aguilar, 2008).
This essay discusses Klaus Kinski's performance in Aguirre, the Wrath of God (Werner Herzog, 1972... more This essay discusses Klaus Kinski's performance in Aguirre, the Wrath of God (Werner Herzog, 1972) and explores how, in this film, Kinski incorporates Edmund Burke's physiological sublime. My plan for uniting Aguirre with the thought of Edmund Burke is to discuss the role the body plays as a central aesthetic element. I will try and demonstrate that, in the strictest use of his bodily gestures, presence and physical features Kinksi reaches an overwhelming sensation of non-separation between his body, his mind and the landscape, transcending the idea of the individual self towards self-transcendence. I will further argue that, in this film, the physical components of the aesthetic experience are a pathway to the foundation of a new subjectivity, to which Kinski physical performance is fundamental. Through his performance Kinski establishes a close relationship with the landscape, creating an experience of exaltation, self-transcendence and disruption. I will start by giving a brief account of the burkean physiological sublime in order to relate it to Kinski's performance at three interrelated levels: 1) the idea of 'large form'; 2) the ideas of loss of boundaries, infinity, terror and the self; and 3) the appearance of the physiological sublime in its Dionysian formula. I will then specifically analyze Kinski physical style based in his 'spider' and 'spiral' movements and in a special sense of rhythm. Finally, I will conclude by highlighting some of the philosophical consequences of this displaying.
017, Audiovisual Poshumanism. Sampanikou, E. (ed.). Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Publishing,, 2017
This essay aims at describing what I designate here as Eco-Posthumanism. Eco-Posthumanism origina... more This essay aims at describing what I designate here as Eco-Posthumanism. Eco-Posthumanism originates as a specific shift in Posthumanism that has integrated a deep-ecological position. Eco-Posthumanism has been focusing mainly on a critic to Western Modern Humanistic project to rule and overmaster Nature and has been centred on a deep inquire into the instrumental view of Modern Technology that echoes some of the most important thoughts of the XX century on this regard: Ernst Jünger and Heidegger’s views. Simultaneously, Eco-Posthumanism endorses a radical questioning on the Modern Western Mind/Body Divide, which is in tune, on one hand, with Katherine Hayles’ famous critics to the disembodied views regarding technological subjects (Hayles: 1999), and, on the other, with Robert Pepperell’s Posthuman proposals for a new understanding of the relationship between mind (consciousness), matter and world (Pepperell: 2003).
What I suggest here is that Avatar can be viewed as an Eco-Posthumanist impact on popular culture.
Despite its high popular features and clichés, and whether we tend to like or dislike it, Avatar does integrate a major cultural shift from a Modern view about Nature, Technology and Humanity we normally designate as Posthumanism. It actually entails a specific type of Posthumanism which I introduce here as Eco-Posthumanism. Focusing on this shift, I’ll stress the Eco-Posthuman aspects of the movie.
Pure Sensations? From Abstract Film to Digital Images
Animation-an Interdisciplinary Journal, 2010
This article is a study of ‘film as sensation’. It provides a new approach to abstract cinema pra... more This article is a study of ‘film as sensation’. It provides a new approach to abstract cinema practices and demonstrates that they include the idea of ‘pure sensation’. Therefore, abstract cinema should not be interpreted as purely structural and conceptual. The author argues that ‘film as sensation’ has been part of the essence of cinema since the very beginning. The argument proceeds from a brief rewriting of the history of abstract cinema with a view to demonstrating how ‘film as sensation’ is present in the essential moments of cinema’s history. Furthermore, it is argued that this concept of ‘film as sensation’ does not correspond to an idea of cinema or visual effects as ‘pure entertainment’ but should be understood as ‘critical rupture’. This idea of ‘critical rupture’ finds its theoretical justification in the concept of ‘perceptive shock’ or ‘perceptive trauma’ from which Walter Benjamin justified the aesthetic intentions of the new-born art.
2 O vídeo opera uma mudança 3 2.1 Vocação anti-televisiva do vídeo 4 2.2 A vocação narcisista do ... more 2 O vídeo opera uma mudança 3 2.1 Vocação anti-televisiva do vídeo 4 2.2 A vocação narcisista do vídeo. . 6 2.3 A vocação formalista do vídeo. 8 2.3.1 Interpenetrações com o cinema experimental: algumas linhas de leitura. .. .. .. .. .. . 9 2.3.2 Processos e consequências. . 15 3 A pós-modernidade do vídeo 18 3.1 Críticas e problematizações. .. 23 3.2 Relação com o corpo do espectador: experiência sensorial. .. . 27
A Physicalist Approach to Images: Alexandre Estrela’s Journey to the Center”.
Millennium Film Journal, 2010
“Hans Richter: Rythmus 2”. In The Directory of World Cinema: Germany. Vol. II Bristol: Intellect Books.
“Walter Ruttmann: Melody of the World”. In The Directory of World Cinema: Germany. Vol II, Bristol: Intellect Books.
“Walter Ruttmann: Weekend”. In The Directory of World Cinema: Germany. Vol. II. Bristol: Intellect Books
In Dadejík, Stejskal (eds.), The Aesthetic Dimention of Visual Culture. Newcastle upon Tyne: Cambridge Scholars Publishing, 2010: 98-111, 2010
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Publications by Patrícia Castello Branco
A tecnologia foi, desde sempre, uma aliada privilegiada do projeto de racionalização e abstração do universo visual, mas integra também possibilidades de agenciamento sensorial que surgem como contrapeso à tendência puramente uniformizadora e ordenadora, como lhe chama Heidegger, da linguagem científica.
Heidegger descobre poderes regeneradores na tecnologia moderna que, como ponto culminar da metafísica, aponta, paradoxalmente já para algo de novo, Ernst Jünger vê forças titânicas por detrás do agenciamento tecnológico da cultura e, simultaneamente, um movimento de fusão entre o espírito e a matéria que pode ser uma ameaça ao livre-arbítrio humano. Walter Benjamin defende a capacidade libertadora da integração do choque moral e sensorial levado a cabo pelo agenciamento tecnológico da imagem e da perceção como construção de sentido livre das fantasmagorias associadas à arte aurática. Marshall McLuhan argumenta que o estado de hipnose instituído pelo simulacro tecnológico exige uma reconsciencialização sensorial que equilibrará as tendências fantasmagóricas da técnica e uma profunda inversão dos rácios perceptivos modernos, em que o olho é o aliado incontestável do projeto de racionalização da perceção.
Todas estas questões encontram eco nos discursos filosóficos contemporâneos e também nas práticas mais catuais da imagem, como os discursos mediáticos e os discursos artísticos. Mas são igualmente profundamente refletidas e desenvolvidas ao longo de todo o período moderno em que, mais especificamente, a hegemonização da visão face aos demais sentidos e a tentativa de cientifização e matematização do espaço visual conhecem enormes resistências. Os limites do conhecimento racional e do projeto de cientifização da experiência são também o ponto de partida para formas de perceção que extravasam a hegemonia do olhar e que evocam outras formas de conhecimento e de experiência.
No início do III milénio, o corpo é o centro para onde confluem os mais espantosos prodígios do agenciamento tecnológico da perceção, mas é também o lugar privilegiado das maiores problematizações em torno da ideia de simulacro. Esse processo acontece na imagem tecnológica do ecrã mediático, e está na base da crescente importância que o corpo vem ganhando nos discursos artísticos do cinema, arte vídeo e artes visuais contemporâneas, e que encontram profundas continuidades com os novos media: internet, realidade virtual, multimédia, instalações, fotografia, cinema e vídeo digitais. Procura-se, nesta investigação, questionar se eles serão uma continuidade do projeto científico moderno de redução total da experiência a lógicas abstracizantes e uniformizantes ou, pelo contrário, anunciam uma reconsciencialização sensitiva com o questionamento das fantasmagorias associadas, não só à arte aurática, mas também ao ocularcentrismo racionalista moderno.
What I suggest here is that Avatar can be viewed as an Eco-Posthumanist impact on popular culture.
Despite its high popular features and clichés, and whether we tend to like or dislike it, Avatar does integrate a major cultural shift from a Modern view about Nature, Technology and Humanity we normally designate as Posthumanism. It actually entails a specific type of Posthumanism which I introduce here as Eco-Posthumanism. Focusing on this shift, I’ll stress the Eco-Posthuman aspects of the movie.